 |
Итальянский период в творчестве художника на примере работы «Сказка. 1911» из собрания Государственного художественного музея
|
|
|
|
Особняком в творчестве стоит его так называемый «Итальянский период». Это была его вторая поездка за границу, длилась она полгода. Через Константинополь, недолго пробыв в Африке, он переехал в Италию, где значительную часть времени провел в Риме. В своем путешествии он много работал, создавал прекрасные произведения, которые выполнены в стиле модерн. Он отказывался от острых углов и прямых линий, отдавая предпочтения естественным природным, плавным линиям. Для живописи модерна характерно сочетание ковровых орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность и использование больших цветовых плоскостей. Модерн появляется в американском и европейском искусстве примерно в 1910 годы. И как раз расцвет его приходится на время прибивания Бродского в Италии, поэтому Бродский ни как не мог обойти вниманием новые тенденции в искусстве.
Первой работой созданной в путешествии становится «Портрет Максима Горького. Капри» (1910), написан ясно и просто. Он светел по колориту, имеет нейтральный фон и совсем не похож на образ «буревестника революции», каким напишет его Бродский через 27 лет.
Среди видимых талантов художника, мастерство пейзажиста, блестяще проявляется способность к декоративизму, умение добиваться сходства в портретах, ранее не замечалось проникновение в психологию моделей. Это вполне объяснимо, ко времени окончания Академии он был слишком молод и просто ещё не накопил того жизненного багажа, который позволил бы тонко чувствовать внутреннее состояние другого человека. И самое удачное тому подтверждение – это «Портрет Марии Федоровны Андреевой» (1910) - самый психологичный образ. Казалось, так легко было ее изобразить нарядной красавицей или светской дамой, каковой она и была. Но Бродский увидел грустного, чуть усталого, много пережившего человека. Большая светлая шаль окутывает ее, создавая иллюзию «укрытости» от внешних бурь и волнений. А таковых было немало: после декабрьского восстания 1905 года, в котором она и Горький принимали активное участие, им пришлось покинуть Россию. И двадцатишестилетний Бродский на небольшом холсте удачно смог передать сложный образ этой незаурядной женщины. Портрет писался в комнате у окна, а пейзаж был исполнен позднее. Как это часто бывает у Бродского, за спиной модели появляется красивый узор из ветвей и листьев.
|
|
|
В Италии помимо портретов появлялись и другие новые мотивы. Это были пейзажи и композиции, наполненные впечатлениями и эмоциями, вызванными праздничной деятельностью итальянской действительности, ее природы. Не случайно, года Горький уговорил его снова приехать из России в Италию, он писал 14 ноября 1910 года: «Полагаю, что и вам здесь было бы лучше, чем в ином месте. Спокойнее, чем на святой Руси, теплее и красивее, не так ли? А у вас там целое лето будут лить дожди, каждый день будете вы читать газету, а в ней ежедневно шестнадцать самоубийств»[15].
В следующем, 1911 году, Бродский снова оказался в Италии, уже с женой и дочерью. Полтора месяца он провел в так полюбившимся ему Риме, где проходила большая престижная выставка. На фоне таких маститых живописцев, как Александр Бенуа, Константин Богаевский или Игорь Грабарь, Бродский уже не ученик, а равноправный участник большого европейского содружества художников.
А далее его ждало целое лето на Капри рядом с Алексеем Максимовичем Горьким, который не только настойчиво звал его, но и снял домик с большой светлой комнатой, ставшей художнику мастерской.
Напряжение предыдущих лет, стремление многого добиться и многое успеть: десятичасовая ежедневная работа с кистью, сменилось идиллическим покоем на острове Капри. Вторая поездка в Италию, она же третья поездка за границу, дала толчок для создания поэтических произведений, наполненных символическими реминисценциями, таких как «Автопортрет с дочерью» (1911) и «Италия» (1911).
|
|
|
Изображая себя с маленькой дочерью Лидой («Автопортрет с дочерью», 1911), художник не просто переносит на холст радость отцовства, но выстраивает сложное, как и полагается в эпоху модерна, символическое произведение. Нарядная кукла, сочные плоды, яркие ткани, красивый букет справа и цветущее дерево слева – все несет черты «роскошной» жизни, от которой в России художник был крайне далек. Такая праздничность возможна лишь на этой обетованной земле, где почти без изменений сохранилась архитектура средневековых городов, где неспешно текут часы созерцания и отдыха.
Композиция картины только на первый взгляд кажется необычной. Ведь еще совсем недавно, в 1908 году, изображая жену на террасе, он так же сдвинул фигуру модели в левую часть холста, открывая пространство для взгляда в правой части полотна. В автопортрете художник намерено выбирает горизонтальный холст, он будто растягивает композицию и время. Ровный спокойный свет заливает полотно, но это не испепеляющее солнце, а вечная итальянская весна жизни. В картине много золотой охры, красного, почти пурпурного цвета, нарядного голубого. Все ткани украшены цветными узорами, что придает портрету ренессансную праздничность. Здесь соединились столь характерная для искусства модерна оглядка на художественные традиции прошедших эпох и наметившийся у Бродского интерес к многоцветию и декоративности.
«На Капри Исаак все лето писал Италию,- вспоминала жена художника, Любовь Марковна, о работе над следующим полотном. – В картине он написал в образах итальянцев меня, Лидочку, сестер Раю и Пашу и себя самого. …Алексей Максимович с Марией Федоровной часто приходили в мастерскую и подбадривали Исаака, когда у него что то не клеилось в работе. Они очень тепло относились к нам, и наша дружба продолжалась в Петербурге»[16]. В картине «Италия» (1911) любовь Бродского к предметному миру превратила это полотно в гимн дарам природы и чуду рукотворного мастерства итальянских умельцев. Ракушки и раковины, бусы из кораллов и саамы кораллы, обработанные и необработанные, радуют глаз своим изобилием. Бесконечные нити жемчуга, нежное многоцветие перламутра – все это изменчивая и пленяющая глаз радость морских глубин. Почти вневременное изобилие даров земли. На втором плане белый город медленно карабкается на гору, а там, где люди устали подниматься вверх, остались скругленные водой и ветром вершины. Из представленных персонажей никого не назовешь главным, все равны и одинаково узнаваемы. Живопись полотна не корпусная: краска ложится тонким слоем, а в колорите угадывается благородная гамма старых гобеленов.
|
|
|
Самой отвлеченной и, возможно, самой философской картиной, созданной в Италии, является «Сказка», написанная им в двух вариантах. Первый вариант он начал писать он ее писать еще в предыдущем, 1910 году. Немаловажную роль сыграло тогда посещение музеев, знакомство с великим наследием прошлого. На Бродского произвели большое впечатление Мантенья и Донателло, а вот Джотто ему абсолютно не понравился. После посещения многих городов-музеев у художника помимо постоянного желания работать возникла уверенность в себе, чувство, которое приходит не часто и которым следует дорожить. В одном из периодических изданий тех лет художник подробно описал замысел новой большой картины: «Я изобразил странный нигде не существующий итальянский город. Когда смотришь на этот город, в воображении рисуется длинная цепь столетий, переходящая в вечность. А тут рядом только появившийся на свет ребенок. На фоне старого города появляется молодая жизнь. Вечность черпает новые силы у молодости, молодость, живая, беззаботная, чистая, разнообразная и постоянно возобновляющаяся, сливается с вечностью: создается Вечная сказка»[17].
Именно так хотел назвать картину художник, даже советовался по поводу названия с Горьким. А тот возразил, что сказки – они всегда вечные, и посоветовал назвать картину просто «Сказка».
|
|
|
Но нежелание Бродского причислять себя к кругу художников-символистов, стремление следовать путем реализма, по сути, не совсем соответствовало действительности. Возможно, накопленный багаж художественных впечатлений, сама Италия и, наконец, нежная любовь к детям, привели к созданию этого полотна, такого декоративного, наполненного легко читаемыми символами. Нельзя не заметить, что зеленое царство растений, роскошные павлины и младенец ограничено воспринимаются как творение Бога, последовательно создающего мир природы, зверей и птиц, а последним - человека. Но белый город на холмах рукотворен. Именно люди построили его, органически вписав в гористый ландшафт.
Одним из самых распространенных образов в стилистике и символике искусства модерна был павлин. Многозначность этого образа восходит еще к античности временам. Он атрибут Геры-Юноны, для которой амуры-купидоны могут собирать «глаза» с его хвоста. Павлин считался олицетворением гордыни, самая гордая птица на земле, а перо его- символом бессмертия. Благодаря античному представлению, что мясо этой птицы никогда не гниет, павлин стал христианским символом бессмертия и Воскресения Христа. У Бродского павлин, любимый образ символизма, часто встречающийся у Михаила Врубеля, живописно соединяет пестроту царства растений и цветочного изобилия с ясным спокойствием младенца.
Но есть еще и второй вариант «Сказки» (1911), который находится в собрании Государственного художественного музея в городе Ханты-Мансийск. Это более поздняя работа, и на первый взгляд две эти работы могут показаться очень похожими, но если присмотреться можно, найти массу отличий.
Самое первое, что бросается в глаза, это отсутствие младенца среди растительности. Дерево с лимонами занимает весь правый нижний угол. Цветов становится больше, и они прописаны гораздо тщательней. В этой работе мы можем говорить о мелкой детализации. Веточки ветвей создают более виртуозный узор. Большое внимание уделяется необычно «сказочной» природе, изображенной на картине. Город, находящийся на заднем плане, в одном варианте полускрыт в туманной дымке, а в другом, из собрания Государственного художественного музея в Ханты-Мансийске, контуры более резкие.
Но есть и нечто общее: в обоих вариантах ствол дерева перекликается по форме и по колориту с хвостом павлина, это достаточно интересный художественный прием. Он делает композицию картины более целостной, гармоничной.
Сравнив два варианта, можно увидеть, что в первом варианте более мягкая живопись, второй отличается более резкими контурами. Поздний вариант очень чувственный, декоративный, и композиция в нем более цельная, лаконичная. Но, тем не менее, оба варианта достаточно выразительны. Две эти работы очень характерны для творчества художника, демонстрируют его любовь к стилю «модерн».
|
|
|
Заключение
И.И. Бродский очень интересная личность и замечательный художник, который прошел долгий творческий путь. Но через годы он пронес с собой свою любовь к детализации. Несмотря на то, что он работал в разных жанрах, он всегда придерживался характерных для него художественных приемов.
В курсовой работе было проанализировано творчество Исаака Израилевича Бродского в целом и более подробно его работа «Сказка» (1911) из собрания Государственного художественного музея в городе Ханты-Мансийск. Творчество его неоднородно и делится условно на два периода. Первый характеризуется любовью к пейзажам, к портретам родственников и друзей. И именно в это время он создает прекрасную работу «Сказка», в двух вариантах, более поздний из которых находится в собрании города Ханты-Мансийска. Сравнив две работы, можно говорить о том, что поздний вариант гораздо более эмоционально выразительный, более чувственный и декоративный. Художник намеренно изменил композицию картины, убрав младенца и дополнив ее цветами, чем сделал ее более эффектной. Кроме того, в Ханты-мансийском варианте отсутствует легкая дымка на заднем плане.
Был сделан краткий обзор всего его творчества, описаны наиболее интересные работы, выделены основные художественные приемы, характерные для каждого периода. Стремление уделять внимание самым мелким деталям перешло из раннего период в зрелый, а вот колорит стал более сдержанным и спокойным.
Была проанализирована культурно-историческая специфика творчества художника в процессе его становления и развития. Рассмотрено развитие творческой индивидуальности И.И. Бродского на фоне исторических событий. Проанализирована работа «Сказка» 1911 года из собрания Государственного художественного музея в городе Ханты-Мансийск и сравнена с ее первоначальным вариантом. Ранние произведения художника отличаются изысканной красочностью, ювелирной линейной проработкой деталей, оптимизмом поэтического мироощущения.
Бродский И.И. внес большой вклад в развитие отечественного искусства, и в настоящее время его работы представляют большой интерес для специалистов в области истории искусства и культуры.
Список литературы
1. Алленова Е.М. Русские художники от А до Я. – М., «Слово». – 1996 –. 340 с.
2. Бялик В.И. Бродский. – М., «Белый город». – 2002 – 47 с.
3. Нестерова Е.В. Художественная галерея. Ханты-мансийский Автономный округ – Югра. – М., «Методологический консультационный центр». – 2004 – 170 с.
4. Петрова А.В. И.И. Бродский. – М., «Художник РСФСР». – 1988 – 70 с.
|
|
|
