Ансамбль песни и пляски Российской армии

Ответы на билеты по музыке.

Билет № 1

Вопрос 1

Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются.

В эпоху барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, оратория «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди,. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.

(Биография одного из композиторов на выбор)

Вопрос 2

Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella. Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются так же произведения, в которых человеческий голос использован в качестве оркестровой краски («Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского).

Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются так же и другие жанры вокальной музыки:

 

1. Оперный

2. Ораториальный

3. Камерный

4. Оперетта

5. Джаз

 

1.Опера (c латинского — труд, изделие) вид синтетического искусства. Художественное произведение, содержание которого воплощают в сценических и музыкально-поэтических образах. Опера соединяет в едином театральном действии: вокальную (соло) ансамбль (хор), инструментальную музыку (симфонический оркестр), драматургию, изобразительное искусство (декорации, костюм) хореографию (балет). В опере воплощаются все формы вокальной музыки: (ария, ариозо, песня, монолог, речитатив, дуэт, трио, квартет, большие финалы с хором).

Опера свое время подразделяется на жанры

• Историко-героическая;
• Историко-романтическая;
• Героико-поэтическая;
• Народно-сказочная;
• Лирическая;
• Драматическая;
• Комедийная;
• Сатирическая.

2.Оратория - (c лат. говорю, молю.) Крупное музыкальное произведение для певцов (солистов) хора и симфонического оркестра. Писались обычно на драматический и библейский сюжеты.

3.Камерный жанр - (лат. Камера, комната.) Очень обширный пласт вокальной музыки, возникший в эпоху возрождения и барокко. В это время пишутся: мадригалы, кантаты, мессы. Пение требует виртуозности и шикарности. Пишутся произведения для солистов, небольшого хора и малого состава оркестра. Барочный стиль (причудливый)- свойственна пышность, эффекты, стремление к совмещению реальности с иллюзией. В пении рядом с кантиленой изощренные каденции. Мадригал -(лат.песня на родном языке). (куплеты, припевы) - коротенькое стихотворенье, хвалебное, льстивое, любовное, нежное, тонкое и острое. В 16 в становится вокальной поэмой (обычно 4 — 5 человек) В 17 в лирические стихотворения обращенные женщине. Кантата -произведение торжественного или лирико-эпического характера Отличается от оратории меньшим составом оркестра, менее развитым сюжетом. Содержание светское и духовно- церковное. Романсы - занимают очень большое место в камерном вокальном жанре. Романс-исп. (романсо, петь по-романски.) Стал интенсивно развиваться в 18 −19в появляются элегии, баллады, драматические монологи. Чуть позже появляются песни любовного, шуточного, сатирического и трагедийного содержания. Лучшими образцами классического романса являются композиторы: Шуман, Шуберт, Чайковский, Рахманинов, Римский-Корсаков, Даргомыжский.

4.Оперетта (с итал. - Маленькая опера) Музыкально-сценическое произведение комедийного характера, сочетающее в своей драматургии: музыку, танец, разговорный, диалог. В спектакле задействованы солисты, хор, оркестр в небольшом количестве балет. Оперетта как самостоятельный жанр сложилась во Франции в середине 19 в. Создателями были драматург Ф. Эрвэ, и композитор Ж. Оффенбах. Известность оперетте принесли композиторы: Штраус, Легар, Кальман, Дунаевский.

5. Джаз — форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей. Джаз возник как соединение нескольких музыкальных культур и национальных традиций. Первоначально он прибыл из африканских земель. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания. На этой основе в конце XIX века сложился ещё один музыкальный жанр рэгтайм. Впоследствии ритмы рэгтайма в сочетании с элементами блюза дали начало новому музыкальному направлению — джазу.

Билет № 2

Вопрос 1

Музыкой периода классицизма или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами.

Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.

Понятие «музыка классицизма» не следует путать с понятием «классическая музыка», имеющим более общее значение как музыки прошлого, выдержавшей испытание временем

Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии.

В период классицизма появляется струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.

Классицизм (от латинского classicus - образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве 17 - начала 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Сложился в 17 в. во Франции. Стремился воплотить представления о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, возвышенные героические и нравственные идеалы.

Основоположником классицизма в музыкальном театре стал Жан Батист Люлли - создатель лирической трагедии. Вершинной стадией развития музыкального классицизма стало искусство венской классической школы. Музыкальный классицизм XVIII века называют "Венским классицизмом" и чаще всего связывают с именами трёх композиторов, живших и творивших в Вене - Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. К Венской Классической Школе примыкает и Кристоф Виллибальд Глюк, начавший в Вене свою оперную реформу.

Классицизм в музыке - это сочетание особой глубины и разнообразия содержания. В основе эстетики классицизма лежало убеждение, что все в мире разумно, что на земле и в природе, и в жизни царит установленный свыше порядок; своеобразное равновесие истины и красоты - отсюда стремление к созданию идеального по форме произведения, где выверена каждая фраза, каждое предложение; с прозрачной фактурой и выразительной мелодией. ости и простоты с исключительным совершенством и отточенностью форм.

В России классицизм (возник в последней четверти 18 в.) В русской музыкальной культуре классицизм представлен сочинениями

Вопрос 2

Инструментальная музыка — музыка, исполняемая на инструментах, без участия человеческого голоса. Различают сольную, ансамблевую и оркестровую инструментальную музыку. Широко распространена в классической музыке, джазе, электронной музыке и т. д.

Возраст наиболее древних музыкальных инструментов (флейт), найденных в пещере Холе-Фельс на юго-западе Германии, составляет около 40 тыс. лет. Плутарх поминает флейтиста Исмения, а за 500 лет до него Платон отмечал, что горожане предпочитали инструментальную музыку, исполняемую на струнных (лиры, кифары), а в сельских районах – на духовых инструментах (свирели).

В XIV веке инструментальное искусство продолжает развиваться.

Только в эпоху Петра Великого инструментальная музыка начинает возрождаться, но уже под сильным западным влиянием.

Билет № 3

Вопрос 1

Музыка периода романтизма — это профессиональный термин в музыковедении, описывающий период в истории Европейской музыки, который охватывает условно 1800—1910 годы.

Музыка этого периода развилась из форм, жанров и музыкальных идей, установившихся в ранние периоды, такие как классический период.

Произведения, относящиеся к Романтизму, воспринимаются слушателями (как в 19 в., так и сегодня) как более пылкие и эмоционально выразительные. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада.

Принято считать, что непосредственными предшественниками романтизма были Людвиг ван Бетховен — в австро-немецкой музыке и Луиджи Керубини — во французской; более отдалённым своим предшественником многие романтики (например, Шуберт, Вагнер, Берлиоз) считали К.В. Глюка.

Основными представителями романтизма в музыке являются:

в Австрии — Франц Шуберт и Ференц Лист, а также поздние романтики — Антон Брукнер и Густав Малер;

в Германии — Эрнест Теодор Гофман, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Людвиг Шпор;

в Италии — Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе Верди;

во Франции — Д. Ф. Обер, Гектор Берлиоз, Дж. Мейербер и представитель позднего романтизма Сезар Франк;

в Польше — Фредерик Шопен.

В России в русле романтизма работали Александр Алябьев, Михаил Глинка, Александр Даргомыжский, Милий Балакирев, Н. А. Римский-Корсаков, Мусоргский, Бородин, Цезарь Кюи, П. И. Чайковский.

Вопрос 2

1. Лучано Паваротти,

2. Монсеррат Кабалье,

3. Дмитрий Хворастовский,

4. Любовь Казарновская,

5. Плассидо Доминго,

6. Анна Нетребко,

7. Елена Образцова,

8. Хосе Каррерас,

9. Федор Шаляпин,

10. Зураб Соткилава.

Билет № 4

Вопрос 1

«Могучая кучка» (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) — творческое содружество российских композиторов, сложившееся в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (1837—1910), Модест Петрович Мусоргский (1839—1881), Александр Порфирьевич Бородин (1833—1887), Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844—1908) и Цезарь Антонович Кюи (1835—1918). Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик, литератор и архивист Владимир Васильевич Стасов (1824-1906).

Название «Могучая кучка» впервые встречается в статье Стасова «Славянский концерт г. Балакирева. Название «Новая русская музыкальная школа» было выдвинуто самими участниками кружка, которые считали себя наследниками М.И.Глинки и свою цель видели в воплощении русской национальной идеи в музыке.

Группа «Могучая кучка» возникла на фоне революционного брожения, охватившего к тому времени умы русской интеллигенции. Бунты и восстания крестьян стали главными социальными событиями того времени, возвратившими деятелей искусства к народной теме. В реализации национально-эстетических принципов, провозглашённых идеологами содружества Стасовым и Балакиревым, наиболее последовательным был М.П.Мусоргский. Участники «Могучей кучки» систематически записывали и изучали образцы русского музыкального фольклора и русского церковного пения. Результаты своих изысканий они воплощали в сочинениях камерного и крупного жанра, особенно в операх, среди которых «Царская невеста», «Снегурочка», «Хованщина», «Борис Годунов», «Князь Игорь». В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

Самым ярким представителем «Могучей кучки» был модест Мусоргский, оставивший чин офицера в Преображенском полку ради занятий музыкой.

Отец Мусоргского происходил из старинного дворянского рода Мусоргских. До 10-летнего возраста Модест и его старший брат Филарет получали домашнее образование. В 1849 году, переехав в Петербург, братья поступили в немецкое училище Петришуле. Через несколько лет, не закончив училище, Модест был отдан на обучение в Школу гвардейских подпрапорщиков, которую закончил в 1856 году. Затем Мусоргский недолго служил в лейб-гвардейском Преображенском полку, потом в главном инженерном управлении, в министерстве государственных имуществ и в государственном контроле.

Модест Мусоргский — офицер Преображенского полка

К моменту вступления в музыкальный кружок Балакирева Мусоргский был великолепно образованным и эрудированным русским офицером (свободно читал и изъяснялся на французском и немецком языках, разбирал латынь и греческий) и стремился стать (как он сам выражался) «музыкусом». Балакирев заставил Мусоргского обратить серьёзное внимание на музыкальные занятия. Под его руководством Мусоргский читал оркестровые партитуры, анализировал гармонию, контрапункт и форму в сочинениях признанных русских и европейских композиторов, развивал в себе навык их критической оценки.

Игре на фортепиано Мусоргский учился у Антона Герке и стал хорошим пианистом. От природы обладая красивым камерным баритоном, он охотно пел на вечерах в частных музыкальных собраниях. В 1852 г. фирмой Бернард в Санкт-Петербурге издана фортепианная пьеса Мусоргского, первая публикация композитора. В 1858 г. Мусоргский написал два скерцо, из которых одно было инструментовано им для оркестра и в 1860 г. исполнено в концерте Русского музыкального общества, под управлением А. Г. Рубинштейна.

Работу над крупной формой Мусоргский начал с музыки к трагедии Софокла «Эдип», но не окончил её (один хор был исполнен в концерте К. Н. Лядова в 1861 г., а также издан в числе посмертных произведений композитора).

Следующие большие замыслы — оперы по роману Флобера «Сала́мбо» и на сюжет «Женитьбы» Гоголя — также не были реализованы до конца. Музыку из этих набросков Мусоргский использовал в своих позднейших сочинениях.

Следующий крупный замысел — оперу «Борис Годунов» по трагедии А. С. Пушкина — Мусоргский довёл до конца. Премьера на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге в 1874 г. состоялась на материале второй редакции оперы, в драматургию которой композитор был вынужден внести значительные измененения, поскольку репертуарный комитет театра забраковал первую редакцию за «несценичность. В Москве «Борис Годунов» был поставлен впервые на сцене Большого театра в 1888 г. В наше время возродился интерес к авторским редакциям «Бориса Годунова».

В 1872 г. Мусоргский задумал драматическую оперу «Хованщина», одновременно работая и над комической оперой на сюжет «Сорочинской ярмарки» Гоголя.

Первое исполнение «Хованщины» состоялось в 1886 году в Санкт-Петербурге, в зале Кононова, силами любительского Музыкально-драматического кружка. В 1958 году Д. Д. Шостакович выполнил ещё одну редакцию «Хованщины». В настоящее время опера ставится преимущественно в этой редакции.

В 1870-е годы Мусоргский болезненно переживал постепенный развал «Могучей кучки

В музыкальном творчестве Мусоргского нашли очень оригинальное и яркое выражение русских национальных черт. Эта определяющая особенность его стиля проявила себя многообразно: в умении обращаться с народной песней, в мелодических, гармонических и ритмических особенностях музыки, наконец, в выборе сюжетов, главным образом, из русской жизни.

Последние годы его жизни не богаты событиями. Мусоргский больше не служил. Группа людей, сложившись, выплачивала ему нечто вроде небольшой пенсии. Композитор должен был получать ее вплоть до окончания опер. Он много выступал в этот период как пианист-аккомпаниатор. В 1879 году он отправился в концертное турне по Украине и Крыму. Это путешествие было последней встряской, последним светлым событием в жизни Мусоргского.
Зимой 1881 года его настиг первый удар. За ним последовали другие. 28 марта 1881 года Мусоргского не стало. Ему едва исполнилось 42 года.

Вопрос 2

1. «Ла Скала» - всемирно известный оперный театр в Милане, Италия

2. Нью-Йоркская компания «Метрополитен-опера» была основана 28 апреля 1880. Театр принадлежит к ведущим операм мира

3. Венская государственная опера - крупнейший оперный театр и труппа - с историей, восходящей к середине 19-го века. Он расположен в центре Вены, Австрия.

4. Большой театр - исторический театр в Москве, построенный по проекту архитектора Иосифа Бове, в котором проходят спектакли оперы и балета.

5. Мариинский театр - исторический театр оперы и балета в Санкт-Петербурге, Россия. Открытый в 1860 году, он стал выдающимся музыкальным театром Росси в конце 19 века.

6. Дворец Гарнье, также известный как Опера де Пари или Опера Гарнье, но чаще всего, как Парижская опера - это здание 2200 местной оперы на площади Оперы в Париже, Франция, которое было основным помещением Парижской Оперы с 1875 до 1989 года.

7. Королевский оперный театр является основной оперной сценой и главной сценой для выступлений мастеров сценического искусства в лондонском районе Ковент-Гарден.

8. Берлинская государственная опера - один из старейших и наиболее крупных музыкальных театров в Германии. Ее постоянным домом является оперный театр на бульваре Унтер ден Линден в районе Берлина Мите.

Билет № 5

Вопрос 1

Музыкальный импрессионизм (от фр. — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле.

Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна.

Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный характер. Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма.

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Это развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока (именно под влиянием впечатлений от очередной Всемирной выставки 1889 года были написаны знаменитые «Гноссиены» Сати), негритянских спиричуэлс США и др.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.

Вопрос 2

Понятие "певческий голос" связано со способностью человека петь. В отличие от речи, звуки певческого голоса имеют точную высоту, могут долго длиться. Они проявляются на гласных. Пользоваться певческим голосом человек начинает с детства по мере развития музыкального слуха и голосового аппарата.

Существует множество систем классификации певческих голосов. Некоторые из них учитывают силу голоса, то есть то, как громко певец может петь; другие — насколько подвижен, виртуозен, отчётлив голос певца; и др.

Чаще всего используется классификация, учитывающая диапазон голоса и пол певца. Даже руководствуясь только этими двумя критериями, получается множество разновидностей. Каждая группа голосов делится на более узкие подразделения.

Голоса классифицируются по тембру и высоте. Различают шесть основных типов голосов.

Мужские голоса

1.Тенор -высокий

2.Баритон - средний

3.Бас - низкий

Женские голоса 1.Сопрано - высокий 2.Меццо-сопрано - средний 3.Контральто - низкий

Детский певческий голос достигает своего полного объёма (полторы октавы), как правило, к 13 годам. Он отличается светлым, серебристым, напоминающим фальцет тембром. Детские голоса, в особенности голоса мальчиков, используются главным образом в детских хорах. После мутации голос мальчика понижается на октаву, одновременно меняются его сила, диапазон и тембр. При этом нередко пропадают лучшие певческие свойства голоса мальчика. Для сохранения выдающихся певческих голосов у мальчиков-певцов в Италии в 17-18 вв. применялась кастрация.

Существует также категория певцов-мужчин, поющих в диапазоне женского голоса. Этот тип голосов редок, но до сих пор используется, в основном, в опере. В современном вокальном исполнительстве эти роли может исполнять контратенор (певец, владеющий развитой техникой пения фальцетом).

Голос профессионального оперного певца — это две октавы полноценного однородного звучания.

Билет № 6

Вопрос 1

Михаи́л Ива́нович Гли́нка — русский композитор, основоположник национальной композиторской школы. Сочинения Глинки оказали сильное влияние на последующие поколения композиторов, в том числе на А. С. Даргомыжского, членов «Могучей кучки», П. И. Чайковского, развивавших в своей музыке его идеи.

Михаил Глинка родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии, в имении своего отца, отставного капитана Ивана Николаевича Глинки. До шести лет воспитывался бабушкой (по отцу) Фёклой Александровной, которая полностью отстранила мать Михаила от воспитания сына. Михаил рос нервным, мнительным и болезненным ребёнком-недотрогой — «мимозой», по собственной характеристике Глинки. После смерти Фёклы Александровны, Михаил снова перешёл в полное распоряжение матери, приложившей все усилия, чтобы стереть следы прежнего воспитания. С десяти лет Михаил начал учиться игре на фортепиано и скрипке. Первой учительницей Глинки была приглашённая из Санкт-Петербурга гувернантка Варвара Фёдоровна Кламмер. В 1817 году родители привозят Михаила в Санкт-Петербург и помещают в Благородный пансион.), где его гувернёром был поэт, декабрист В. К. Кюхельбекер. В Петербурге Глинка берет уроки у крупнейших музыкантов, в том числе у ирландского пианиста и композитора Джона Филда.^[1] В пансионе Глинка знакомится с А. С. Пушкиным, который приходил туда к своему младшему брату Льву, однокласснику Михаила. Их встречи возобновились летом 1828 года и продолжались вплоть до кончины поэта

По окончании пансиона в 1822 году Михаил Глинка усиленно занимается музыкой: изучает западноевропейскую музыкальную классику, участвует в домашнем музицировании в дворянских салонах, иногда руководит оркестром дяди. В это же время Глинка пробует себя в качестве композитора. В этот период им были написаны хорошо известные сегодня романсы и песни: «Не искушай меня без нужды» на слова Е. А. Баратынского, «Не пой, красавица, при мне» на слова А. С. Пушкина, «Ночь осенняя, ночь любезная» на слова А. Я. Римского-Корсакова и другие.

В 1836 году Михаил Глинка заканчивает работу над оперой «Жизнь за царя», однако ему с большим трудом удается добиться принятия её к постановке на сцене Петербургского Большого театра. Премьера «Жизни за царя» состоялась 27 ноября (9 декабря) 1836 года. Успех был огромным, опера была с восторгом принята обществом. В 1837 году Михаил Глинка начал работать над новой оперой на сюжет поэмы А. С. Пушкина «Руслан и Людмила». Идея оперы возникла у композитора ещё при жизни поэта. Он надеялся составить план по его указаниям, однако гибель Пушкина вынудила Глинку обращаться к второстепенным поэтам и любителям из числа друзей и знакомых. Первое представление «Руслана и Людмилы» состоялось 27 ноября (9 декабря) 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры «Ивана Сусанина». В сравнении с «Иваном Сусаниным», новая опера М. Глинки вызвала более сильную критику.

В 1856 году Михаил Иванович Глинка уезжает в Берлин. Там он занимается изучением старинных русских церковных напевов, творчества старых мастеров, хоровых сочинений итальянца Палестрины, Иоганна Себастьяна Баха. Глинка первый из светских композиторов стал сочинять и обрабатывать церковные мелодии в русском стиле. Неожиданная болезнь прервала эти занятия.

Михаил Иванович Глинка скончался 15 февраля 1857 года в Берлине и был похоронен на лютеранском кладбище. В мае того же года, по настоянию младшей сестры М. И. Глинки Людмилы Ивановны Шестаковой, прах композитора был перевезён в Санкт-Петербург и перезахоронен на Тихвинском кладбище. В Берлине на русском православном кладбище находится мемориальный памятник, включающий надгробную плиту с первоначального места захоронения Глинки на лютеранском Троицком кладбище, а также сооружённый в 1947 году Военной комендатурой советского сектора Берлина памятник в виде колонны с бюстом композитора.

Вопрос 2

1. Галина Уланова

2. Николай Цискаридзе

3. Илзе Лиепа

4. Марис Лиепа

5. Андрис Лиепа

6. Анастасия Волочкова

7. Екатерина Максимова

8. Владимир Васильев

 

Билет № 7

Вопрос 1

Пётр Ильич Чайковский — русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, музыкальный журналист. Считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру.

Родился 25 апреля (7 мая) 1840 года в Воткинске, маленьком городе-заводе на Урале. Там отец композитора служил директором Горного завода. Родители будущего композитора были музыкальны, и в доме нередко проходили любительские концерты. Вокруг звучали крестьянские песни. Как писал позднее сам Чайковский, он "вырос в глуши, с детства самого раннего проникся неизъяснимой красотой характеристических черт русской народной музыки", что позднее нашло отражение в его творчестве.

 

Чайковскому суждено было родиться в совершенно замечательной семье, в атмосфере любви и сердечности. Отношения между детьми были также очень сердечными.

В жизни семьи Чайковских случилось страшное горе: от холеры умерла мать, Александра Андреевна Чайковская. Петру Ильичу было 14 лет. Его младшим братьям-близнецам чуть больше 4. Огромное потрясение, оставившее след на всю жизнь, пережил будущий композитор. Фактически с момента кончины матери у Петра Ильича возникло замечательное чувство ответственности за судьбу младших братьев, забота об их воспитании и просто участие.

С четырех лет проявилась музыкальная одаренность Чайковского, и его начали обучать игре на фортепиано. Тем не менее его отдали десяти лет от роду учиться в Училище правоведения, готовя его в будущем к карьере юриста. Однако музыке он продолжал учиться и в стенах училища, как, впрочем, и все другие воспитанники этого учебного заведения, что соответствовало правилам воспитания того времени. Первыми записанными сочинениями будущего композитора были вальс для фортепиано, посвященный его гувернантке А.Петровой "Анастасия-вальс" и романс "Мой гений, мой ангел, мой друг..."

Романс "Мой гений, мой ангел, мой друг..." написан Чайковским в возрасте 17-18 лет на стихи выдающе После окончания Училища Чайковский поступил на службу чиновником в Министерство юстиции. Однако музыкой он продолжал заниматься как любитель одновременно со службой в музыкальных классахгося русского поэта Афанасия Фета. Через год эти классы были реорганизованы в первую в России консерваторию, куда и поступил учиться Чайковский. В 1866 году Чайковский переехал в Москву. Его пригласил преподавать в только что открывшуюся Московскую консерваторию. В Москве Чайковский вошел в круг московской интеллигенции. Он тесно общался с актерами знаменитого Малого театра, познакомился с Л.Н.Толстым, что оставило след в его душе на всю жизнь. Приехав в Москву, Чайковский как композитор начал сочинять практически во всех жанрах. Он писал оперы, симфонии, сочинял квартеты, концертные пьесы для различных инструментов, музыку для фортепиано, романсы и многое другое Одной из отличительных черт творчества Чайковского этого периода было обращение к музыкальному фольклору разных народов. Так, он использует сербские напевы в сочинениях, посвященных событиям войны на Балканах (Славянский марш). Украинские напевы использованы в знаменитом Первом концерте для фортепиано с оркестром. В балет "Лебединое озеро" композитор ввел целую сюиту из танцев разных народов.

Вершинными сочинениями московского периода явились Четвертая симфония и опера "Евгений Онегин", первая опера Чайковского на пушкинский сюжет. Композитор вполне сознавал значение эти Последние полтора десятилетия жизни Чайковского отмечены огромным расцветом его творчества и всемирным признанием его. Чайковский стал первым из русских композиторов, который еще при жизни добился всеобщего признания и мировой славы.х произведений. Чайковский пробует свои силы в области дирижирования и постепенно начинает заниматься этим регулярно. В конце 1887 - начале 1888 года он совершает первое европейское турне Жизнь Чайковского оборвалась неожиданно. Он приехал в Петербург, где продирижировал своей Шестой симфонией, а через несколько дней заболел холерой и скончался 25 октября (6 ноября) 1893. Похоронен Чайковский в Петербурге, в Александро-Невской лавре.как дирижер. В 1891 году он совершил триумфальную концертную поездку в США.

Вопрос 2

1. Хор Турецкого

2. Хор имени Пятницкого

3. Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского

4. Государственный академический камерный оркестр России

Ансамбль песни и пляски Российской армии

6. Ансамбля «Русская песня» Надежды Бабкиной

7. Ансамбля «Золотое кольцо»

8. Национального филармонического оркестра России и Государственного камерного оркестра «Виртуозы Москвы»

Билет № 8

Вопрос 1

12345Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: