Изобразительное искусство ХХ века

В изобразительном искусстве – в живописи и скульптуре - проявились все те главные тенденции, которые характерны для художественной культуры в целом. Ярко и активно заявляют о себе новые стили и направления, объединяемые такими понятиями как модернизм и авангардизм. Однако они не вытесняют полностью традиции классического искусства, которые господствовали в эпоху Нового времени. В художественном пространстве одновременно сосуществуют и переплетаются различные художественные течения.

В начале века традиции прошлого проявились в развитии таких художественных течений как национальная романтика и неоклассика. Для стиля национальной романтики свойственно обращение к героическим и лирическим образам национального эпоса и народных сказок (например, работы литовца М.К.Чюрлениса). Неоклассике присуще стремление к идеальности и обращение к античным сюжетам (М.Дени, Ф.Штук). Наряду с живописью, отмеченные течения воплотились и в скульптуре (А.Майоль и А.Бурдель). Р еалистические традиции XIX векапродолжал «ж ивописный» реализм. Среди его представителей - венгерская школа Надьбаньи, американские художники Дж.У. Беллоуз, Дж. Сарджент и др. В рамках этого стиля прослеживается новая концепция портретного творчества: образ человека раскрывается художниками через одну, ключевую, черту характера портретируемого, которая подчеркивается позой или манерой изображения. Другим реалистическим течением стал так называемый социальный реализм. Главным героем произведений становится народ. При этом основополагающие ценности – Свобода и Труд – воспеваются через аллегорические и символические композиции. В этом ключе написаны сцены труда француза М.Люса, норвежца Э.Мунка, бытовые композиции Р.Г. Штерля в Германии. В начале ХХ века актуальной была революционная тема. Художники запечатлевают на полотнах забастовки, уличные бои, крестьянские бунты, расправы с восставшим народом.

Наряду с развитием старых традиций, для начала ХХ века характерен экспериментальный поиск новых форм художественного отражения действительности, который начался еще во второй половине XIX века. Новые течения и стили рубежа веков принято объединять понятием модернизм. К ранним формам модернизма примыкали импрессионизм, постимпрессионизм, символизм,примитивизм, стиль «модерн». Однако в начале ХХ века многим художникам казалось, что даже модернистские поиски не отражают в полной мере особенностей переживаемой эпохи. Появились течения, в которых в более радикальной форме отрицались каноны традиционного искусства. Эти радикальные, и отличные друг от друга, течения принято объединять понятием авангардизм, авангардное искусство. Среди них: фовизм, экспрессионизм, кубизм, абстракционизм, футуризм, конструктивизм, иррационализм, дадаизм, метафизическая живопись, сюрреализм.

Первая волна этих течений в живописи началась в 1905 году. Во Франции образовалась группа живописцев, получивших наименование фовистов («диких»). Главным представителем фовизма стал А. Матисс. Суть фовизма выразилась в принципе – «творчество без правил». Красочный слой наносился на холст, словно бы произвольно, либо закрашенным одним цветом крупным пятном, либо хаотичными разноцветными густыми мазками. При этом в общем колорите картины могли быть вопиющие тона, взятые художником, что называется, «в лоб». В Германии, в Дрездене, возникло общество «Мост» (Э. Хеккель Э.Л. Кирхнер и др.), за членами которого закрепилось название экспрессионистов. В творчестве живописцев группы «Мост» (1905 - 1913) драматизм чувств выражен в многоцветной пейзажной живописи, более плоской и графичной манере письма резкими суровыми красками, угловатыми ломаными линиями, контрастами черных и белых пятен.

Основоположником кубизма (от cube - куб) выступил испанец П.Пикассо. В первой фазе кубизма – так называемой «сезанновской» (1907-1909 гг.), Пикассо подвергает геометризированной деформации тела изображаемых моделей («Авиньонские девицы», «Три женщины»). Вторая фаза развития кубизма получает название «аналитической» (1910–1912). В ней картина превращается в дробный узор мелких геометрических элементов, сквозь который проглядывает изобразительный мотив - например, лицо человека. Для третьей фазы кубизма – «синтетической» (1913-1914) характерны живописные композиции, образованные плоскими фрагментами каких-либо предметов. Фактически эта было изобретение техники коллажа. В этой манере творят А.Дерен, Р.Дюфи, Ж.Брак, Х.Грис, Р.Делоне.

В русле подобных художественных исканий находился абстракционизм. Он сводил творчество художника к созданию беспредметных пластических, цветовых, ритмических композиций. Абстракционизм понимался как конечная, высшая форма искусства, «очистившего» себя от изобразительности. Считается, что первую абстрактную композицию исполнил в 1910 году один из основателей мюнхенского объединения «Синий всадник», русский художник В.В. Кандинский. До конечной точки рационально-геометрические идеи абстракционизма довёл К.Малевич в картине «Черный квадрат».

Футуризм возник как умонастроение художников, мечтавших о невиданном искусстве будущего. В 1909 году в газете «Фигаро» было опубликован «Манифест футуризма» поэтa Ф.Маринетти. Художники-футуристы отвергали традиционную культуру во всех ее проявлениях и воспевали наступающую эпоху техники, высоких скоростей и новизны жизни. Для их живописи характерны композиции с раздробленными на фрагменты фигурами и пересекающими их острыми углами. Один из основных принципов футуристической картины - симультапность (одновременность), то есть объединение в одной композиции разных моментов движения. Это направление проявилось в творчестве итальянских художников у Дж.Балла, К.Кара и Дж.Северини, в скульптуре у У.Боччони.

Иррационализм наиболее рельефно выразился в дадаизме (от фр.dada - деревянная лошадка).Художники этого направления, существовавшего с 1916 по 1922 гг., воспринимали мир как сплошное безумие, и соответствующим образом откликались на него. Лидер этого направления француз М.Дюшан (с 1915 года работал в США) первым выдвинул программу «антиискусства». В соответствии с ней создание собственно художественных произведений заменялось экспонированием случайно выбранных предметов, так называемых ready made (от англ. ready-made - готовый предмет). Например, это могло быть колесо велосипеда на подставке или даже перевернутый писсуар. В русле иррационализма в Италии формируется так называемая метафизическая живопись. Метафизическая живопись представляет мир, который состоит из загадочного сочетания реальных предметов, фигур, архитектурных фрагментов и ирреальных объектов. Потусторонний смысл этих сочетаний для человека остается тайной. Символом этой живописи становятся изображения манекенов в картинах главы движения Дж.Кирико.

Сюрреализм наиболее ярко воплотился в творчестве бельгийца Р. Магрита и испанца С.Дали. Художники этого направления воспринимали современный мир как комплекс алогизмов, парадоксов и социального безумия. Борьба темных сил личности и социума представлялась художникам в фантасмагорическом обличии. Сам С.Дали назвал свой творческий метод «критически-параноическим».

Модернистские и авангардистские поиски ориентировались на элитарные слои общества. Они вступали в противоречие с массовым эстетическим вкусом, который отвергал подобные формалистические творения. Поэтому некоторые художники в рамках новых форм стали частично возвращаться к традиционному искусству. Отправной точкой в переоценке ценностей явилась первая мировая война. Она показала истинную ценность человеческой жизни, личности и культуры, созданной и хранимой человечеством. Появились произведения, в которых художники отразили мировую войну как величайшее бедствие. Наполненные антивоенным пафосом, они несли в себе также глубочайший гуманистический смысл.

В конце 1920-х – начале 1930-х гг. создаются творческие организации, объединившие художников по идейным убеждениям. В Германии это был «Союз революционных художников», а во Франции - Ассоциация революционных писателей и художников. Многие художники концентрируются вокруг левой партийной прессы. Своим лозунгом они провозгласили защиту культуры и гуманизма, борьбу против шовинизма и войны. В этот же период в европейских странах происходит возрождение реализма. Начало этому процессу положили П.Пикассо и А.Дерен. Вслед за ними на этот путь встает значительное число художников «парижской школы». Французскими живописцами было сделано программное заявление, сформулированное писателем и художником Ж. Кокто. В нем звучал призыв осуществить «возврат к порядку». Под этим лозунгом большое число художников обращаются к реалистическому изображению жизни. В Германии – это Г.Гросс и О.Дикс, в Италии - К.Карра, Дж. Де Кирико.

Вторая мировая войнаи ее итогисущественно повлиялина процесс дальнейшегоразвития западноевропейского искусства. Во второй половине ХХ века заметно возросло стремление художников творить в реалистической манере, поднимать социально значимые проблемы и решать их в духе гуманизма. Наиболее ярко реалистические мотивы воплотились в неореализме, который появился в итальянской живописи и графике сер. 1940- 50-х. Он получил название по одноименному направлению в итальянском кино, литературе и театре. Художники - неореалисты (Р.Гуттузо и др.) стремились к правдивому отображению жизни во всей остроте ее противоречий.

Модернизм и авангардизм в послевоенный период претерпели существенные изменения в своем общественном положении. Если раньше художники этих направлений выражали главным образом свои бунтарские настроения, критику существующего буржуазного мира, то после второй мировой войны многие из них органически «вписались» в буржуазную культуру и быт и превратились в официально признанное искусство с высокой рыночной стоимостью работ.

С началом второй мировой войны в США эмигрировали многие звёзды европейского авангарда, например, П.Мондриан, М.Эрнст, А. Бретон, С.Дали. Там родились новые направления авангардизма.Одним из таких направлений стал а бстрактный экспрессионизм (нью-йоркская школа). Наиболее полно его метод выражен в творчестве Джексона Поллока. Художник отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику называли дриппинг, что в переводе с английского значит «капающий». Дриппинг стал одним из методов «живописи действия» (или «живописи жеста»). Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма - крупный масштаб работ (некоторые холсты более 5 метров в длину), необычная форма полотен (например, превращение картин в многоугольники, покрытыми цветными полосами).

В Европе черты абстрактного экспрессионизма проявились в форме «ташизма» преимущественно во Франции. Термин ташизм (от франц. tache – «пятно») был введён в оборот в 1954 году одним из художественных критиков. Сами художники - представители этого движения называли его «лирическая абстракция». Время расцвета ташизма - 1950 - 1955. Главным его идеологом был критик Ш. Эстьен. Темпераментная живопись ташистов - это резкие мазки и брызги ярких красок, зачастую на сером сумеречном фоне. Красочные разводы на полотнах напоминают текст чужого алфавита, который непонятен, но всё же хранит некую информацию. Эта черта ташизма предвосхитила будущее появление концептуального искусства.

В 60-х годах, как один из вариантов абстракционизма развивается оп-арт (от англ. optical art – «оптическое искусство»). Живопись оп-арта — композиции из однородных по форме разноцветных линий и пятен, располагаемых в определённом порядке. Обыгрывая цветовые контрасты, соседство выпуклых и вогнутых форм, сплетая замысловатый узор на основе различимых невооружённым взглядом штрихов и точек, оп-художник создаёт изображение на холсте подвижным прожектором, линзами, зеркалами. В результате зритель оказывается погружённым в иллюзорную красочную среду. Первая выставка художников этого направления прошла в Загребе в 1961 г. Декоративная живопись оптического искусства вызвала интерес к нему в художественной промышленности, дизайне, высокой моде. Новации оп-арта применяются и в современной архитектуре.

Если в 50-х гг. абстрактное искусство стало привилегированным направлением, стремящимся к абсолютному господству в художественной жизни, то к 70-м гг. оно теряет свои позиции и вытесняется различными направлениями, которые обращают внимание на предмет и изображение.

Своеобразной реакцией на засилье отвлеченных течений, с их полным отрывом от реальности, стало возникновение поп-арта (от англ. popular art - популярное, общедоступное искусство). Значение этого термина также можно раскрыть как искусство, производящее шокирующий эффект (от англ. pop - отрывистый удар, хлопок, шлепок). Основными истоками поп-арта стали комиксы с их серийностью, упрощённым рисунком, а также броская коммерческая реклама. В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой предмет: мусорное ведро, недоеденный бутерброд, чучело курицы. Самым известным произведением и, своего рода визитной карточкой этого направления, стала консервная банка с томатным супом американца Энди Уорхолла. Так, Уорхолл «тиражировал» изображение бутылки кока-колы, лицо киноактрисы Мэрилин Монро на огромных щитах: изображение повторялось несчётное количество раз.

Подобно поп-арту, «новый реализм» - это обращение к миру конкретных предметов, в противовес абстрактному искусству. Объединение «Новые реалисты» было основано в 1960 г. в Париже критиком Пьером Рестани. Парижским художникам была чужда «серийность» произведений поп-арта. Они отстаивали неповторимость и художественную выразительность привычных вещей, представляя их в полном отрыве от их назначения, естественной среды, а то и в деформированном виде. Таковы ассамбляжи (композиции из случайно собранных предметов) Армана Фернандеса; коллажи из разорванных афиш Жана де Вьегле; автомобили Сезарада, сплющенные прессом в компактные блоки. В начале 60-х они овладели вниманием публики, но после 1963 г. активность группы пошла на убыль, и в 70-х она распалась.

Характерным проявлением изобразительного искусства ХХ в., «века скоростей», стало кинетическое искусство (от греч.«кинетикос» «приводящий в движение»). Оно возникло в 20-х гг. в прямой связи с творчеством футуристов и конструктивистов. «Отцами» кинетизма обычно считают Шума Габо и Ласло Мохой-Надя. В 30-х гг. американский скульптор Александр Колдер ввёл в обиход мобили - лёгкие подвесные конструкции, приходящие в движение при малейшем колебании воздуха. Начиная с 1953 г., создавались кинетические композиции с элементами хепенинга, которые меняют форму и саморазрушаются на глазах у публики. Ставились «люминодинамические спектакли».

К 1970-м гг. наблюдается разочарование многих художников в идеалах и ценностях модернизма и авангардизма, которые уводят художника к элитарному искусству, далекому от окружающего мира. Возникают художественные стили на основе философии постмодернизма. В рамках постмодернизма художники обращаются к традиционным художественным формам и культуре прошлого, порой эклектически соединяя их с новыми веяниями. Возникли такие разновидности постмодернизма как гиперреализм, концептуализм, хэппенинг, флюксус, перформанс, боди-арт и видеоарт.

В начале 70-х в Западной Европе и США повышенное внимание стало уделяться «предметности» изображения. На первый план выдвинулось направление гиперреализма (во многом на основе поп-арта). Представители гиперреализма (Чак Кроуз, Дон Эдди в США и др.) применяют в основном технические приемы, сводящие до минимума следы личного почерка художника. Гиперреалисты писали акриловыми красками, благодаря которым поверхность картин приобретала глянец фотоснимка. Работая над композициями, они откровенно пользовались диапроекциями на холсты. Написанные краской картины выглядят точь-в-точь как фотографии большого формата, поэтому вначале, возникшее в США на рубеже 60-70-х, течение называлось фотореализмом.

Концептуализм (от лат. conceptus – «мысль», «представление») возник в середине 60-х одновременно в Англии и США и очень скоро сделался ведущим направлением современного искусства. Концептуализм - искусство интеллектуальное, во многом ироничное. По представлениям концептуалистов, от художника не требуется вечных творений, главное - передать ощущение настоящего времени. Концептуальным объектом может стать пляж, улица, инженерное сооружение, известный памятник. Произведение рождается в тот момент, когда идея автора соединяется с мыслями зрителя по этому поводу. Акцент переносится с произведения на его восприятие. При этом изменяются отношения художника и зрителя, они превращаются в соавторов - конечно, в том случае, если зритель примет «условия игры». К тому же это был своего рода протест против коммерциализации искусства, ведь его произведение невозможно, да и не имеет смысла, покупать или продавать. Одним из ведущих художников этого направления стал Джозеф Кошут. В рамках концептуализма зародился хэппенинг (англ. happenning – «происходящее»). Это абсурдное действие, разыгрываемое художниками на публике без определённого сценария. Исход такой акции должно решить участие вовлекаемых в неё случайных прохожих. Примером может служить ситуация, когда человек бьет по струнам рояля живой курицей; студенты облизывают капот автомобиля; девица лежит в ванне с фруктовым соком и т.п. Основные признаки хэппенинга присутствовали уже в представлении Д.Кейджа (1952), полноценную форму он приобрел к 1959 г. у А.Капроу в Нью-Йорке. В 60-х хэппенингом занимались Д.Дайн, Р.Лихтенштейн, Р.Раушенберг в США, И.Кляйн во Франции, И.Бойс в Германии. Сходная практика создания парадоксальных ситуаций в Европе получила название флюксус (лат. fluxus – «поток»).

В 70-х в культуре концептуализма хэппенинг преобразился в перформанс (англ. performance – «выступление», «представление»). В отличие от стихийных импровизаций шестидесятников, «живые картины» перформанса режиссировались и приобретали символический подтекст. Художественная практика, в которой материалом служит тело человека, получила название боди-арт (англ. body art – «искусство тела»). У истоков боди-арта стоял Ив Кляйн, выставлявший в 50-х свои «антропы» - холсты с отпечатками тел раскрашенных им натурщиков. Особую популярность боди-арт приобрёл в перформансах 70-х. Мастера боди-арта демонстрировали зрителям различные возможности тела - дыхание, рост волос, его реакцию на температуру, механические воздействия и т.п. Начиная с 60-х, Нам Чжун Пак и другие художники стали пионерами так называемого видео-арта. Это практика манипуляций с изображением на экране путём создания искусственных помех.

Заканчивая обзор художественных течений изобразительного искусства ХХ века, следует подчеркнуть, что художественный процесс этой эпохи окончательно не осмыслен, а разнообразие направлений - характерная черта искусства ХХ века.

 

Классическая музыка

 

Музыкальное искусство в ХХ веке характеризовалось огромным динамизмом, постоянным поиском новых форм, новых музыкальных ритмов, новой стилистики языка и звучания. При этом были переосмыслены такие основы музыкального искусства как мелодия, лад, тональность, жанр. В творчестве композиторов прослеживались как взаимосвязь всех времен и народов, обращение к народной, фольклорной музыке, так и совершенно новые тенденции, отражающие потребности духа в условиях драматических коллизий начавшегося века. Для музыкального искусства был присущ полистилизм. Неоромантизм и веризм оказались наиболее близкими к классической музыке. Наряду с ней, музыкальному искусству были присущи модернистские поиски. Символизм и импрессионизм, модерн и музыкальный фольклоризм составили ранние формы модернизма. Экспрессионизм и конструктивизм, футуризм и неоклассицизм находились в поиске нового музыкального языка в рамках авангардизма. Последние десятилетия века отмечены влиянием постмодернизма.

Довоенный период. На рубеже веков в мире музыки господствовал поздний романтизм. Ему было свойственно обращение к музыке барокко, к крупным музыкальным формам. Симфонии, симфонические поэмы, симфонические сюиты, увертюры, а также концерты наиболее полно передавали героический пафос, свойственный романтизму. Широкое развитие получают также вокально-инструментальные произведения (вокальные симфонии, кантаты, оратории). Отмеченные особенности в полной мере проявились в творчестве выдающегося австрийского композитора и дирижера Густава Малера (1860-1911). Музыка Малера имела яркий индивидуальный характер. В ней отражаются мелодии старых народных песен и танцев, городской фольклор и звуки живой природы. Малер написал 10 симфоний. Их отличает глубокое философское содержание, они несут в себе предчувствие мировых катастроф. В тоже время эти произведения устремлены к высокому нравственному и гуманистическому идеалу. Это монументальные полотна с огромным исполнительским составом. Знаменита его восьмая симфония - «Симфония тысячи участников», в которой звучит текст католического гимна «Гряди, Дух святой» и финальная сцена из «Фауста» Гете. Симфоническая форма у него органично переплетается с текстом и вокальным началом. Так, в вокально-симфоническом произведении «Песнь о земле» композитор использовал тексты старинных китайских поэтов VIII в. Малер – романтик, но одновременно и экспрессионист, опередивший свою эпоху.

В музыкальном искусстве Италии на рубеже веков значительное развитие получил веризм. Важнейшими его представителями были Д.Пуччини (1858-1924), Р.Леонкавалло (1858-1919) и П.Масканьи (1863-1945). Творчество Д.Пуччини стало вершиной оперного искусства Италии. Всемирно известны его оперы «Богема», «Тоска», «Мадам Баттерфляй», «Принцесса Турандот». Веризм обращался к сюжетам из деревенской жизни, к образам простых людей («Сельская честь» П.Масканьи, «Паяцы», Р.Леонкавалло). Эти оперы были просты и доступны зрителям, их мелодии носили популярный характер. Реализм в них соединялся с элементами натурализма и экспрессионизма, а глубина психологического анализа подменялась мелодраматизмом. Они послужили прообразом для мюзиклов и оперетт.

Модернизм. Одной из ранних форм модернизма был импрессионизм, музыка которого наполнена прекрасным, утонченным, чувственным началом. В ней звучат образы природы, отражаются тонкие человеческие чувства. Импрессионизм был представлен творчеством Клода Дебюсси (1862-1918, Франция). Для его произведений характерна яркая самобытность, поэтичность, образность, преобладание светлых, мягких звучаний, богатство красок. Наиболее известные произведения Дебюсси – балеты «Игры», «Ящик с игрушками», мистерия «Страсти святого Себастьяна», прелюдия «Послеполуденный отдых фавна», многочисленные ноктюрны. Мировым шедевром стала опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902) по пьесе М.Метерлинка.

Морис Равель (1875-1937) – французский композитор, писал в стиле модерна, хотя ему был близок и импрессионизм. Для модерна характерна предельная четкость и «ассиметричность» мелодии, прихотливость музыкальной формы и декоративность звучания. Музыка Равеля, родившегося в шведско-испанской семье, тесно связана с народным творчеством, особенно испанским. Широко известны его оркестровые пьесы «Испанская рапсодия», «Болеро», балет «Дафнис и Хлоя», пьеса «Игра воды», второй фортепианный концерт для левой руки, написанный в духе конструктивизма, с присущим ему четким графическим рисунком. Он предназначался для австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, потерявшего правую руку на фронте.

Символизм оказал определенное влияние на творчество многих композиторов. Одним из них является основатель национальной финской школы композиции Ян Сибелиус (1865-1957), написавший симфонию «Куллерво», поэму «Финляндия», скрипичную пьесу «Грустный вальс».

Музыкальный фолклоризм отмечен четким акцентированием ритма. Мелодия и гармония либо повторяет народные лады, либо имитирует их с помощью полигармонии, политональности и полиладовости ( то есть наложения друг на друга созвучий, разных тональностей, или их аккордов, которые звучат одновременно). В этом стиле работали венгерский композитор, ученый-фольклорист Бела Барток (1881-1945), который записал более 30 тыс. образцов народного творчества в Венгрии, Румынии, Турции и Северной Африке, и его соотечественник Золтан Кодай (1882-1967).

Авангардизм. Новыетенденции в музыке нередко соединялись с традиционной музыкальной культурой. Свыше 300 песен, около 30 мюзиклов и ревю для театров Бродвея, две оперы, фортепианные пьесы написал классик американской музыки Джордж Гершвин (1898-1937). В его творчестве сочетается импрессионизм, экспрессионизм и веризм. Гершвин изучал негритянские песнопения (спиричуэлс), блюз, джазовые стили и городские песни. Он – родоначальник симфоджаза, синтеза инструментальной музыки и джаза. Широкую известность получила «фолк-опера» «Порги и Бесс» (1935).

Заметное влияние на развитие мировой музыки оказал Рихард Штраус (1864-1949) – немецкий композитор и дирижер. Он автор 15 опер, симфоний, сонат, фантазий, свыше 150 песен. Самое известное сочинение Штрауса - симфоническая поэма «Так говорил Заратустра». Штраус был близок к экспрессионизму, а в отдельных моментах предвосхитил Шенберга.

Арнольд Шенберг (1874-1951) – американский композитор австрийского происхождения, теоретик музыки, дирижер и художник являлся ярким представителем экспрессионизма. Он разработал идеи атональности (пантональности, всетональности)и додекафонии. Шенберг заменил гармоничную музыку атональной, диссонансной. В додекафонии (от греч. dodeka - двенадцать и phone - звук) тональность, как нечто устойчивое и динамичное, вообще исчезает. Мелодия строится из серии определенной последовательности 12 звуков различной высоты. Так появились «Пять оркестровых пьес» (1909), одноактная монодрама «Ожидание» (1910), вокальный цикл «Лунный Пьеро» (1912). В последнем творении Шенберг показывает переживания героя через особую манеру «речевого» пения, с присущей ей декламацией, шепотом, криком, визгом и стоном. Известны также его оперы «Ожидание», «Счастливая рука», «Моисей и Аарон».

Творческие устремления Шенберга продолжили А.Берг (1885-1935) и А.Веберн (1883-1945). А.Берг додекафонию и атональность сочетал с классическими музыкальными формами (фуга, сюита, рондо, соната). А.Веберн явился родоначальником музыкального пуантилизма (буквально - рисовать точками). При этом методе композиции музыкальные звуки разделяются паузами. В послевоенный период музыка Шенберга, Берга и Веберна была признана классикой музыкальной культуры, а их последователей (Х.Эйслера, В.Ульмана, Р.Герхарда и др.) стали относить к «новой венской школе».

В русле авангардных поисков находился футуризм (от итал.futuro – будущее). Теоретиком нового направления выступил итальянский композитор Ферруччио Бузони (1866-1924). В своем трактате «Эскиз новой эстетики искусства звука» (1907) он выступил с критикой традиционного музыкального искусства и потребовал полной свободы творчества. Футуристы значительно расширили диапазон звучания, используя различного рода шумовые эффекты. Так на музыкальном языке они выражали особенность современной цивилизации, которая вовлекала человека в ритмы и шумы урбанистической культуры. Футуристы создали шумовые инструменты и попытались записать их звучание. Их опыт нашел воплощение в электронной музыке.

Духовным лидером «неоклассицизма» выступил французский писатель, режиссер и художник Жан Кокто. В своем манифесте «Петух и Арлекин» (1918) Кокто призвал очистить музыку от «приятностей» дебюссизма и создать здоровое и ясное «искусство для улиц». Вокруг него сплотилась «группа шести»: Ф.Пуленк (1899-1963), А.Онеггер (1892-1955), Д.Мийо (1892-1974), Ж.Орик (1899-1983), Л.Дюре (1888-1979) и Ж.Тайфер (1892-1983). С композиторами сотрудничали многие выдающиеся деятели культуры: художники Ф.Леже, П.Пикассо, А.Матисс, А.Модильяни, кинорежиссер Рене Клер, театральный деятель С.Дягилев. Специально для его труппы были написаны балеты «Матросы», «Пастораль», «Воображаемые», «Лани».

Композиторы создавали оригинальные сочинения - от натурализма и сюрреализма до конструктивизма и реализма. Многообразны были и музыкальные формы: симфонии, оперы, оратории, кантаты, вокальные произведения, джазовая музыка и музыка для звукового кино. Д.Мийо написал более 450 произведений, в том числе, 17 опер, 12 балетов, 12 симфоний, 26 ораторий и кантат. Его музыка, вобравшая в себя традицию музыкальной культуры Латинской Америки, отличалась редким богатством звуковой палитры. Он первым из европейских композиторов применил элементы джазовой музыки в сочинениях крупного плана.

Трагедия человечества, пережившего ужасы 2-й мировой войны, нашла отражение во многих музыкальных произведениях. В концлагере звучал «Квартет на конец времени» (1941) французского композитора О.Мессиана, сочиненного им в плену. Трагическим событиям войны и послевоенного времени посвящены пьесы «Уцелевший из Варшавы» (1947) А.Шенберга, «Плач памяти жертв Хиросимы» (1960) К.Пендерецкого (род. 1933).

***

В послевоенные годы композиторы вновь обратились к музыке «новой венской школы», поскольку она глубоко передавала болевые точки современной эпохи, обогатив ее традиции алеаторикой (от лат. alea – «игра в кости», случайность). Этот метод открывает возможность использования исполнителем элементов случайности, импровизации в музыкальной композиции, по сути, разрушая целостность музыкальной формы. Ее можно рассматривать как одну из граней авангардистского и постмодернистского искусства. Типичным примером музыкальной алеаторики стала композиция «Музыка перемен» (1951) американца Джона Кейджа (1912-1992). Она представляет собой медитативную музыкальную композицию, в основе которой лежит китайская книга «И-Цзин» («Книга перемен»). Кейдж также был известен своими необычными экспериментами с «препарированным фортепиано». Вставляя между струн гвозди, металлические пластинки, бумагу и другие материалы, он добивался изменения тембра его звучания.

Авангардизм и постмодернизм вобрал в себя разноликий опыт предшествующих эпох и новейшие тенденции ХХ века. Значительную роль в музыкальной культуре сыграли Бенджамин Бриттен (1913-1976, Великобритания), Пауль Хиндемит (1895-1963, Германия), Оливье Мессиан (1908-1992), Андре Жоливе (1905-1974, Франция). Бриттен органично сочетал классическую национальную музыку и современные новации (оперы «Питер Граймс», 1945; «Глориана», 1953, написана к коронации королевы Елизаветы П; «Сон в летнюю ночь», 1960; «Военный реквием»,1961). В 1953 г. Бриттен был произведен в почетные рыцари. Стал первым в истории музыкантом и композитором, который получил звание пэра. Хиндемит был ведущим представителем немецкого неоклассицизма и конструктивизма в 20-е гг. (сюита «1922 год», опера «Новости дня»). В зрелые годы он выступал приверженцем тонального принципа в музыке, а в творчестве тяготел к эстетическим принципам барокко. Широкую известность приобрела его симфония и оперы «Художник Матисс» (1937), «Гармония мира», 1957. Масштаб Мессиана позволял ему философски осмысливать связь времен. Поражают необычностью и новизной музыкального языка его произведения: симфония «Турангалила»; оратория «Преображение Господа нашего», 1965-1969; опера «Св. Франциск Ассизский», 1983. В «Турангалиле» (производное с санскрита: «песня о любви, гимн радости, времени, движению, ритму, жизни и смерти»), премьера которой состоялась в 1949 г., используется пение птиц. Музыкальная ткань его произведений малых форм также нередко воспроизводит записанные им сотни птичьих голосов, поскольку музыкант был известным орнитологом. Жоливе в музыкальных ритмах использовал фольклорные мотивы Африки, Восточной Азии и Полинезии. Использование этнической музыки и фольклора стало отличительной чертой новаторских исканий композиторов второй половины ХХ века.

Наряду с этим, появилась электронная музыка, созданная с помощью электронно-акустической, звукозаписывающей и звуковоспроизводящей аппаратуры (электронных синтезаторов, магнитофонов). Эти новации отразились в творчестве видного американского композитора Эрнста Кшенека (1900-1991), который работал с электронной музыкой, создавая ее при помощи электронных, в том числе, компьютерных синтезаторов. Кшенек оставил большое наследие, среди которого 6 опер, 3 балета, 7 симфоний, 7 квартетов.

Во второй половине ХХ в. поиски новых подходов вызвали к жизни минимализм (Янг), спектральную музыку (Файнберг), музыкальный сериализм (П.Булез, К.Штокхаузен). В то же время значительное изменение претерпели музыкальные жанры. Так, в традиционной форме оперного искусства сознательно смешивают законы различных стилей и жанров: средневековой драмы и классической оперы, монтажные приемы кинематографа и диалоговые формы. Нередко музыкальное произведение строится по принципу «коллажа». «Симфония для восьми голосов и оркестра» (1968) итальянского композитора Лючано Берио нанизывает на музыкальную ткань «цитаты» из произведений Г.Малера, в духе аллюзий (фр. allusion, намек), творения композиторов различных времен и народов.

Музыка ХХ в. отразила не только глобальные проблемы современной цивилизации, но и тончайшие переживания души отдельного человека. Она не имеет себе равных в истории музыки по степени динамизма, масштабу реформаторских поисков, глубине философского осознания важнейших основ бытия. Вопреки всем испытаниям, выпавшим на долю человечества, музыка по-прежнему несет в себе огромный гуманистический пафос.

 

⇐ Предыдущая1234Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: