Главная | Обратная связь | Поможем написать вашу работу!
МегаЛекции

Другие жанры камерной вокальной музыки




Романс – художественная песня с разработанной партией сопровождения, с выразительными и звукоизобразительными эффектами, более тонко, чем песня, отображающими детали текста.

Происхождение термина «романс» от испанского romance, что значит «романский», т.е. исполняемый на «романском» (испанском) языке.

Баллада – произведение эпико-повествовательного характера для голоса соло с сопровождением. Фантастический или легендарно-исторический характер сюжета, наличие драматической развязки – обязательные свойства литературной основы. Относительная свобода формы музыкальной баллады.

Влияние литературной баллады на музыкальные жанры (баллада в опере, в инструментальной, кантатной музыке).

Исторические изменения значения термина «баллада» в музыке.

Серенада – приветственная (как правило, вечерняя) песня. Историческая многозначность термина:

песня, исполняемая под аккомпанемент гитары под окном возлюбленной (Италия, Испания);

сольная инструментальная пьеса с чертами вокальной серенады;

циклическое произведение для инструментального ансамбля (XVII–XVIII вв.);

произведение, написанное к торжественному случаю (род кантаты), допускающее использование элементов сценического действия, а также балета.

Краткая характеристика менее самостоятельных жанров – вокализа, монолога, речитатива.

Новые формы синтеза слова и музыки в XX в.

Камерная инструментальная музыка

Камерными называются музыкальные произведения, предназначенные для исполнения в небольших помещениях или для домашнего музицирования. Сфера содержания камерной музыки – преимущественно лирические эмоции, пейзажные мотивы.

Простые жанры

Характеристика некоторых простых (одночастных) жанров.

1. Прелюдия. Происхождение и развитие жанра в творчестве И.С. Баха, Ф. Шопена, русских композиторов XIX–XX вв.

2. Этюд. Зарождение жанра как инструктивной пьесы для совершенствования исполнительской техники. Новая художественная значимость этюда в музыке композиторов-романтиков, русских композиторов.

3. Токката. Возникновение жанра как специфического для органной и клавирной музыки (XVI в.); с XIX в. – как самостоятельного виртуозно-концертного в духе этюда.

4. Ноктюрн. В романтической музыке – небольшая лирическая пьеса; ранее род дивертисмента (многочастного инструментального произведения), исполняемого на открытом воздухе. Ноктюрн в творчестве Дж. Филда, Ф. Шопена, П.И. Чайковского и др.

5. Скерцо. Этапы развития жанра:

XVI–XVII вв. – музыкальное произведение на шутливые тексты;

XVIII в. – часть инструментальной сюиты;

с конца XVIII в. – часть сонатно-симфонического цикла;

в творчестве романтиков – самостоятельное одночастное произведение шутливого, юмористического, гротескного характера.

Знакомство с другими простыми жанрами – экспромтом, музыкальным моментом, баркаролой, каприччио, новеллеттой.

Сложные жанры

Трио-соната – один из основных камерных жанров западноевропейской музыки XVII в. – главный источник зарождения более поздних циклических жанров. Два вида трио-сонаты: sonata da kamera – путь к старинной сюите; sonata da chiesa – предтеча сонатно-симфонического цикла.

Старинная сюита. Простые бытовые жанры в основе сюиты. Особенности фактуры, объединяющей признаки полифонии и гомофонии. «Вставные» танцы; их роль в дальнейшем развитии циклических и нециклических форм и жанров.

Программная инструментальная сюита в музыке второй половины XIX – XX вв.

Соната – один из основных жанров камерной музыки. Формирование классической сонаты на базе более ранних жанров. Жанр сонаты в творчестве Д. Скарлатти, Й. Гайдна, В.А. Моцарта, Л. ван Бетховена. Соната в музыке романтиков, русских композиторов.

Камерные музыкальные ансамбли – трио, квартеты, квинтеты и др. Особенности их поэтики – лиричность, интимный характер высказывания, тонкая разработанность голосов фактуры.

Билет № 20

Вопрос 1

Авторская песня, или бардовская музыка — песенный жанр, возникший в середине XX века в разных странах. Его отличительными особенностями является совмещение в одном лице автора музыки, текста и исполнителя, гитарное сопровождение, приоритет значимости текста перед музыкой, ориентация на коллективное пение непрофессионалами.

Предшественником авторской песни можно считать городской романс и песенные миниатюры А. Вертинского.

Поначалу основу жанра составляли студенческие и туристские песни, отличавшиеся от «официальных». Чаще всего (хотя и не всегда) исполнители песен этого жанра являются одновременно авторами и стихов, и музыки — отсюда и название. Широкую популярность приобрела авторская песня в середине 1950-х, с появлением магнитофона. В это время начали систематически сочинять песни Б. Окуджава и Н. Матвеева.

Позднее, в 1960-х — 80-х, классиками жанра стали Владимир Высоцкий, Александр Галич, Сергей Никитин, Александр Городницкий, Вероника Долина, Александр Дольский. Авторская песня была одной из форм самовыражения «шестидесятников».

В развитии авторской песни можно выделить несколько этапов.

Первый этап — романтический, лидером которого стал Б. Окуджава, продолжался примерно до середины 1960-х гг. Главной сферой реализации романтического начала была «песня странствий» с центральными для неё образами дружбы (друга) и дороги как «линии жизни» — пути в неизведанное и пути к самопознанию. На этом этапе авторская песня практически не выходила за пределы породившей её среды, распространяясь «от компании к компании» изустно или в магнитофонных записях.

Особняком, однако, стояли горькие и сатирические песни А. Галича, который уже в начале 60-х гг. («Старательский вальсок», «Спрашивайте, мальчики», «За семью заборами», «Красный треугольник» и др.) обратился к резкой критике существующего строя с неслыханной для того времени смелостью и откровенностью.

Эстетика «песни протеста» была продолжена В. Высоцким. Он расширил интонационные приёмы (так, его интонационная находка — распевание согласных) и лексику песни, включив в неё обширный пласт сниженной лексики.

 

Важное место в творчестве многих бардов занимала тема Великой Отечественной войны. При этом, в отличие от героического пафоса песен «официальной культуры», в авторской песне на первое место выходил «человеческий аспект» войны, причинённые ей страдания, её античеловечность («До свидания, мальчики!» Б. Окуджавы, «Баллада о вечном огне» А. Галича, «Так случилось, мужчины ушли» В. Высоцкого и многие другие песни).

Чёткой и единой терминологической системы, связанной с песенными жанрами, до сих пор не существует. Иногда термины «авторская песня» и «бардовская песня» употребляют как синонимы. Но, например, Владимир Высоцкий категорически не любил, чтобы его называли «бардом» или «менестрелем».

Хроники показывают, что в 1950-х и начале 1960-х годов наиболее употребителен по отношению к жанру был термин «самодеятельная песня» — его, в частности, применяли и сами авторы.

(биография и творческий путь одного из композиторов на выбор)

Вопрос 2

Колокольные звоны

В течение веков звон колоколов составлял особую звуковую атмосферу Москвы. Колокольные звоны были связаны не только с богослужением: они сопровождали коронации российских государей, торжества в честь воинских побед или государственных событий. К небогослужебным колокольным звонам относился и набатный звон — частые удары в так называемый набатный, или всполошный, колокол.

Развитие искусства колокольного звона шло на протяжении нескольких веков: от сигнала — призыва к богослужению, сохранившегося ныне в виде благовеста (равномерных ударов в 1 колокол перед началом службы), до звона во все колокола (так называемого трезвона). С течением времени колокольный звон включается в литургию. Появление звона по окончании службы (то есть вне её) знаменует новый период в развитии колокольной музыки.

В XVII в., когда московское колокололитейное производство достигло совершенства, открылись широкие возможности для создания художественных звонов.

Древний обычай, когда в пасхальную неделю в церковные колокола мог звонить любой желающий, способствовал развитию колокольных звонов; звонарями подбирались и обыгрывались новые ритмические фигуры и т.п., что накладывало отпечаток и на повседневную практику звонов. В летописях содержатся сведения о том, что царь Иван IV Грозный каждый день сам звонил на колокольнях. Любил колокольные звоны и сын Ивана IV Фёдор, неоднократно звонивший на колокольнях московских соборов и предпочитавший порой колокольные звоны государственным делам.

В середине XVII в. звоны уже были «многоголосны»; на московских колокольнях находилось несколько тысяч колоколов, которые во время богослужения издавали разнообразный звон. Сохранились сведения, что колокола «Ивана Великого» составляли между собой «музыкальную гармонию», а при храмах Москвы было от 4 до 12 колоколов, приспособленных для «произведения музыкальной гармонии» (то есть имелись благозвучные подборы).

В Московском Кремле было три особых набатных колокола — Спасский (на Набатной башне), Троицкий и Тайницкий. Указом царя Алексея Михайловича о пожарных набатах в Москве от 1668 были даны регламентации звонарям, позволяющие легко определить, в каком районе пожар.

В Москве разнообразие колокольных звонах было обусловлено огромным количеством церквей; каждый звонарь, беря за основу какой-либо незатейливый ритмический рисунок, варьировал его по своему усмотрению. С течением времени количество колоколов на каждой колокольне увеличивается. Самый величественный колокольный звон производился в Москве в пасхальную ночь. Он совершался по особому, исстари существующему в Москве обычаю: благовест к заутрене начинался с колокольни «Иван Великий» в Кремле; все московские церкви должны были ждать, когда ударит Большой Успенский колокол; на первый удар этого главного московского колокола отзывался колокол Страстного монастыря, затем колокола соборов, и только после этого начинали звон все другие колокольни Москвы. За несоблюдение этих правил, в случае если церковный благовест начался ранее соборного, с провинившихся причтов взыскивался штраф.

На рубеже XIX—XX вв. в Москве начинают выделяться звонари, собирающие на одной колокольне колокола определенного строя и виртуозно исполняющие на них целые музыкальные композиции. Звонарь П.Ф. Гедике, звонивший на колокольне Сретенского монастыря в 1920-х гг., отмечал, что из его «колокольного оркестра нельзя изъять ни одного колокола» (это было бы, по его словам, равносильно тому, как у рояля изъять клавишу). Весь комплект колоколов, собранный и сформированный Гедике, представлял редкий образец колокольного оркестра, на котором виртуозный звонарь мог разрабатывать любую музыкальную тему.

После Октябрьской революции церковный колокольный звон насильственно изгонялся из обиходной жизни. Новые условия давали толчок к развитию концертных форм колокольного музицирования. Колокольный звон обрёл черты, присущие светскому искусству. Особой известностью и популярностью в 1920-х гг. пользовался музыкант-звонарь К.К. Сараджев, звонивший на колокольне церкви Марона Пустынника. Слушать его звон горожане специально приезжали из разных концов Москвы. Чрезвычайно интересовался колоколами А.Н. Скрябин. «Колокольностью» пронизаны и многие произведения С.В. Рахманинова.

На рубеже 1920—30-х гг. почти все московские колокола были сданы в Рудметаллторг на переплавку. В 1930 колокольные звоны в Москве были официально запрещены. Лишь на нескольких колокольнях сохранились собственные подборы. На них работал старейший звонарь Москвы В.И. Мошков, который донёс до наших дней традиционный московский колокольный звон конца XIX — начала XX вв. и передал это искусство многочисленным ученикам.

С начала 1990-х гг. в Москве началось возрождение колокольных звонов. Колокольни оснащаются главным образом колоколами современного литья или металлическими билами («пластинчатыми» колоколами). Так, церковь Всех Святых бывшего Алексеевского монастыря (Красносельский переулок) полностью оснащена только билами, звон которых благозвучен и практически неотличим от колокольного. Энтузиастом возрождения бил является металлург А.И. Жихарев (изготовленные им била находятся на многих колокольнях московских храмов).

На сегодняшний день в христианском мире существуют три вида колокольного звона, каждый из которых предъявляет свои требования и к колоколам.

1. Православный звон — в его основе лежат ритм с присущей ему динамикой и взаимодействием тембров. Поэтому в колоколах ценится прежде всего благозвучие (благо-лепие) и богатство тембров, а абсолютное значение основного тона здесь роли не играет. Количество колоколов в звоннице обычно от 5 до 12. Звон осущест-вляется раскачкой языка, к которому предъявляются определенные требования. Благозвучие достигается грамотным подбором колоколов и мастерством звонаря.

2. Католический звон — в его основе лежат одиночные или двойные удары облегченного языка о качающийся или вращающийся колокол, который обычно оснащен противовесом с тем, чтобы центр тяжести проходил через ось вращения.Количество колоколов в звоннице обычно от 2 до 6. По традиции колокола подбираются или отливаются под определенный основной тон с ограниченным количеством обертонов. Отсюда звон сам по себе не так богат и зависит от количества колоколов, а также амплитуды их качания или скорости вращения, поэтому квалификация звонаря особого значения не имеет. В некоторых странах наравне с традиционным звоном практикуется и звон путем раскачки языка.

3. Кариольный звон — в его основе лежит исполнение звонарем мелодий по нотам с использованием набора колоколов, составляющих звукоряд в 2 - 5 полных октав. Звон, как правило, осуществляется клавишным устройством (напоминающим клавиатуру органа). Оно приводит в движение языки или молотки колоколов через механические тяги или электромагнитные приводы. Колокола обычно подтачиваются точно в ноту, при этом стараются убрать лишние обертона и сократить время его звучания до 4 - 5 секунд, иначе это будет мешать исполнению мелодии. Если карильон оснастить автоматическим программным управлением в виде барабана или электромагнитного устройства, то он превращается в куранты.

Карильонная музыка не имеет ничего общего с церковным звоном..

Зная основные отличия православной и западной традиций колокольного звона, легко понять, насколько разные требования они выдвигают к отливке и подбору колоколов для создания цельного звона.

В церкви различают 4 канонических звона: благовест, перебор, перезвон и трезвон.

Благовест — один из наиболее древних звонов Православной Церкви и называется так потому, что несет Благую, радостную весть о начале Богослужения. Этот звон также оповещает о совершении таинства евхаристии на Литургии и о чтении Евангелия в других службах. Благовест может звучать как самостоятельно, так и в составе других звонов.

Перебор — или погребальный (похоронный, проводной) звон выражает грусть и скорбь об усопшем и состоит из двух частей: непосредственно канонической (как такового перебора) и свободной (трезвона).

Перезвон — более сложный по сравнению с благовестом и перебором. Он состоит также из двух частей: канонической (т.е. самого перезвона) и свободной (трезвона). Классически перезвон представляет собой звон поочередно в каждый колокол (по одному или несколько раз в каждый), начиная с большего и до самого малого (иногда с ударом "во вся"), и так повторяют много раз.

Трезвон — наиболее сложный по сравнению с другими каноническими звонами, но и является наиболее ярким в музыкальном отношении выражением колокольного звона, так как трезвон по своей форме не ограничен церковными уставами и поэтому различен как по составу используемых колоколов, так и имеет разнообразную форму исполнения, ритм, фактуру и инструментовку.

Колокольные звоны свершаются только по церковным канонам: в определенный час, определенным образом. Но есть в году одна неделя, когда (не одновременно с церковной службой) дозволяется звонить вдоволь, на радость всему миру. Это – Пасхальная Светлая Седмица. Следует помнить, что церковный колокол – это святыня, которую надо оберегать и чтить всегда. Звон – это украшение храма (собора, церкви), и пусть он будет всегда благолепным!

Билет № 21

Вопрос 1

Большинство критиков разделяют современные музыкальные жанры на три основные направления: поп, рок и рэп, которые в свою очередь уходят корнями в более ранние стили и породили большое количество собственных ответвлений.

Поп – это современная популярная музыка. Это очень широкий термин, охватывающий множество жанров, таких как диско, транс, хаус, техно, фанк, новая волна и другие. Давайте остановимся и рассмотрим особенности каждого из них.

  • Диско. Не так давно он был самым популярным жанром танцевальной поп-музыки. Ему присуще обилие эффектов, ведущая роль ритм-секции ударных и баса, а так же второстепенное, фоновое звучание струнных и духовых инструментов.
  • Транс. Он относится к одному из жанров электронной музыки и примечателен своим высоким эмоциональным воздействием на слушателя. Этот эффект достигается при помощи использования печальных, «космических» мелодий.
  • Хаус. Так называется танцевальная, полностью электронная музыка. Главным и единственным инструментарием является синтезатор. Отличительная черта этого жанра – наличие зацикленных музыкальных фраз и солирующих мелодий. Широко применяются эффекты.
  • Техно. Одной фразой можно сказать так: футуристическая музыка большого города. К особенностям техно относятся фантастические мелодии, мрачный металлический звук, «холодный», лишенный эмоциональности вокал.
  • Фанк. Один из танцевальных жанров, которому присущи четко выделенные доминирующие над всеми остальными инструментами ударники, низкая мелодичность, «неряшливый» ритм.
  • Новая волна. Жанр популярной музыки, который трансформировался из панк-рока и использует те же музыкальные средства.

Рок как самостоятельный жанр уходит корнями в «черный» американский блюз, который появился в 20-30-х годах. Традиционный блюз состоит из 12 тактов, то есть отрезков композиции, состоящей из нескольких нот, первая из которых имеет ударение или акцент. В основной инструментальный набор блюза входит контрбас или бас, задающий ритм, солирующая гитара, ударные, часто клавишные и духовые. Если быть совсем точным, рок появился из ветви этого жанра – гитарного блюза, в котором уже гораздо меньше клавишных и духовых инструментов.

Появление рока и рок-н-ролла, понятий, которые часто отождествляются, связано с такими музыкантами как Элвис Пресли и группа «Битлз». Первого можно назвать популяризатором этого жанра, в то время как «Битлз» стали теми, кто превратил рок в искусство.

В музыкальном плане рок остался практически тем же блюзом, но смысловое наполнение их отличается: рок – это музыка протеста против общества, власти или чего-то другого.

Рок собрал в себе много поджанров, основными из которых являются софт-рок, хард-рок, поп-рок, фолк-рок, панк-рок, психоделический рок, хэви металл и трэш.

  • Хард-рок. Дословно это переводится как «тяжелый, жесткий». Этот стиль не спроста имеет такое название, ведь его звучание соответствует, тому как он называется. Тяжесть в хард-роке достигается благодаря доминирующему звучанию громкой и мощной ритм-секции над остальными инструментами. В большинстве случаев «утяжеляются» ударники, бас или ритм-гитара. В хард-роке часто используются эффекты Overdrive и Distortion.
  • Поп-рок. Популярный рок. Этот стиль отличается хорошей сбалансированностью, использованием всевозможными эффектами и популярных аранжировок. К поп-року можно отнести любую рок-музыку, которая рассчитана на широкую аудиторию слушателей.
  • Фолк-рок. Это рок-музыка с элементами народной музыки.
  • Панк-рок. К этому жанру причисляется грубая, часто непрофессиональная, но выразительная музыка, для которой характерны простые, незатейливые, но шокирующие мелодии.
  • Психоделический рок. Сложная, нешаблонная музыка, переполненная различными эффектами. Эта музыка отличается высоким уровнем эмоционального воздействия на слушателя.
  • Хэви металлом называется резкая металлическая музыка, которая часто отличается негармоничностью. Она далекая от привычных стандартов.
  • Трэш. Это очень жесткий жанр, которому присуща сложность и непрерывность мелодий, а так же импровизация.

· Рэп как жанр произошел от танцевальной музыки. Характерные особенности: неровный ритм, сложные эксперименты с ударниками, наличие зацикленных музыкальных фрагментов. Одной из главных особенностей рэпа является отсутствие вокала, который заменяется речитативом. Рэп читают, как стихи, а не поют. Основными инструментами являются ударные и сложный бас, который часто солирует. Часто рэп-музыканты используют эффект scratch - скрип виниловых пластинок.

· Вероятнее всего рэп произошел из рэггей – танцевального стиля, возникшего на Ямайке. Эти два стиля имеют много общего: такой же неровный, рваный ритм, наличие закольцованных музыкальных фрагментов, сложный ударник.

Мю́зикл — музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, важную роль играет хореография. Сюжеты часто берутся из известных литературных произведений, из мировой драматургии («Моя прекрасная леди» по Бернарду Шоу, «Целуй меня, Кэт!» по Шекспиру, «Человек из Ламанчи» по Сервантесу, «Оливер!» и «Ночь открытых дверей» по Диккенсу). Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался.

Мюзикл — жанр, как правило, сложный в постановочном отношении и потому дорогой. Многие бродвейские мюзиклы славятся своими спецэффектами, что возможно только в условиях стационарного мюзикла, где спектакли идут ежедневно в течение многих лет, пока они пользуются успехом у публики. В России пример такого наиболее успешного стационарного мюзикла — «Юнона и Авось».

Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров.

По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль.

В России достижения мюзиклов оценивает Национальная премия и фестиваль "Музыкальное сердце театра".

Рок-о́пера — это опера в жанре рок-музыки. Рок-оперы представляют собой музыкально-сценические произведения, где в ариях, исполняемых множеством вокалистов по ролям, раскрывается сюжет оперы. При этом по музыке арии написаны в стиле рок, на сцене могут вместе с солистами присутствовать гитаристы и прочие рок-музыканты.

Рок-оперы могут быть как единоразовой записью, так и постоянно действующим представлением с постоянным или меняющимся составом исполнителей. Часто для записи или живого исполнения рок-опер на главные роли приглашают солистов из известных групп.

Жанр рок-оперы возник в 1960-х годах. Основоположником жанра и изобретателем самого термина «rock opera» считается Пит Таунсенд, лидер рок-группы The Who. Именно этот коллектив в 1969 году выпустил альбом «Томми» (Tommy), на обложке которого впервые значилось название нового жанра.

Русскоязычные рок-оперы представлены рядом произведений советского периода: «Орфей и Эвридика», «Юнона и Авось» Рыбникова, «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Стадион», «Алые паруса» (А. Богословский, записана ВИА «Музыка» в 1977 г.), так и новыми произведениями: «2032: Легенда о несбывшемся грядущем», «Эльфийская рукопись», «Преступление и наказание» Артемьева, «Жанна д’Арк», «Паганини», «Кентервильское привидение», «Царь-Девица», «Последнее испытание», «Мастер и Маргарита» Градского, «Ангел Мести» Сергея Ефимова и Достоваловой Дарьи, молодых музыкантов из Иркутской области.

Вопрос 2

1. Нина Русланова

2. Людмила Зыкина

3. Надежда Кадышева

4. Сергей Лемешев

5. Ольга Воронец

6. Леонид Утесов

Билет № 22

Вопрос 1

Детская музыка — это обширная, разнообразная область музыкального искусства: песня и симфония, опера и балет. Сочиняя музыку для детей и юношества, композитор заботится о том, чтобы ее сюжет был интересен и не слишком труден для понимания. Если его сочинения исполняют сами ребята, он должен учитывать еще возможности детского голоса, знать, что могут сыграть не слишком умелые руки юных музыкантов. Он должен хорошо знать интересы ребят разного возраста: то, что полюбится малышу-дошкольнику, вряд ли увлечет школьника-подростка.

Известными композиторами, сочинявшими музыку для детей являются: Дмитрий Кабалевский, Юрий Чичков, Владимир Шаинский.

 

Кабалевский Дмитрий Борисович (1904-1983), русский композитор и общественный деятель. Родился в Петербурге 17 (30) декабря 1904. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции Н.Я.Мясковского в 1929. С 1932 и до конца жизни преподавал там же, главным образом композицию. В 1940-1946 был главным редактором журнала 'Советская музыка', в 1949-1952 руководил сектором музыки Института истории искусств в Москве.

С начала 1950-х годов входил в руководящие органы Союза советских композиторов.

 

Он внёс также вклад в область музыки для детей и юношества, развиваемые им эстетические и идеологические установки в этой области служили в СССР непререкаемой официальной основой детского и школьного музыкального воспитания.

Наибольшей популярностью пользовались сочинения композитора для детей и подростков: триада инструментальных концертов (в том числе фортепианный концерт на тему песни "То березка, то рябина"), циклы фортепианных пьес и песен; в вокальной музыке выделяются часто исполнявшиеся в свое время "Десять сонетов" Шекспира».

Хорошо владея пером, Кабалевский много выступал в периодической печати, написал несколько книг о музыкально-эстетическом воспитании.

В основе большинства произведения Кабалевского — советская тематика. Музыке Кабалевского, связанной с академическими традициями отечественной музыки, свойственно оптимистическое настроение: она идеально вписывалась в каноны «социалистического реализма».

 

Юрий Михайлович Чичков родился 26 июля 1929 года.
Автор популярных песен, среди которых было особенно много для детского исполнения. Кроме того, Ю.Чичков сочинял оперы, оперетты, вокально-симфонические, инструментальные произведения, музыку к фильмам.

В 1949 году Чичков окончил Центральную музыкальную школу при Московской консерватории. После окончания школы был призван в армию. За эти годы окончил два музыкальных вуза: Институт военных дирижёров и Московскую консерваторию по классу сочинения. После службы в армии Юрий Чичков посвящает себя композиторской деятельности. Для детей Юрий Михайлович Чичков написал огромное количество песен. Они стали классикой детского жанра. Творчество для детей, как говорил сам композитор, держится на трёх китах: «Музыка и стихи должны быть услышаны сердцем, в детской песне должно быть заложено доброе, волшебное зёрнышко и самое главное — любовь к детям!»
Песни Юрия Михайловича Чичкова звучали на радио и телевидении. Их исполняли как большие, прославленные детские хоры, так и маленькие школьные, солисты-дети и популярные, знаменитые исполнители. Большое количество произведений посвящено школе. Сейчас невозможно представить себе школьный праздник без песен «Одноклассники-однокашники», «Утро школьное, здравствуй», «Детство — это я и ты", "Из чего же, из чего же...", "Наташка-первоклашка", «Наша школьная страна» настолько полюбилась ребятам, что можно сказать стала школьным гимном. Сам Юрий Михайлович как-то сказал: «Открыв» однажды школьную страну, куда не идут поезда, я уже никак не могу её «закрыть», — и в этой «особой» стране всегда столько нового, удивительного…».
Юрий Михайлович - Лауреат Государственной премии СССР (1983) и премии Ленинского комсомола, Народный артист РСФСР (1989), Заслуженный деятель искусств России. Умер в 1990 году.

 

Влади́мир Я́ковлевич Шаи́нский - российский и советский композитор. Народный артист РСФСР (1986). Лауреат Государственной премии СССР (1981). Известен как автор нескольких десятков песен для детей, в том числе музыки для мультфильмов, среди которых, например, фильмы про Чебурашку и Крокодила Гену.

Родился 12 декабря 1925 года в Киеве.

С 1936 года Владимир Шаинский занимался по классу скрипки в музыкальной школе-десятилетке при Киевской консерватории, однако начавшаяся война прервала учебу, и в 1941 году семья была эвакуирована в Ташкент.

Владимир продолжил музыкальное образование в Ташкентской консерватории, в которой учился вплоть до 1943 года там же стал писать музыку.

После войны в 1945 году Владимир Шаинский поступил в МГК имени П. И. Чайковского на оркестровый факультет.

С 1949 года три года работал в оркестре Леонида Утёсова. Затем преподавал в классе скрипки в музыкальной школе, а в период с 1954 по 1962 год работал оркестровщиком, композитором, музыкальным руководителем различных эстрадных оркестров.

В 1962 году поступил и в 1965 году окончил композиторский факультет Бакинской консерватории.

Первыми произведениями композитора стали струнный квартет, написанный в 1963 году ещё в консерватории, и симфония, созданная в 1965 году.

Наиболее В. Я. Шаинский известен, как автор многочисленных произведений для детей. За годы творческой деятельности он сочинил оперу для детей «Трое против Марабука» (1974 г.), несколько мюзиклов:

· «Аз, Буки, Веди» (1975) либретто и стихи М. С. Пляцковского),

· «Путешествие Нильса» (1984) по сказке Сельмы Лагерлёф, стихи Р. Рождественского),

· «Восьмое чудо света» (1985)

· «Лифт» (1987)

· «Джельсомино и пираты» (1988) либретто и стихи А. Гангова,

· «По сказкам и континентам» (1989)

· «Рэкет» (1993) либретто и стихи А. Гангова)

· «Жених для приданного» (1994) либретто и стихи А. Гангова).

Владимир Шаинский — автор десятков мелодий из популярных художественных и мультипликационных фильмов. Среди них кинокартины: «Анискин и Фантомас», «И снова Анискин», «Завтрак на траве», «Школьный вальс», «Финист — ясный сокол», «Пока бьют часы», мультфильмы «Чебурашка», «Шапокляк», «Катерок», «Крошка Енот», «Трям! Здравствуйте!», музыкальные сказки «2 × 2 = 4», «Площадь картонных часов» и многие другие.

В советской и русской детской музыке Шаинский занял лидирующее место, его музыка по своей роли в формировании и развитии личности ребёнка может быть сравнима с поэзией С. Я. Маршака. В этом смысле Шаинский стал популярнее Д. Б. Кабалевского. Музыка Шаинского пользуется неугасающей популярностью среди любых поколений населения СССР и Российской Федерации. Мелодии Шаинского просты и красивы, напеть и сыграть их может практически любой человек.

Особенно большую популярность имеют персонажи сказок Эдуарда Успенского - Чебурашка и сопутствующие персонажи. Шаинский исключительно точно проработал персонажей Успенского с музыкальной точки зрения, и песенки Чебурашки, крокодила Гены и старухи Шапокляк стали неувядающими хитами.

Вопрос 2

Музыка обладает своим особенным языком, языком звуков. И у нее тоже есть свои выразительные средства. Какой главный элемент музыкальной речи?

Мелодия. Она является основой всякого произведения. Как вы знаете, мелодия может быть разной - плавной и скачкообразной, отрывистой. Это зависит от другого выразительного средства музыки – ритма- это чередование коротких и длинных звуков. Ритм является сильнейшим выразительным средством. Он в очень значительной степени влияет на тот или иной характер музыки. Плавный ритм придает произведению плавность, мягкость. Прерывистый ритм, основанный на чередовании коротких звуков с еще более короткими, создает ощущение тревоги, взволнованности. Неторопливо-однообразный ритм связывается в нашем воображении со спокойным, размеренным движением и т. д.

Еще одно средство музыкальной выразительности - лад. Слово лад мы часто употребляем в обыденной жизни; говорят: «Как хорошо они ладят между собой» или «Нет, они живут не в ладу». Ладить, значит находиться в согласии. Ладить и, наоборот, не ладить между собой могут не только люди, но и звуки.

Итак, в музыке существуют два основных лада: мажор, минор.

Если спеть подряд мажорную и минорную гаммы, то мы увидим, что мажорная гамма светлая, ясная, минорная же словно затенена легкой дымкой печали. Интересно, что на латинском языке мажорная гамма обозначается словом durus, что означает твердый, минорный - mollis -мягкий.

Следующий элемент музыкальной речи - регистр, т. е. местоположение звуков.

Низкий, средний, высокий.

Еще одно выразительное средство – темп - э то скорость исполнения.

Темп бывает: быстрый, медленный, умеренный.

Не меньшее значение имеет тембр -окраска звука.

Каждый человеческий голос имеет свою окраску, свой тембр; свой тембр имеет и каждый музыкальный инструмент. Благодаря тембру, мы можем различить голос человека или музыкального инструмента, не видя его, а только слыша.

И еще одно средство музыкальной выразительности – динамика - сила звучания.

Основных динамических оттенков два: форте, что означает громко и пиано - тихо. Иногда эти оттенки усиливаются. Например, очень громко (фортиссимо) или очень тихо (пианиссимо).

Билет № 23

Вопрос 1

Былины — русские народные эпические песни о подвигах богатырей. Основным сюжетом былины является какое-либо героическое событие, либо примечательный эпизод русской истории (отсюда народное название былины — «ста́рина», «старинушка», подразумевающее, что действие, о котором идёт речь, происходило в прошлом).

Былины, как правило, написаны тоническим стихом с двумя-четырьмя ударениями.

Впервые термин «былины» введён Иваном Сахаровым в сборнике «Песни русского народа» в 1839 году, он предложил его исходя из выражения «по былинам» в «Слове о полку Игореве», что значило устные стихотворные произведения хорового исполнения. Историческая песня зародилась в древности. Далекое прошлое Руси отражено в песнях «Авдотья Рязаночка», «Мать встречает дочь в татарском плену», «Щелкан Дудентьевич».

Исторические песни XVI века разнообразны по тематике, но главной в них была идея единства Русской земли, укрепление централизованного государства. Об Иване Грозном был создан цикл песен «Середи было Казанского царства...», «Вы, молоды ребята, послушайте...», «Поизволил наш царь государь...», «Не сине-то море колыбается...», «Как у нас было в каменной Москве», «Ой да, не быстра речушка шумит...», «Уж ты светлое наше красно солнышко...» Исторические песни о Ермаке «Как на Волге-реке, да на Камышенке», «Во славном понизовом городе Астрахани...», «Что пониже было города Саратова...», «Как на славных на степях было Саратовских».

В исторических песнях XVII века о Борисе Годунове и царевиче Дмитрии, о Ксении Годуновой, о Гришке Отрепьеве, о попе Емеле отражены исторические события смутного времени. Вторая половина века отражена в песнях о Василии Шуйском, о Прокофии Ляпунове, о Минине и Пожарском, об избрании Михаила Федоровича Романова и т. д. Во второй половине XVII века вспыхнуло восстание под руководством

Поделиться:





Воспользуйтесь поиском по сайту:



©2015 - 2024 megalektsii.ru Все авторские права принадлежат авторам лекционных материалов. Обратная связь с нами...