Главная | Обратная связь | Поможем написать вашу работу!

Скульптура - вид изобразительного искусства

Скульптура (от лат. - вырезать, высекать, ваяние. пластика) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трёхмерный объём. Сами эти произведения: статуи, бюсты, рельефы и т.п. - также называются скульптурой.

Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объёмные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по-своему назначению станковой, монументальной, монументально - декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм.

По жанрам скульптура делится на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую, историческую и др. С помощью скульптуры может быть воссозданы пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптуры является человек, который может быть воплощён в разнообразных формам (голова, бюст, статуя, скульптурная группа).

Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная. сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает своё произведение из твёрдого материала

(камень, дерево и др.) путём удаления лишней массы. Такой способ называется высекание. Другой процесс создания объёма - за счёт прибавления пластической массы (пластилин, глина, воск, и др.). Такой способ называется - лепка или пластика. Скульпторы создают также своё произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния (гипс, бетон, пластмасса и т.п.). Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путём ковки, чеканки, сварки и резки.

Скульптура - один из самых древних видов искусства. В первобытном обществе существовали женские фигурки и рельефы. При раскопках древних поселений находили небольшие скульптурки из обожженной глины, вырезанные из кости, дерева, камня. У народов Древнего Египта, Древнего Востока, Древней Америки были гигантские изваяния богов, люде и животных. Античная скульптура научилась передавать движение. В средние века скульптура передавала духовное, внутреннее и эмоциональное состояние человека. В эпоху Возрождения - интерес к человеку как прекраснейшему созданию природы. В 20 веке возникают новые методы и материалы (проволока, надувные фигуры, зеркала и др.).

Цвет постоянно активно применялся в скульптуре. Особенно в эпоху античности, средние века, Возрождения. Используется для повышения художественной выразительности станковой скульптуры и в наши дни.

Немаловажным в скульптуре является постамент. Функция его заключается в том, чтобы продемонстрировать скульптуру с наиболее выгодного ракурса рассмотрения. Но в пастоменте есть одна закономерность: чем выше у скульптуры постомет, тем больше она воспринимается как символ.

Билет 19

Многогранность таланта Леонардо да Винчи.

Возрождение (Ренессанс – франц.) – это эпоха, охватывающая в Италии14-16века.Возникло Возрождение сначала как художественное движение, сплотившее философов, литераторов, музыкантов, архитекторов и художников вокруг центральной проблемы – гуманизма. Возрождение стало новым художественным мировоззрением, которое формировало: 1) буржуазно-личностные идеалы, 2) профессиональное искусство как идеальное оформление светского образа жизни, 3)европейскую национальную культуру.

Период наивысшего расцвета искусства в Италии в 16 веке называется Высоким Возрождением. Это «золотой век» искусства, представленный творчеством великих художников – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.

Один из основоположенников живописи этой эпохи явился Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, архитектор, инженер и ученый. Он учился в мастерской А.Веррокьо, работал во Флоренции, Милане, Риме, а также во Франции. Личность Леонардо была и одаренной, и загадочной. Он предугадал изобретение телевидения и летательных аппаратов, проектировал градостроительные сооружения; был одарен во всех видах искусства, включая музыку. Леонардо словно стремился постигнуть все возможности разума человека, понять его место в мироздании.

Главным предметом исследования Леонардо был человек. Он призывал художников к объективному изображению человека. Им была тщательно изучена особенность человека и его движений:

· возрастные особенности человеческих лиц и изменения черт лица, в соответствии с эмоциональным состоянием, с помощью знаменитой леонардовской дымчатой светотени «сфумато», например картина «Поклонение волхвов»;

· анатомия человека, «золотое сечение» в изображении человеческой фигуры, («Святой Иероним»);

· переосмысление горизонтальной композиции картины и попытка построить смысловую композицию, («Тайная вечеря»);

· единая эмоциональная связь между персонажами картины;

· ввел в искусство эстетики понятие безобразного («карикатура»);

· отказ от изображения природы как фона и наделяет ее смыслом, («Мадонна в скалах», «Джоконда»).

Леонардо была создана научная разработка теории живописи для преподавания в Миланской академии художеств. В ней на первое место в обучении он выдвигал искусство перспективы как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Таки образом он упорядочил закон перспективы Ф Брунеллески:

· чем дальше предмет, тем он меньше;

· отношение высоты предмета к его ширине на любом удалении сохраняется;

· чем глубже предмет на плоскости, тем короче его линия.

· две линии, идущие в глубину картины, пересекаются в одной точке на горизонте («точка схода»);

· «прямая перспектива» - это один вариант линейной перспективы с точкой схода в центре композиции.

Кроме этого Леонардо да Винчи были открыты законы тональной и воздушной перспективы:

· закон тональной перспективы – чем дальше предмет, тем «холоднее» тон (синеватый);

· закон воздушной перспективы – чем дальше предмет, тем расплывчатей его контур.

«Линия горизонта» у Леонардо – это место геометрического и тонального слияния линии земли и линии неба.

Среди шедевров мирового искусства – «Джоконда» («Монна Лиза») – самая загадочная картина. Она олицетворяет собой материнскую нежность. Картина совершенна, улыбка мадонны загадочна. Кульминация художественного творчества Леонардо – фреска «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта-Мария деле Грацие в Милане. Здесь изображен момент из «Евангелия», когда Христос произносит пророческие слова: «Один из вас предаст меня». Леонардо стремится через мимику, жесты, группировку фигур, их силуэты, пластику и колорит выразить происходящую на наших глазах драму Христа. Образ Христа спокоен и ясен. Иуда резко выделяется среди других апостолов. Стремясь усовершенствовать технику фрески, Леонардо прибег к смеси масла и темперы, но она плохо держалась на стене. Поэтому фреска начала стремительно разрушаться еще при жизни художника и дошла до нас благодаря многочисленным реставрациям.

Билет 22.

Поиски идеала в творчестве Рафаэля.

3)европейскую национальную культуру.

Наиболее гармоничным и классическим по существу было творчество самого младшего из великих художников Высокого Возрождения – Рафаэля Санти (1483-1520). Сын живописца Джованни Санти, обучался профессии у отца и работал с ним в качестве подмастерья. Позднее он учился у П.Перуджино в Перудже. У него он научился:

· понимать композицию как гармоническое сочетание частей целого;

· упрощать композицию и строить картину по геометрической схеме: крест, треугольник, круг, овал и др.;

· чуткое ощущение ландшафта и архитектуры на картине, тесная связь с ними фигур персонажей.

Испытал влияние на своем творчестве Леонардо да Винчи, Микеланджело и Д. Браманте. Работал во Флоренции и в Риме.

Флорентийский период Рафаэля называют «периодом мадонн». Именно тогда внедрил в свое творчество:

· Подмалевок (рисунок углем на грунте). Начальный этап и конструктивная основа живописного полотна;

· Выработал графическую четкость и гармоничность в линиях картины;

· Принцип уравновешенности масс в композиции картины;

· «Рондо» (круглая форма картины) – как наиболее уравновешенный и гармоничный формат полотен.

В римский период творчества Рафаэль работал в основном по заказу пап в Сикстинской капелле Ватикана. Вместе с тем он решал уже другие задачи – это задача изображение движения. Для этого он стремился с помощью законов перспективы расширить пространство вширь и вглубь; задействовал в изображение и передний план картины, который до этого считался «неприкасаемым»; пытался изобразить движение всего пространства картины навстречу зрителю.

Рафаэль один из первых художников, который выявил на картинах внутренний мир персонажа в портретах и сопоставил его с внешним видом.

Кроме живописи, Рафаэль руководил раскопками античных памятников, изучал их.

Жизнь Рафаэля была короткой, но очень насыщенной, плодотворной с первых произведений. Он смог осуществить свои замыслы в живописи – монументальной, станковой, декоративно-монументальной – и в архитектуре. На протяжении столетий образы, созданные Рафаэлем, являлись эталоном гармонии, совершенства, предметом не только подражания, но и поклонения. Самым прославленным произведением Рафаэля на протяжении столетий остается «Сикстинская мадонна». В этом образе две стороны таланта художника – лирическое и эпическое восприятие мира – объединились в одно целое. Тема мадонн у Рафаэля, здесь, слилась с темой поэтического восхваления прекрасной женщины.

Билет 23.

Герб в культуре средневековья. Составные части герба.

Герб – это знак отличия в рыцарской культуре. Герб вобрал и соединил в себе, переработав, с одной стороны, старые родовые или общие для средневековья эмблемы и символы, а с другой стороны, элементы рыцарского и военного обихода.

С течением времени герб сформировал основные составные части, это – щит, шлем, намет, щитодержатель, корона, девиз. В каждой стране герб развивался по-своему. Поэтому нередко и форма щита, и цвет, и др. имели свои различия. Так, например, четырехугольные формы щита были распространены в Испании и Франции; треугольные – в Нормандии, овальный – в Италии, с прихотливо вырезанным краем – в Германии.

Для удобства описания герба его принять на участки. При этом одни из них более важны, другие – менее. Например, правая (со стороны лица, несущего щит) сторона и верхняя часть щита считаются наиболее почетными, что особо важно при сравнении гербов друг с другом.

Со временем в геральдике появляются фигуры людей, зверей, птиц, всевозможные кресты, полосы и т.п. – «гербовые фигуры». Шлем в изображении герба употреблялся преимущественно в личном рыцарском гербе, но он отсутствует в гербах духовных лиц, в женских и городских гербах.

Намёт – это полосы двуцветной ткани, спускающиеся со шлема на герб.

В полных гербах часто используются также щитодержатели – реальные или мифологические фигуры, поддерживающие с двух сторон щит.

Короны в гербах появляются в период расцвета геральдики, которые обозначают принадлежность их хозяина к титулованной знати.

Под щитом, на ленте (хартии)_часто располагается девиз – короткие изречения, либо отдельные слова, выражающие, по мысли написавших их, суть характера человека или рода.

Цвет в гербе не зависит от национальных, исторических или религиозных условий. Символика цвета в гербе самобытна, например:

· золотой – верховенство, величие, богатство;

· серебряный – чистота, радость и мудрость;

· белый – чистота, мир;

· пурпурный – высокородность и власть;

· красный – право, Сида, мужество, любовь;

· синий – искренность, честь и верность;

· зеленый – свобода, радость, надежда;

· черный – постоянство, скромность, покой.

Традиционно считается, что гербы возникли в Западной Европе в 11-12 веках. В Россию герб пришел лишь в конце 16 – начале 17 века.

Билет 1

⇐ Предыдущая 1 2 345 6 Следующая ⇒

Воспользуйтесь поиском по сайту: