Писсарро, Камиль (Pissarro, Camille) (1830–1903).

Многие художники разделяли идеи и цели импрессионизма, но лишь два из них последовательно шли по избранному пути - Моне и Писсарро. Ученик Коро, Писсарро был старше остальных членов группы импрессионистов, своего рода ее “отцом”. Он родился на островах Антильского архипелага, вместе с родителями переехал в Париж и там учился в Школе изящных искусств и академии Сюиса. В шестидесятые годы его пейзажи, милые, отнюдь не бунтарские, были приняты в Салон. Однако, преодолев влияние Коро и выработав собственный стиль, Писсарро оказался в числе тех, кто не мог продать свои картины, и было время, когда он чуть было не отказался от занятий живописью.

Официальный дебют Писсарро состоялся в Салоне 1857 года, где он представил «Пейзаж в Монморанси», картина имела успех. В дальнейшем отношения с жюри Салона у Писсарро не сложились, несмотря на быстрый рост мастерства художника.

На один из его пейзажей в Салоне 1865 года обратил внимание Золя. Он писал, что картина Писсарро доставила ему «полчаса наслаждения и отдыха». Начиная с 1866 года, Писсарро постепенно освобождался от влияния Коро, его палитра становилась светлее, исчезают нейтральные тона. Постепенно вырабатываются черты позднейшей импрессионистической живописной техники, он работает теперь шпателем большими, светящимися мазками, которые становятся все более пластичными.

С 1868 по 1870 год Писсарро жил в Лувесьенне. Появляются пейзажи этих мест - «Дорога из Версаля в Лувесьенн» (1870), «Дилижанс из Лувесьенна»(1870).

Семидесятые годы - время расцвета художника. О творчестве Писсарро 70-х годов дает яркое представление луврское собрание. В «Дороге в Лувесьенне» (1870) разрабатывается любимый художником мотив уходящей вдаль дороги.

 Все полно сдержанной гармонии неярких голубовато-зеленых тонов, великолепно передающих сырой и прохладный осенний вечер. Лишь розовый дом выделяется на общем фоне, заставляя интенсивнее звучать соседствующие с ним цвета. Писсарро выступает достойным продолжателем Коро, умевшего одним мазком, пятнышком краски оживить колористическую гамму, построенную на градациях одного-двух тонов. Въезд в деревню» (1872) напоминает по композиции «Дорогу в Лувесьенне». Только краски стали светлее, так как картина передает погожий день ранней весны. Весело зеленеет молодая трава, тонкие серо-желтые стволы деревьев отбрасывают на землю густо-зеленые тени. Воздух прозрачен настолько, что очертания домов вдали выступают со всей отчетливостью.

Проходит еще несколько лет, и в 1876 году Писсарро пишет «Жатву». Все части пейзажа неразрывно связаны друг с другом. Связь эта не только колористическая, пространственная, ритмическая. Она в самой манере письма, в плотных, сильных мазках, ложащихся по форме предметов. Способы художественной выразительности подчинены одной задаче - показать щедрость, изобилие родной земли [3].

«Красные крыши» (1877) производят иное впечатление, чем «Жатва». В пейзаже нет крупных живописных масс и пятен, все подчинено передаче эффекта солнечного света и трепетности воздуха. Общее настроение определяется изображенными на первом плане тонкими деревьями. Они купаются в неярком зимнем солнце, их ветви, написанные небольшими зелеными и желтыми мазками, переплетаясь, образуют нежное золотистое кружево.

Если в ранних работах Писсарро человеческие фигуры играют подчиненную роль в картине (как пример можно привести «Малый мост» (1875) и «Красные крыши»), то со временем они занимают в ней все более важное место. В 1879 году Писсарро пишет картину «Отец Мелон за распиливанием дров» (1879). Писсарро с упорством добивался признания движения импрессионистов и много сделал для этого. Он принимал участие на всех выставках, начиная с первой. Официальная критика называла его пейзажи «непонятными».

Работал Писсарро также и как рисовальщик, акварелист и гравер - в технике офорта и литографии. Наибольших достижений он добился в графике. Из всех импрессионистов он лучше всех смог перенести в офорт и литографию атмосферу мимолетного и изменчивого. Последние годы принесли Писсарро долгожданный успех и материальное благополучие. Художник по-прежнему много пишет, но все больше сил отнимает у него не работа, а, по его собственному выражению, борьба со старостью.

Русский импрессионизм.

Самым ярким представителем русского импрессионизма является художник Коровин Константин Алексеевич(1861-1939). Творчество Коровина прочно вошло в историю отечественного искусства и принадлежит к высшим его достижениям.

Замечательно одаренный человек и художник, друг В. А. Серова и Ф. И. Шаляпина, сверстник И. И. Левитана, М. А. Врубеля, М. В. Нестерова, он - характерный представитель эпохи рубежа XIX-XX веков со свойственными ей напряженными поисками идеала, стремлением к синтезу, к реформации языка живописи. Коровин оставил яркий след во всех видах искусства, к которым обращался: писал картины, проектировал и оформлял выставочные павильоны; один из немногих мастеров этого времени, он реализовал свои замыслы в монументальной живописи; участвовал в реформации театрального дела России. Одновременно около двух десятилетий мастер вел педагогическую работу, воспитав несколько поколений русских живописцев. Современники высоко ценили искусство Коровина-рассказчика, а в конце жизни он, подобно В. Г. Перову, И. Е. Репину, М. В. Нестерову, стал известен как писатель, автор мемуарных очерков.

 Константин Алексеевич Коровин родился 5 декабря (23 ноября по старому стилю) 1861 года в Москве, на Рогожской улице в семье купцов-старообрядцев. Здесь в доме его деда, где он жил с родителями и братом Сергеем, прошло его детство.

Годы учения Коровина (1875-1886) - яркая пора в жизни Училища живописи, ваяния и зодчества. На протяжении этого десятилетия в искусстве протекали важнейшие процессы. Естественно, они непосредственно касались учащихся - ведь одновременно с усвоением профессиональных основ искусства формировалось их художественное мировоззрение. И в этом отношении десять лет юности Коровина были далеко не безмятежными. А путь его из класса в класс был не совсем простым.

С 1879 года Коровин и сам участвовал в ученических выставках Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ставших заметным событием культурной жизни Москвы. О них всерьез писали газеты. На одной из них П. М. Третьяков приобрел картину Левитана "Осенний день. Сокольники". На первой выставке Коровин запомнился зрителям этюдом "Весна" - большая ворона на еще не одетом листвой дереве. Полотно выявило лирический талант в будущем мастере [5].

От тех дней среди немногих дошел его пейзаж "Ранняя весна" (1870-е), изображающий согретую вешним солнцем окраину деревни с покосившейся избушкой в тени пушистых ив. Картину отличает тонкость цветовых градаций, в ней ощутимо замечательное колористическое дарование юного автора.

Начиная с 1878 года его натурные этюды постоянно отмечаются премиями и благодарностями в училище, с конца 1880 года он становится стипендиатом князя В. А. Долгорукова, попечителя выставки Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Осенью 1882 года, будучи учеником натурного класса, юноша покинул Москву, перейдя в тот же класс Академии художеств в Петербурге. Однако через три месяца он бежал от господствовавшей там рутины и вернулся в свое училище.

Именно Поленов много сделал для формирования будущего художника. На склоне лет Коровин вспоминал: "Поленов так заинтересовал школу и внес свежую струю в нее, как весной открывают окно душного помещения. Он первый стал говорить о чистой живописи, как написано, говорил о разнообразии красок". Влияние нового педагога и привезенной им с Востока серии этюдов 1881-1882 годов несомненно ощутимо в неожиданном для Московского училища и отечественной живописи тех лет "Портрете хористки" (1883) с его ясной гармонией чистых красок.

Юный художник блестяще решил задачу изображения человеческой фигуры в живой и изменчивой световоздушной среде. Свою, возможно, случайную модель - некрасивую молодую женщину в чуть нелепой шляпке, с веером в руке - он запечатлел на террасе, на фоне залитого солнцем общественного сада.

Картина казалась столь неожиданно новой по исполнению и непонятной по задачам ("Девушка, освещенная солнцем" Серова появится только пять лет спустя), что Поленов, судя по авторской надписи на обороте холста, даже посоветовал питомцу не выставлять ее. Интересно, что одновременно в мастерской того же педагога появились и пейзажи Левитана "Первая зелень. Май" (1883), "Мостик. Саввинская слобода" (1884), как и "Портрет хористки", являющиеся ранними образцами импрессионизма в русской живописи. Странным образом коровинская хористка оказалась сродни женским портретам Огюста Ренуара.

Между тем училище отметило премиями эскизы Коровина на заданные в классе темы: "Братья продают Иосифа". "Беседа Христа с Никодимом", "Петрушка", "Смерть цыгана (по поэме А. С. Пушкина)". В 1883 году он получил малую серебряную медаль за этюд масляными красками, год спустя - медаль того же достоинства за рисунок с натуры.

В конце 1884 года произошло знаменательное для судьбы Коровина событие - Поленов ввел его в дом промышленника и мецената С. И. Мамонтова. Ученик стал членом кружка любителей и художников, получившего позже название Мамонтовского (или Абрамцевского) художественного кружка. Здесь он, общий любимец и активный участник всех начинаний, формировался как человек и живописец, здесь приобщился к театру.

Знаменитый Мамонтовский кружок занял важное место в творческой биографии не одного только Коровина, но и многих крупнейших русских художников: Е. И. Репина, В. М. Васнецова, М. М. Антокольского, В. Д. Поленова, М. А. Врубеля, В. А. Серова и других.

Картина "Северная идиллия" (1886) появилась под влиянием интереса обитателей Абрамцева к народному искусству во всех его проявлениях, а также к театру. На лугу изображена группа крестьянских девушек в ярких костюмах Тульской губернии. Они слушают тихий наигрыш пастушка на свирели. Свойственное персонажам состояние раздумья, просветленной грусти, поглощенности звуками простой мелодии, а также декоративность общего замысла ощутимы и в одноименной работе - этюде к центральной части полотна. Этюд и картина свидетельствуют о развитом чувстве цвета у молодого художника, решившего "музыкальную" задачу на гармонии-контрасте красных и зеленых тонов. "Северная идиллия" принадлежала новому для того времени "бессюжетному" направлению в живописи. Отныне мотив музицирования, сопереживания музыке будет постоянно встречаться в полотнах Коровина.

 

Во второй половине 1880-х он, оформивший уже более полутора десятков спектаклей, в том числе оперы "Аида" Дж. Верди, "Лакме" Л. Делиба, "Кармен" Ж. Бизе, наряду с Поленовым становится ведущим декоратором Русской частной оперы С. И. Мамонтова в Москве.

С основанием Общества искусства и литературе в 1888 году художник становится деятельным участником его оживленной жизни.

К этому времени Коровин является авторитетным ценителем театрального искусства в глазах Станиславского. Во всяком случае, Станиславский неоднократно цитирует его мнение о своих актерских выступлениях на страницах дневника.

Очень плодотворно поработал он в Жуковке летом 1888 года. Именно тогда создал Константин Алексеевич свои светлые и радостные ранние импрессионистические полотна: "У балкона. Испанки", "За чайным столом" (1888), "В лодке" (1888), "Улица во Флоренции" и другие. Как и "Девушка, освещенная солнцем" В. А. Серова, пейзажи И. И. Левитана и И. С. Остроухова, жанры М. В. Нестерова и А. Е. Архипова, созданные в годы высшего расцвета талантов И. Е. Репина, В. И. Сурикова, Н. Н. Ге, И. И. Шишкина, работы Коровина отмечены новыми для русской живописи тенденциями [4]. Им свойственна особая, лирическая интерпретация натуры, отражающая мироощущение иного поколения, иной положительный идеал, иной художественный строй. Картины молодых новы по трактовке сюжетов, но живописной манере, колористическим поискам. Большее значение, в сравнении с сюжетом, в них обретали передача воздуха и света, многоцветие мира, выявление в натуре состояний, близких переживаниям людей.

Будучи одним из устроителей XVII Передвижной выставки, Поленов отобрал на нее лучшие работы учеников в соответствии с их пожеланиями и уехал в Петербург. Архипов представил - "Под вечер" и "На Волге", Степанов -"Лосей", Нестеров - "Пустынника", Пастернак - "Письмо с Родины", а Коровин - "У балкона". Среди принятых были все посланные картины.

Полотно Коровина предстало перед зрителями впервые на передвижной выставке 1889 года в Петербурге после его поездки в Испанию. Благодаря совершенству художественного решения, музыкальному звучанию артистически тонко разработанной гаммы серебристо-черных тонов это небольшое полотно несет в себе большую эмоциональную и эстетическую силу. Как виртуоз музыкант из двух струн, извлекает художник из двух цветов, черного и белого, богатейшую мелодию серебристых полутонов. На молодых современников полотно произвело сильное впечатление и оно сразу было приобретено Мамонтовым.

На склоне лет, вспоминая о природе Севера и своеобычной жизни местных людей (очерки "На Севере диком", "Новая земля"), Коровин умолчал и о пережитых трудностях, и о вопросах творческих. "Северные" работы, имевшие для русской общественности как эстетический, так и научно-познавательный интерес, отражают разнообразие задач, поставленных перед собой художником. С видами крупных гаваней - "Архангельский порт на Двине" (1894), "Гаммерфест. Северное сияние" (1894-1895) - соседствуют изображения малолюдных становищ ("Мурманский берег", 1894), моря и необитаемых островов. Рядом с широкими панорамами - "Ручей св. Трифона в Печенге" (1894) - интимные, "уголковые" пейзажи - "Зима в Лапландии" (1894); редкий для тех лет натюрморт с рыбой. В октябре 1894 года пристрастный в оценках Нестеров писал: "Видел этюды Серова и Коровина, в общем они очень красивы, по два же или по три у каждого прямо великолепны". Ряд пейзажей первой северной поездки - "Зима в Лапландии", "Ручей св. Трифона в Печенге", "Гаммерфест. Северное сияние" - прочно вошли в "золотой фонд" русской живописи.

Север, суровый и величественный, неуклонно диктовал свою сдержанную гамму, и Коровин составил из ее оттенков изумительную симфонию. Северными работами Коровина нельзя было не восхищаться. Художник Сергей Герасимов, ученик Серова и Коровина писал: "Коровин оказал сильнейшее влияние на Левитана и Серова. Северные этюды Серова нельзя отличить от коровинских. И вообще в живописи Коровина есть особая музыкальность, свой живописный красочный ритм.

Однако, на этом период "северных" работ на этом не закончился. Ему суждено было продлится в ином выражении. Уже не в станковом, а монументально-декоративном искусстве. Вскоре после возвращения художника Мамонтов, видя, насколько Коровин "переполнен" северными впечатлениями и зная его разностороннюю талантливость, заказал ему проектирование и декоративное убранство павильона Крайний Север для грандиозной Всероссийской художественно-промышленной выставки 1896 года в Нижнем Новгороде.

В 1896 году с гастролей в Нижнем Новгороде на Всероссийской выставке начинается второй период жизни Частной оперы.

С Частной оперой Коровин был связан шестнадцать лет, фактически весь период ее существования, включая первые опыты на домашней сцене в доме Мамонтова.

Кроме "Снегурочки", "Аиды", "Орфея", "Садко", "Лакме", "Кармен", "Псковитянки" Коровин исполнил декорации к целому ряду других произведений, в том числе: самостоятельно - к "Фаусту" Ш. Гуно; совместно с Малевичем и Щукиным - к "Лукреции Борджиа" Г. Доницетти и "Джиоконде" А. Понкиелли; по эскизам В. Д. Поленова, совместно с И. И. Левитаном - к "Алой розе" С. И. Мамонтова; совместно с В. А. Серовым - к "Рогнеде" А. Н. Серова; совместно с С. В. Малютиным - к "Князю Игорю" А. П. Бородина и "Хованщине" М. П. Мусоргского.

В конце 1890-х живописец связал свою судьбу с обществом "Мир искусства". На первую из устроенных С. П. Дягилевым экспозиций отечественного искусства на выставке русских и финляндских художников в 1898 году он был приглашен наряду с Серовым, Врубелем, Левитаном, Нестеровым. Коровин показал девятнадцать картин и акварелей 1880-1890-х годов, в том числе портрет С. Н. Голицыной, пейзаж "Зимой" и театральный эскиз, которые отныне он будет регулярно экспонировать. Летом того же года Дягилев перевез выставку в Германию - в Мюнхен, Дюссельдорф, Кельн и Берлин, где наряду с картиной "Девочка с персиками" Серова успех имели и работы Коровина - портреты и виды Парижа, пейзаж "Зимой". В последующие годы кроме картин на выставках "Мира искусства" появились "северные" панно и мебель, созданные мастером.

Благодаря Коровину "этюдность" стала одной из характернейших черт русского импрессионизма (так же как декоративность). Он разрабатывал эту манеру письма на протяжении всей жизни. Особенно увлекался в девятисотые - десятые годы, на юге России, во Франции. Южное солнце как бы само побуждало к воспроизведению разнообразных световых эффектов. Завораживает легкость и артистизм "крымских" и "французских" этюдов "Парижское кафе" (1890-е), "Кафе в Ялте" (1905), "Улица в Виши" (1906), "На юге Франции" (1908), "На берегу моря в Крыму" (1909), "Пристань в Гурзуфе" (1914), "Рыбачья бухта. Севастополь" (1916).

Декоративность, общее настроение при отсутствии психологизма большинству коровинских портретов. Но есть несколько работ, резко выделяющихся из этого ряда. Их можно включить в число лучших произведений русской портретной живописи. Это Портрет итальянского певца Анджело Мазини (начало 1890-х), портрет Николая Дмитриевича Чичагова (1902) и портрет Федора Ивановича Шаляпина (1911) [1]. «Портрет Анджело Мазини» (начало 1890-х)

Портрет Мазини, знаменитого итальянского тенора, неоднократно выступавшего в мамонтовской Частной опере, является без сомнения лучшим. При максимально ограниченной цветовой гамме (которой Коровин, как уже рассказывалось, увлекался в первой половине 1890-х годов) мало можно найти портретов большей художественной выразительности. Достаточно привести слова Шаляпина о Мазини и сразу же становится ясна точность попадания и живописная сила коровинской кисти: "Пел он действительно, как архангел, посланный с небес для того, чтобы облагородить людей. Такого пения я не слыхал никогда больше. Но он умел играть столь же великолепно!". Одного взгляда достаточно, чтобы понять - перед нами прекрасный трагик и "серафим от бога", по словам Коровина [4].

1234	Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: