Основные течения западного авангарда первой половины XX века

До 1900-х гг. все опыты обновления искусства не были принципиально направлены против традиционных приемов творчества, не претендовали на ниспровержение всех навыков. Первая волна антитрадиционалистских художественных движений поднялась в 1905 г. в Германии и Франции.

Два первых течения авангардистского искусства возникли практически одновременно - фовизм и кубизм.

В 1905 г. во Франции образовалась группа живописцев, получивших в одной из рецензий на Парижский Салон этого года наименование фовистов («диких»). В Германии, Дрездене, возникло общество «Мост». Французские художники склонялись к созерцательности, немецкие тяготели к экспрессивности, поэтому за ними закрепилось название экспрессионистов. Очень скоро пути многих основоположников этих течений разошлись, но сначала они исповедовали общую доктрину, включавшую:

- отказ от светотеневой моделировки формы;

- отказ от объемно-пространственного построения композиции и воздушной перспективы;

- плоскостные изображения, которые у фовистов лишь в незначительной степени передают пространственную среду;

- нанесение красочного слоя на холст локальными плоскими пятнами либо хаотичными густыми мазками;

- форсирование интенсивности красок, смещение по сравнению с реальностью колорита, применение красок в полную силу их звучности - деформация как один из необходимых приемов творчества;

- линию, создающую контур изображения, которая не всегда точно определяет очертания предметов.

Предтеча фовизма - Ван Гог, но фовисты пошли еше дальше в форсировании цвета. А.Дерен и М.Вламинк скоро разочаровались в фовизме, сохранил приверженность этому стилю Анри Матисс (1869 - 1954).

Матисс родился в маленьком городке Като на севере Франции, случайно заинтересовался живописью, когда ему исполнилось двадцать лет. Первые опыты Матисса были встречены неодобрительно. Наиболее значительные картины Матисса ушли в Россию в собрания С.И.Щукина и И.А.Морозова. Достигнув материальной независимости, художник много путешествует. Особое значение имела поездка в Марокко. В годы Первой мировой войны искусство Матисса становится строже и аскетичнее. В послевоенное время Матисс возвращается к темам Востока, пишет легко и быстро небольшие картины полужанрового характера, отказываясь от новаторства. В начале 30-х гг. Матисс вновь создает ряд выдающихся произведений: панно для музея Барнеса в Мерионе (США, Пенсильвания, 1931 - 1933), монументальные станковые картины («Розовая обнаженная женщина», «Сон»). В 1938 г. Матисс переселился на юг Франции, последние пятнадцать лет жизни художник был прикован к постели, продолжая работать. В 40-х гг. художник обращается к жанру портрета, к числу лучших относится «Портрет Л.Н.Д.».

Он писал в «Заметках живописца», что мечтает об искусстве уравновешенном, чистом, спокойном, без волнующего или захватывающего сюжета, которое бы для всякого человека умственного труда являлось отдыхом. Его искусство было обращено человеку «усталому, измотанному, изнутренному». Эмоциональную активность каждой картины рождает декоративно решенная композиция, в ней заключается какая-то особая, возбуждающая чувства энергия. Предметная реальность подвергается упрощениям, иногда деформациям.

Матисс считал, что «краски в картине должны будоражить чувства до самых глубин». Излюбленными образами и темами искусства Матисса были изображения идиллических, пасторальных, вакхических сцен, рисующих золотой век человечества. Вторая группа картин изображала повседневную жизнь человека, придавая ей праздничность и нарядность. Основными элементами живописи Матисса были композиция, линия, цвет, пространство. Линия вносит в картину орнаментальное начало, цвет выражает радость бытия: «Картины влекут нас к себе своим красивым синим цветом, красивым красным, красивым желтым... которые будоражат наши чувства до самых глубин». Матисс пользовался ограниченным количеством красок, чистых и звучных, без нюансов и переходов. Белый цвет понимался Матиссом как источник света. Матисс полагал, что живопись должна быть очищена от иллюстративности, драматизма и психологизма. «Я создаю не женщину, а картину», - говорил он, изображение - не двойник предмета, а его знак. В каждой из картин Матисса лежит какой-либо узор, излюбленным для художника был мотив цветка мимозы. Метафоры - в основе живописного языка Матисса, он говорил, что при виде ствола акации у него возникало желание написать женщину.

Творчество Пабло Пикассо (1881 - 1973) пронизывает весь XX в. Пабло Руис, впоследствии сменивший слишком распространенную в Испании фамилию своего отца на редкую фамилию матери - Пикассо, родился 25 октября 1881 г. в Малаге. Отец его, Хосе Руис Бласко, преподаватель рисунка в местной школе искусств и ремесел, стал первым учителем Пабло.

На протяжении 1900-1902 гг. Пикассо трижды приезжал в Париж, а в апреле 1904 г. окончательно туда переселился. Осенью 1901 г. Пикассо вступает на новый путь, получивший название «голубого периода». В картинах Пикассо многократно варьируются образы нищих, изгоев, несущих свое несчастье как избранничество. Около середины 1901 г. к композиционным экспериментам добавилось все более отчетливое стремление к ирреальной палитре, в своей умеренности склоняющейся к нюансированной однотонности. Следующий период поисков Пикассо принято называть «розовый период». В это время появляются образы влюбленных, матерей с детьми. Формы постепенно все больше и больше застывают на плоскости и приобретают прямолинейные границы, Пикассо все ближе подходил к определенной схематизации. В 1907 г. Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», в которой фигуры деформированы, отсутствует светотень и перспектива. В это же время Жорж Брак под влиянием работы Пикассо меняет свою манеру и создает свою собственную картину «Grand nu». Это было начало кубизма, который очень быстро распространился по Европе. В 1908 г. в Париже была образована группа «Бато Лавуар» («Лодка-плотомойня»), куда вошли Пикассо, Брак, испанец Хуан Грис, поэт Гийом Аполлинер, Гертруда Стайн, разрабатывающие принципы кубизма. Популяризаторами кубизма стали А. Глез, Ж. Метценже, Ж. Виллон. Термин «кубисты» первые употребил в 1908 г. французский критик Л. Восель как насмешливое прозвище художников, превративших мир в комбинацию кубов, цилиндров, конусов и шаров. На раннем этапе, испытавшем влияние Сезанна, геометризация форм подчеркивала устойчивость, незыблемость основных элементов мира. Грани объемов распластаны на плоскости, образуя подобие рельефа.

На следующей стадии, названной «аналитической», предметы распались на множество граней. Пример аналитического кубизма - портрет Амбруаза Воллара, лицо которого разделено на грани, цвет почти отсутствует. Одной из лучших работ аналитического кубизма был портрет Канвейлера, в котором каждая грань изображения показана под углом, дробя изображение. Опасность превращения изображения в криптограмму, недоступную для восприятия, заставило создателей кубизма попытаться установить связь с ускользающей реальностью с помощью элементов самой реальности - так, в картинах Брака появились вырезанные буквы, части текста.

Переход от «аналитического» к «синтетическому» кубизму происходит около 1910 г., когда Брак и Пикассо начинают вставлять в свои работы фрагменты реалистических изображений (так, усы и трубка служат ключом к работе «Поэт»). В «Натюрморте с соломенным стулом» Пикассо применяет технику коллажа с помощью кусочков ткани, страниц газет, Брак в форме «папье-колле» использует бумагу, наклеенную на холст, а Пикассо вклеивает в свое полотно кусок клеенки. Таким образом, в одном пространстве оказались противоречиво соединены предметы различной степени реальности.

С 1914 г. у Пикассо появляется все больше реалистических работ. Это натюрморты: компотница с бананами и яблоками, арлекины. В это время Пикассо создает костюмы к новаторским постановкам дягилевской балетной труппы, в том числе к балету «Парад» на музыку Сати. В послевоенной Европе нарастает стремление опереться на что-то вечное, незыблемое. У Пикассо обнаруживаются элементы неоклассицизма. В его полотнах появляются приземистые, короткорукие женщины с правильными чертами лиц («Три женщины у фонтана», «Источник»). В 1918 г. Пикассо вступает в брак с русской балериной Ольгой Хохловой, у них рождается сын. Естественно, что в творчестве художника в 20-е гг. большое место занимает тема материнства. В середине 20-х гг. мир Пикассо начинает содрогаться: образы близких и знакомых людей начинают приобретать чудовищный вид («Женщина в кресле», 1927, «Художник и его модель», 1927, «Стоящая купальщица», 1929).

В 1930 г. художник создал 30 офортов к «Метаморфозам» Овидия в классическом стиле, в 30-е гг. серию из 100 офортов, названную «Сюита Воллара», в которой одним из главных образов является Минотавр - получеловек-полуживотное, то игривое, то свирепое и жестокое.

Узнав об уничтожении маленького баскского городка Герника авиацией франкистов, Пикассо начинает работать над полотном «Герника», которое предназначалось для павильона Испании на Всемирной выставке 1937 года в Париже.

В таких произведениях, как «Бойня» 1948 г., «Война в Корее» 1952 г. выражена гражданская позиция Пикассо. С 1947 г. Пикассо работает в центре гончарного производства Франции Валорисе над скульптурами из керамики, расписывает глиняную посуду. В 1946 г. Пикассо исполняет ряд панно и картин для музея в Антибе, позже ставшего музеем Пикассо. В середине 50-х гг. Пикассо обращается к наследию великих мастеров живописи, перевоплощая их образы в своих картинах. Так, им были созданы 44 версии знаменитых «Менин» Веласкеса.

Экспрессионизм (от лат. expressio - выражение) - направление в искусстве первой четверти XX в., провозглашавшее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение - главной целью искусства. Термин «экспрессионизм» впервые был употреблен в 1911 г. издателем журнала «Штурм» Г. Вальденом, как течение, противоположное импрессионизму и натурализму. Наиболее полно новый стиль раскрылся в Германии и Австрии в творчестве таких художников, как Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка - в Австрии. Для произведений экспрессионистов характерны диспропорции. Графика экспрессионизма показывала мир без полутонов в преувеличенной резкости изломанных линий. Контур в работах Мунка, Марка, Кокошки становится главным композиционным элементом, цвет выражает определенное психическое состояние. В изображении массовых сцен экспрессионисты смогли передать состояние массового воодушевления или психоза. Искусство экспрессионистов тяготело к плакатности, недаром многие из немецких экспрессионистов примыкали к радикальным политическим движениям левого толка.

Футуризм, вылившийся в самостоятельное направление в искусстве начала 10-х гг., развился под знаком общей для всего русского авангарда устремленности в будущее, проективности искусства по отношению к жизни. В целом футуризм представлял собой скорее не художественное движение, а некоторое умонастроение художников и поэтов, мечтавших о небывалом искусстве будущего, безудержно стремящихся к нему.

Футуризм возник в Италии. Название ему дал поэт Филипппо Томмазо Маринетти (1876-1944). В «Учредительном манифесте футуризма», опубликованном в 1909 г. во французской «Фигаро» говорилось: «Гоночный автомобиль, капот которого украшен трубами, подобными бурно дышащим змеям, ревущий автомобиль, который кажется мчащимся среди картечи, прекраснее Ники Самофракийской...». В группу входили У. Боччони, К. Карра, Л. Руссоло, Дж. Северини, стремившиеся создать художественные эквиваленты возбужденного состояния ума. Футуристы романтизировали технику, видели в ней движущую силу истории.

Русский кубофутуризм, или иначе будетлянство, понимал современность и будущее, машинную технику и революцию как явления космического масштаба. Поиски первооснов бытия были связаны у кубофутуристов с обращением к первоэлементам искусства - цвету, линии.

Дадаизм просуществовал около 7 лет с 1916 по 1923 год. Его трудно назвать школой или направлением. Общий пафос дадаизма - отрицание, разрушение всех социальных и культурных ценностей. Движение имело разветвленный интернациональный характер. Дадаистские группы существовали в Цюрихе, Кельне, Ганновере, Париже, Нью-Йорке. Основатель дада Тристан Тцара - уроженец Румынии, который в 1916 г. приехал, в Цюрих изучать математику. Он принял участие в деятельности «Кабаре Вольтер».

«Дада» - это жест отчаяния художника, чувствующего пропасть между собой и остальным миром. В своей книге «Бегство из времени» Гуго Балль писал: «Наше кабаре - это действие. Каждое слово, произнесенное или перепетое здесь, имеет по крайней мере один смысл: показать, что наша унизительная эпоха не заслуживает никакого уважения. Что она может предложить? Пушки? Но наш большой барабан звучит не хуже. Идеализм? Но он уже давно стал всеобщим посмешищем и в своем популярном, и в своем академическом варианте. Грандиозные битвы и каннибальские подвиги? Мы посрамим их нашим сознательным безумием и нашей преданностью иллюзии».

Ни по составу идей, ни в области форм дадаисты не изобрели ничего нового. Все элементы их литературной техники - разрушение стихосложения и синтаксиса, произвольное и алогичное сочетание слов и мотивов, «симультанность», фигурный набор были известны. Секрет дадаизма - в нагнетании этих приемов.

В изобразительной технике дада использовал динамический абстракционизм футуристов, освобожденный цвет экспрессионистов, сочетание несочетаемых изобразительных мотивов, использование причудливых и абсурдных машин, введение в картины букв, шрифтов, деформированных надписей.

После войны дада рассеивается по разным странам. Дадаистские группы и журналы возникли повсеместно. Публике понравился новый юмор с примесью абсурда, сарказма, цинизма. Наиболее значительная часть дадаистов вернулась в Германию, где получило развитие социально-радикальное течение «Дада» - это немецкая форма большевизма. С 1920 г. дадаистское движение захватывает Нью-Йорк. Просуществовав сравнительно недолго, дадизм как течение перестал существовать, а его участники примкнули к новому художестенному течению - сюрреализму.