 |
Структура египетского храма. Типы египетских колонн.
|
|
|
|
1. Все заупокойные храмы находились на западном берегу Нила. Храмы, посвящённые богам, такие как Карнакский и Луксорский, были построены на восточном берегу.
Карнакский был главным храмом Амона-Ра и официальным святилищем страны. Его строили по проекту архитектора Инени несколько столетий. Храм неоднократно перестраивался. Он грандиозен со всех сторон: мощные пилоны с гигантами-статуями фараона перед ними, обширный колонный двор, гипостильный зал с целым лесом колонн высотой более 20 м и диаметром более 3 м.
Луксорский храм был вторым по значению в стране. На этом месте кого-то стояли Фивы, которые дважды были столицей Египта. Храм Амона-Ра в Луксоре (зодчие Аменхотеп и Майа) наиболее совершенный. Он отличается чёткой планировкой: два двора с портиками, Культовые помещения и молельни со статуями богов в глубине здания. В первом дворе - колоннада из 14 колонн 20-метровой высоты с капителями в виде раскрытых метёлок папируса. Всего колонн в храме около 150. Древнеегипетские колонны делились на следующие виды:
· Пальмовидная – капитель в форме листьев пальмы;
· папирусовидная с открытым и закрытым цветком;
· лотосовидная – капитель в форме цветка лотоса;
· хаторическая – капитель в виде головы богини Хатор.
Таким образом, в эпоху Нового царства сложился тип храма, который состоит из трёх частей:
1. Перистиль - огромный открытый внутренний двор, обнесённый колоннадой.
2. Гипостильный зал - закрытый колонный зал.
3. Святилище -с ладьей Ра в центре.
Билет 6
Орнамент, его значение и виды. Структура орнамента.
Орнамент от латинского украшение – узор, построенный на ритмическом чередовании и организационном расположении элементов. В зависимости от характера мотивов различают следующие виды орнаментов: геометрический, растительный, зооморфный, антропоморфный.
|
|
|
ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ орнамент может состоять из точек, линий (прямых, ломаных, зигзагообразных, сетчато-пересекающихся), кругов, ромбов, многогранников, звезд, крестов, спералей и др. Сложные орнаменты типа меандр, встречающиеся в искусстве Древней Греции, тоже можно отнести к геометрическому орнаменту.
РАСТИТЕЛЬНЫЙ орнамент изображает стилизованные листьев, цветов, плодов, веток и т.п. (лотоса, пальмы, папируса). Наиболее часто встречается, распространенный у всех древних народов орнамент «Дерево жизни», который может изображаться и как цветущий куст, и более декоративно-обобщенным, тоже является растительным орнаментом.
ЗООМОРФНЫЙ орнамент изображает стилизованные фигуры или части фигур, реальных и фантастических животных. Иногда подобный орнамент называют звериным стилем. Декоративное изображение птий и рыб также относятся к этому виду орнамента.
АНТРОПОМОРФНЫЙ орнамент в качестве мотивов использует мужские и женские стилизованные фигуры или части тела и лица человека.
Иногда орнамент сочетает в себе несколько видов сразу, например: геометрический + растительный и т.д.
Не всякий узор можно счетать орнаментом. Узор, свободно заполняющий плоскость, таковым не является. По характеру композиций можно выделить такие типы орнамента: ленточный (фриз, бордюр, кайма), орнамент в круге (розетта), орнамент в квадрате или прямоугольнике, сетчатый.
Свойства орнамента также зависят от назначения, формы, структуры и материала той вещи, которую он украшает (одежда, мебель, оружие, книга, плакат и т.д.). Орнамент может стать вещью, если его сплести в виде кружева (салфетка, воротник, скатерть и т.д.). Общие стилистические признаки орнаментального искусства определяются особенностями и традициями изобразительной культуры каждого народа, обладают определенной устойчивостью на протяжении длительного исторического периода и имеют ярко выраженный характер. Поэтому можно сказать, что орнамент является стилем эпохи, признаком принадлежности произведения к данному времени и к данной стране (готика, барокко, модерн, и др.)
|
|
|
В народном творчестве мотивы орнамента запечатлели фольклорно-поэтическое отношение к миру (знаки Солнца, Земли, Воды, Огня и др.). С течением времени древние мотивы утратили свое магическое значение, а осталась лишь декоративно выразительная роль узора.
Билет 7
Свет в картине. Отражение света от картины.
Светотень. Моделирование объема на картине.
Объемная форма предметов передается на рисунке не только построенными с учетом перспективных сокращений поверхности, но и с помощью света. Свет и тень (светотень) – очень важное средство изображения предметов, их объемов и положения в пространстве. Светотенью так же, как и перспективой, художники пользуются очень давно. С помощью этого средства они научились передавать в живописи форму, объем, фактуру предметов так убедительно, что они, казалось, оживали в произведениях. Свет помогает передать и окружающую среду.
Художники до настоящего времени используют правила передачи светотени, открытые в средние века, но работают над их совершенствованием и развитием.
На картине может присутствовать разное освещение: естественное освещение (природное) солнце и луна; искусственное освещение (созданное человеком) от свечи, лампады. Прожектора и т.д.
Искусством использования света в живописи владел, как никто другой, великий Рембрандт. Его картины всегда озарены внутренним светом. Свет высвечивает из темноты лица портретируемых.
Характер освещенности зависит т от высоты солнца над горизонтом. Если оно находится высоко над головой, то предметы отбрасывают короткие тени. Форма и фактура выявляются слабо. При снижении солнца тени от предметов увеличиваются, фактура проявляется лучше.
Освещение имеет разные виды:
· ФРОНТАЛЬНОЕ освещение это когда источник света освещает объект прямо перед ним. Такое освещение слабо выделяет детали.
|
|
|
· БОКОВОЕ освещение (слева или справа) хорошо выделяет форму, объем. Фактуру объектов.
· КОНТРАЖУРНОЕ освещение – если источник света находится за объектом. Предметы выглядят силуэтно и теряют свой объем.
В картине может быть один или несколько источников света. В этом случае художник прибегает для изображения предметов к световой перспективе.
Освещенность предметов зависит от угла падения, под которым лучи света падают на объект. Если они освещают поверхность под прямым углом, то образуется самое светлое место на предмете, условно оно называется – свет. Там где лучи лишь скользят образуется полутень. В тех местах, куда свет не проникает – тень. На блестящих поверхностях отражается источник света и образуется самое яркое место – блик.
Свет, тень и полутень играют существенную роль на форме предмета, чтобы наилучшим образом передать особенности формы и фактуры объекта.
Билет 8
Жанр натюрморта в живописи. Система аллегорий в живописи.
Nature morte – «мертвая природа» (итальянский). Если вспомнить, что послужило возникновению натюрморта, то можно смело заявить, что толчком для его появления послужил еще обыкновенный обычай средневековых рыцарей избирать себе для турнира короткие девизы, наносившиеся на оружие, одежду и предметы быта. Кроме девизов информация зашифровывалась и в рисунках, в них выражалось личные принципы рыцаря. Появляются простые рисунки, которые сопровождаю девиз. Таким образом появлятся эмблема. Разгадывание эмблем становится традиционным времяпровождением светского общества «галантного века». Сборники эмблем служили так же словарями, откуда черпали аллегории авторы живописных аллегорических полотен и натюрмортов.
Натюрморт изначально появляется как часть картины, ее фон, деталь, украшение интерьера. Окончательную самостоятельность он получил в 17 веке в живописи голландцев, фламандцев и нидерландцев. Особое место натюрморты занимали в живописи Нидерландов. Там в 17 веке создаются целые центры натюрмортов. Например:
картины «завтраки» были популярны в буржуазном городе Харлеме;
|
|
|
· аристократический Утрехт, славился цветоводством, поэтому там были распространены «Цветочные букеты»;
· для портового города были характерны «рыбные композиции;
· «ученые натюрморты» распространены в университетском городке Лейден.
Смысл натюрморта всегда был зашифрован с помощью предметов, извлеченных из привычного человеческого быта. Из них составлялись новый, глубоко символичный мир натюрморта. Натюрморт стал своеобразной «игрой со зрителем», которому предлагается разгадать символический смысл композиции. Натюрморт появился именно в 17 веке, потому что само время располагало к этому. Времена «галантного века» были раскованы, игривы, загадочны и таинственны. Загадка была во всем, даже в повседневности. Обычное общение кавалеров и дам предполагало разгадки всевозможных тайн, аллегорий и символов. Все вокруг люди стремились зашифровать в символы. Поэтому натюрморт – это дитя «галантного века».
Наиболее части в натюрморте появляются символы:
· розы, полевых цветов. Насекомых – говорящих о краткости человеческого существования;
· бабочки и стрекозы – спасение души4
· песочные часы, дымящаяся трубка, мыльные пузыри, карточные домики – быстротечность жизни;
· старые книги – ушедшее время;
· музыкальные инструменты – «звук их так прекрасен и мимолетен»;
· цветы. Колосья, фрукты, лимоны – символы времен года;
Композиции цветочных натюрморты были более сложные, они делились на следующие типы:
· радиальная композиция – где главный цветок тот, который был на скрещении стеблей;
· ковровая композиция – где иерархия цветов выстраивается сверху вниз;
· треугольная композиция – центром служит осевой цветок, а остальные группируются по обе стороны от него;
Отсюда, исходя из заданных композиций, и формируется и смысловые зоны цветочного натюрморта:
· низ – знаки бремени (сломанные или увядшие листья цветы лепестки, пустые раковины, гусеницы, мухи);
· середина – символы скромности и чистоты (ландыши, фиалки, незабудки, цикламены);
· верх – венец добродетели (крупный одиночный цветок);
В середине 17 века распространяются натюрморты с пресмыкающимися, земноводными и другими животными. Традиционно были символичны следующие:
· змеи, мыши, лягушки, ежи – дьявольские животные;
· гусеница, куколка, бабочка – человек живет на земле, умирает, дальнейшая жизнь;
· белка – труд;
· попугай – красноречие;
· обезьяна – человеческие пороки;
· кошка и мышь – темные силы, дьявол и человеческая душа;
· собака – охрана разума от темных сил.
Таким образом делая вывод из всего вышесказанного, можно увидеть, что натюрморт = это композиция, постоянно напоминающая обывателю о быстротечности жизни, бренности существования и смысле бытия.
|
|
|
Билет 9
Фреска. Её особенности.
Фреска – это вид монументальной живописи, основой которой, главным образом является стена. Фреска любит большие плоскости, широкие линии и предельно лаконичный язык. Фреске нужна темперная краска – это водяная краска, но ее связующим веществом является известь. Живописец пишет прямо на стене по еще не высохшей штукатурке. Отсюда и название: итальянское «fresco» - «свежий». Основной трудностью является необходимость быстро работать. Художник должен докончить начатое, пока штукатурка не высохла, то есть в этот же день. И если происходит ошибка, то живописец вынужден сбивать весь слой штукатурки на соответствующем участке, накладывать и расписывать ее заново. Ясно, что такая техника требует четкого видения всей композиции и уверенной руки.
Во фреске и грунт, и связующее вещество одно – известь. Такое единство препятствует осыпанию краски. Но зато известь подвержена сильной химической реакции, портящая некоторые краски. К тому же, живописец должен предусмотреть значительное высветление красок при высыхании извести.
Фреска известна уже в античности. Правда, античные мастера полировали до блеска горячим воском поверхность готовой фрески, что придавало ей сходство с энкаустикой. В средние века античная техника забывается, но вырабатывается новая. До 14 века очень популярной был фресковый прием «al secco» (ит. «по сухому», то есть по сухой штукатурке). Постепенно именно этот прием приводит к расцвету фрески в 15 веке, когда в школе Джотто создается смешанная техника, получившая название «buon fresco» (ит. «хорошая фреска»). Современники так описывали эту работу Джотто. Сначала наносился первый слой штукатурки, состоящий из двух частей песка и одной части извести, перемешанной с водой. На этом первом, довольно толстом слое по высыхании рисовали квадратную сетку, по которой наносили углем рисунок. Сверху всё это покрывали вторым слоем штукатурки – тонким и гладким, сквозь который просвечивал угольный рисунок. По нему и выполнялся окончательный вариант фрески. А вскоре, в 1400 году, был окончательно введен способ перенесения рисунка с большого картона выполненного в натуральную величину, путем протыкания контура и присыпки его толченым углем. Теперь фреску можно было заранее тщательно подготовить.
С 15 века фреску вытесняет станковая живопись, мене дорогостоящая, простая в исполнении. Фреска остаётся лишь предметом украшения интерьеров церквей и соборов. Особенно в России.
Билет 10
Керамика. Этапы изготовления керамического изделия.
Керамика - это изделие из глины, закрепленное обжигом. Керамика - очень древний вид искусства. Изображения людей и животных из глины появилось ещё в эпоху палеолита. Позднее их научились обжигать, а также изготавливать сосуды, рельефы и архитектурные детали.
Основные виды керамики обусловлены технологией её изготовления, составом массы: фарфор, фаянс, майолика, терракота и т.д.
В более узком смысле керамикой называют почти все изделия из простых грубых глин, в отличие от фарфора и фаянса, получаемых из тонких глин. Эта керамика обычно разделяется на два вида: майолику, которая имеет на лицевой поверхности цветную поливку из стекловидной, прозрачной глазури или непрозрачных эмалей, и терракоту, так называют «жжёную землю» красивого красно-коричневого цвета, не имеющую поливы. К терракоте относится и керамика, расписанная красящими составами, основу которых составляют цветные глины.
Изделия из глины - пластичны, а обжиг придаёт им твёрдость, водоустойчивость и огнестойкость. Это позволяет делать разнообразную посуду, скульптуру, панно, вазы, игрушки, украшения и др.
Керамика встречается и в архитектуре, где важную роль играют изделия из керамики: кирпич, черепица, изразцы (плитка). Из кусочков керамической плитки можно набрать мозаичные картины для наружной облицовки здания, украшения фонтанов, бассейнов, садово-парковой скульптуры, украшения интерьера и т.п.
Особенно популярна керамика в народном искусстве (Гжель, Скопин и др.)
В наши дни продолжает развиваться архитектурная и бытовая керамика, и многие художники создают уникальные авторские работы, продолжаются эксперименты с материалом в поисках новых средств выразительности.
Билет 11
|
|
|
