Отечественная живопись XX – XXI вв.

 

Традиции русской школы продолжали развиваться в советское время благодаря творчеству корифеев и представи­телей нового поколения художников. Однако революционный радикализм, охвативший страну с 1917 г., разделил их не только по отношению к советской власти, но стал началом борьбы «нового» и «старого» искусства.

В начале 1920-х гг. перевес сил был явно на стороне авангардистов. «Беспредметники» (К. Малевич) отвергали станковую картину и отрицали фигуративную живопись. Энер­гичные футуристы, кубисты, абстракционисты (В. Кандинский и др.) организовывали выставки, названия которых говорят сами за себя: «Беспредметное творчество и супрематизм» и т.п.

Художники других направлений тоже объединялись в различные организации. Одна из них, АХРР – ассоциация художников революционной России, возникла в 1922 г. на основе «Товарищества передвижных выставок». её представители стремились «художественно-документально» запечатлеть жизнь и быт рабочих, крестьян, красноармейцев. Работая во всех жанрах, основное место аххровцы отводили историко-револю­ционным темам (М.Б. Греков «Тачанка»). Позже представители именно этого объединения займут господствующие позиции в советском искусстве.

Продолжателями традиций «Мира искусства» стала группа «Жарцвет» (1923 – 1929 гг.), тяготевшая к декоративной стилизации («Портрет Волошина» А. Остроумовой-Лебедевой). Молодые художники создают «НОЖ – новое общество живописцев». Они используют приемы примитивизма, традиции лубка и обращаются в своих живописных исканиях к жанру пейзажа и натюрморта. В дальнейшем, перейдя в состав Общества станковистов – ОСТ, начнут создавать образы нового человека (строителя, спортсмена) и, прибегая к минимуму выразительных средств, передавать революционных дух современной индустриальной страны.

 

Черту в пестрой картине творческих исканий подведет постановление ЦК партии в 1932 г. о ликвидации всех художественных групп и создании единой организации – Союза художников СССР, на долгие годы определившее судьбу советского искусства и художников. Некоторые из них эмигрируют, не согласившись с нарушением главного принципа творчества – свободы самовыражения, другие начнут работать в рамках единственно тогда возможного метода «социалистиче­ского реализма», основные постулаты которого изложил М. Горький. Они казались вначале вполне приемлемыми, но в дальнейшем свелись к основному моменту: действительность должна быть показана не такой, какой она есть на самом деле или как её видит художник, а с обязательным преломлением через господствующую идеологию, с пафосом и прославлением существующего строя.

В дальнейшем в русле этих принципов идет формирова­ние основ советской живописи. Развивается официальное направление, начатое еще И.И. Бродским – изображение вождей партии и советский бытовой жанр с обязательными элементами героики. Романтизм и праздничная жизнь становятся излюбленными темами. Расширяются географиче­ские рамки пейзажа. Формируются национальные школы (в Армении – М. Сарьян и др.), где активно работают и русские мастера. Интересен пример Н.В. Кашиной, уроженки Перми, ставшей впоследствии Народным художником Узбекистана. Ведущее место в системе официального советского искусства отводилось историко-революционной тематике, сюжетам о советском строительстве, прославлению «вождей». Вместе с тем, в портретах, пейзажах и тематических картинах Ю. Пименова, А. Дейнеки и других художников отразилась энергия оптимистической мечты о строительстве общества будущего.

Великая Отечественная война внесла свои коррективы. Многие художники уходят на передовую, где сочетают умение владеть кистью и автоматом. Их этюды, зарисовки становятся бесценными живописными документами тех трудных, героических лет. Постепенно скромные портреты солдат заменяют парадные, торжественные (маршал Г.К. Жуков, написанный П. Кориным в 1945 г). Лозунг «Все для фронта, все для победы» воспринят художниками буквально и претворяется в жизнь через пейзажи А. Пластова, натюрморты М. Сарьяна, сатирические произведения Кукрыниксов.

После войны усиливается внимание к обычной, негероической жизни простого человека, и вместе с тем апогея достигает художественный культ И.В. Сталина. В этот период идеологическое давление на культуру достигло максимума, что создавало массу преград для творчества.

 

С «хрущевской оттепели» начинается оживление художественной жизни: создается Союз художников СССР, издается новый журнал «Художник», появляется издательство «Художник РСФСР». Проходят всесоюзные выставки, где выставляются работы молодых талантов – Г. Коржева, Т. Салахова. Среди художников формируется «суровый стиль», приверженцы которого пытаются отойти от помпезности искусства эпохи сталинизма (П. Никонов, В. Попков), но продолжают работать в традиционной манере соцреализма. Другой формой протеста становится деятельность художников второй волны русского авангарда (О. Рабин).

С середины 1980-х гг. начинается легализация неформаль­ных объединений, идет реабилитация репрессированных в годы сталинизма художников (П. Филонов и др.).

Отечественный модерн и метод соцреализма оставили свой след в истории изобразительного искусства. На их основе теперь идет развитие постсоветской живописи, попытка соединить прошлые достижения с новыми веяниями, синтезировать различные виды искусства.

 

Тема 7. Музыка XIX – XXI веков

 

Музыка как вид искусства

 

Музыка возникла почти одновременно с человечеством. Там, где была бессильна речь, на помощь приходили ритм и звук. Древний человек уже был способен различать звуковые тональности. Музыка была связана с общественной деятельно­стью человека: обряды, охота, погребальные ритуалы и др.

Первые убедительные свидетельства о музыке древности относятся к эпохе палеолита, когда человек научился изготовлять инструменты из камня, кости и дерева. Самыми древними музыкальными инструментами были ударные, т.к. для ритуальных танцев нужен был ритм. В эпоху древних цивилизаций музыка играла важную роль как в религии, так и в повседневной жизни. Это время, когда были созданы многие музыкальные инструменты, появились ноты, огромное значение придавалось человеческому голосу.

В раннем и зрелом Средневековье в Европе господство­вала христианская церковь, поначалу считавшая недопустимым использование музыкальных инструментов во время богослужения. Исключением были колокола (используются в храмах с IV в.) и орган, появившийся в церквях в VII в. С XIV в. этот инструмент получил общеевропейское распространение. В христианских общинах зарождается первая литургическая драма – средневековое театрализованное представление собы­тий священной истории. В XIII в. представление было перенесено из церкви на паперть. В XIV в. жанр пришел в упадок.

Помимо церковной музыки в Средневековье были популярны бродячие театры, которые странствовали по дорогам Европы еще с VI в. Жонглеры, шуты, укротители развлекали простой народ. Многие из этих артистов умели петь и играть на музыкальных инструментах. В XI в. поэты-певцы стали имено­ваться трубадурами. Это первые представители профессиональ­ного искусства, не связанного с церковной музыкальной культурой. На севере Франции их называли труверами, в Германии миннезингерами. Главная тема их песен – поклонение прекрасной даме.

В период Возрождения все большую роль в строении музыкальных произведений начинает играть многоголосие, т.е. искусство полифонии. Одним из важных жанров этого времени является мадригал. В конце XV в. родилась интермедия – краткий музыкальный спектакль, ставший предшественником оперы. Первыми операми принято считать произведения «Дафна» (1597 г.) и «Эвридика» (1600 г.) композитора Я. Пери.

 

В XVII – XVIII вв. музыка становится одним из главных видов художественного творчества. История европейской музыкальной классики начинается с монументальных произведений И. Баха и Г. Генделя. Огромное влияние на Европу оказала Венская школа музыки, яркими представителя­ми которой были В. Моцарт, Ф. Гайдн, Л. Бетховен. Ф. Гайдн написал свыше 100 симфоний и был учителем для Моцарта и Бетховена. Оперы «Дон Жуан», «Волшебная флейта» и другие произведения В. Моцарта до сих пор считаются образцами мелодизма.

Большие изменения происходят в церковной музыке. В частности, зарождаются жанры оратории, кантаты (И. Бах). Церковная музыка продолжала занимать ведущее место в музыкальном творчестве В. Моцарта, Л. Бетховена.

В XVII – XIX вв. развивается инструментальная музыка во всех её формах. Это концерты (А. Вивальди и др.), сонаты и симфонии (Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Р. Шуман), песни (И. Брамс, И. Штраус). В конце XVIII в. создается новый музыкальный инструмент фортепьяно,вскоре вытеснивший другие клавишные инструменты, появляются выдающиеся композиторы-пианисты – Ф. Шуберт, Ф. Шопен, Ф. Лист. С именами этих же композиторов связан расцвет камерной музыки (произведений для небольших инструментальных ансамблей и для небольших помещений или домашнего музицирования).

Из французской комической оперы в XIX в. выделилась оперетта. Основоположником нового жанра был Ж. Оффенбах («Орфей в аду», «Прекрасная Елена», «Перикола»).

 

⇐ Предыдущая9101112131415161718Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: