Драматургия и театр просвещения

Прямую дорогу от реализма просветителей к реализму XIX в. проложили драматурги. Главной задачей искусства деятели Просвещения считали перевоспитание людей; проповедь со сцены казалась им эффективной и удобной формой убеждения. Только Вольтером написано 54 драматических произведения. Но каноны классицизма, которых придерживались писатели раннего Просвещения, сковывали развитие драматургии, ограничивали круг тем и героев.

XVIII в. дал мировой культуре таких замечательных художников и теоретиков искусства театра, как Шеридан — в Англии, Волыпер, Дидро, Бомарше — во Франции, Лессинг, Гете, Шиллер — в Германии, Гольдони — в Италии. Господство разума привело к тому, что искусство просветителей страдало рассудочностью, рациональный анализ жизни требовал упорядоченных форм. Однако просветители, видевшие идеал человека в гармоничной личности, не могли пренебречь требованиями чувства, когда речь шла об искусстве. Театр эпохи Просвещения замечательно выразил и содержанием, и методом новый взгляд на мир, который был адекватен эпохе.

В качестве прямого последователя Дидро выступал крупнейший драматург Франции пьер огюс тен бомарше (1732-1799). Его необычайно популярные веселые комедии «Безумный день, или Женитьба Фигаро» и «Севильскии цирюльник» несли заряд сатиры разрушительной силы. Фигаро выступал представителем оппозиции всего третьего сословия. Он сменил столько профессий, что его роль цирюльника была временным обличьем. Неприятие старых порядков основано на богатом, несмотря на молодость, жизненном опыте. Он активнее, энергичнее своего господина, но он — слуга. Фигаро стал символом простолюдина, который не просит, а берет свое в борьбе. Это не отвлеченное понятие буржуазной добродетели, а человек во плоти и крови на сценических подмостках.

В том же направлении, в русле Просвещения, происходит реформа итальянского театра, где до сих пор господствовала старинная комедия масок. Созданный знаменитым карло Гольдони (1707-1793) тип комедии нравов оказался уникальным и нашел общеевропейское признание. Гольдони перевел комедию с диалекта на литературный язык, его пьесы изменили технику актеров. Гольдони недаром считают создателем национальной итальянской комедии —им создано 267 пьес. В пьесах Гольдони показаны картины городского быта, жизнь различных сословий. В них явно прослеживается пропаганда сословного равенства. Герои пьес «Трактирщица», «Слуга двух господ» и др. социально конкретны, они полны сознанием своих прав и умением отстоять их.

Дворянство, цепляющееся за свои привилегии, оказалось объектом насмешки и у английского драматурга ричарда бринсли шеридана (1751-1816). Его «Школа злословия», «Дуэнья» обличают лицемерие английского общества. В его творчестве завершился переход от комедии положений к комедии характеров.

Лучшие произведения театра XVIII в. — не только достояние прошлого, они принадлежат и нам. Пьесы Шиллера, Шеридана, Бомарше, Гольдони прочно вошли в репертуар мирового театра.

ИСКУССТВО XVIII.

Художественное искусство XVIII в. кажется странно не соответствующим идеологии Просвещения. Развитие философских идей шло по пути революционного пересмотра основных ценностей, а искусство XVIII в. было мирным, уютным, гедонистическим. Кажется, Просвещение шло своим путем, а искусство — своим. Но искусство нельзя рассматривать как прямую иллюстрацию господствующих в обществе идей. У искусства свои способы взаимодействия с новыми формами мировоззрения.

Тем не менее и скусство тоже включилось в общие мечтания о естественном состоянии человека в естественной среде. В противовес господству застывших классических форм оно искало живые формы. В живописи видно стремление к непринужденности. На смену величественным музыкальным произведениям, рассчитанным на слушание в церкви, пришло камерное музицирование, живые интонации и мелодии. Развивалось садово-парковое искусство естественных английских парков. Архитектура XVIII в. более чем когда-либо сосредоточилась на соединении с природной ландшафтной средой и в загородных дворцовых ансамблях. На сцене произошел постепенный переход от условностей и патетики классицистического театра к естественной игре актеров.

Кроме общепринятых в Европе стилей — барокко и классицизма, — в XVIII веке появились новые: рококо, сентиментализм, предромантизм. В отличие от предыдущих веков нет единого стиля эпохи, единства художественного языка. Искусство XVIII в. стало своего рода энциклопедией разнообразных стилевых форм, которыми широко пользовались художники, архитекторы, музыканты этой эпохи.

Во Франции художественная культура была тесно связана с придворной средой. Не случайно стилистические этапы французского искусства связывают с именами королей — стиль регентства, стиль Людовика XIV (1643-1715), стиль «Помпадур». Во Франции ярче и последовательнее, чем где-либо, развился стиль рококо — от французского слова «рокайль» — раковина, прихотливость и причудливость форм которой и дала название стилю. Некоторые искусствоведы считают его разновидностью барокко, отказавшейся от монументальности. Для других рококо — самостоятельный стиль, явившийся порождением барокко, но изменивший унаследованные черты. В любом случае рококо — стилевая система исключительно светской культуры, оставившая свой след в искусстве.

Рококо зародилось в среде французской аристократии. Слова Людовика XV (1715-1754) «После нас — хоть потоп» можно считать характеристикой настроения, царившего в придворных кругах. Строгий этикет сменился легкомысленной атмосферой, жаждой наслаждения и веселья. Аристократия спешила развлекаться до наступления потопа в атмосфере галантных празднеств, душой которых была мадам Помпадур. Придворная среда отчасти сама формировала стиль рококо с его капризными, прихотливыми формами.

Рокайльная живопись и скульптура сохраняла тесную связь с архитектурным оформлением интерьера и потому имела декоративный характер. Это интимное искусство, рассчитанное на украшение досуга частного человека, избегало обращения к драматическим сюжетам, носило откровенно гедонистический характер. Плоскость стены разбивалась зеркалами и декоративным панно в асимметричном причудливом обрамлении, состоящем из завитков — ни одной прямой линии, ни одного прямого угла. Искусство рококо строилось на асимметрии.

Каждую вещь рококо наряжает, покрывает гирляндами завитков, инкрустациями, узорами. Стены особняков знати и богатой буржуазии, выстроенных в классицистическом духе со строгими ордерными формами, внутри разбиты нишами, обильно украшены шелковыми обоями, декоративными тканями, живописью, лепниной. Единство интерьера не нарушала вычурная мебель с инкрустациями. К изящным столикам и пуфикам на тонких гнутых ножках удивительно шли фарфоровые безделушки, ларчики, табакерки, флакончики. В моду вошли фарфор и перламутр. Во Франции возникла Севрская фарфоровая мануфактура, в Германии — не менее знаменитая Мейсенская. Произведения прикладного искусства заняли важное место в культуре рококо.

В эту эпоху одежда, прически, внешность человека стали произведением искусства. Неестественные фигуры дам в кринолине, фижмах, париках приобрели силуэт, не свойственный человеческому телу, и казались драгоценной игрушкой в фантастическом рокайльном интерьере.

Основоположником рококо в живописи можно считать антуана ватто (1684-1721) — придворного живописца, любимца короля и маркизы Помпадур. (Одним из самых аристократических художников стал сын кровельщика — и в этом тоже веяние времени.) Ватто наполовину создал, наполовину блестяще истолковал вкусы своей эпохи. Для нас его картины кажутся наивными, но современники были в восторге от той идиллической Аркадии, в которую превратил двор Людовика Ватто. Он изображал искусственный прелестный мир театра и любовных похождений в сказочной обстановке. Герои Ватто — хорошенькие живые актрисы в широких шелковых платьях, франты с томными движениями, амуры, резвящиеся в воздухе. Даже названия его произведений говорят сами за себя: «Капризница», «Праздник любви», «Общество в парке», «Затруднительное положение».

Произведения Ватто — шедевры утонченной живописи неярких нежных оттенков, которым давали названия в духе галантной стилистики: «цвет потерянного времени». Ватто обладал особенными рецептами красок, производящих удачные художественные эффекты. Как живописец Ватто был гораздо глубже и сложнее своих многочисленных последователей. Он усердно изучал природу, много писал с натуры. Искусство Ватто открывало мир человеческих чувств. Оно освободилось от напыщенности барокко и отчасти реабилитировало естественные чувства, что было в духе времени. Отсвет его сильной творческой индивидуальности, его художественных открытий лег на весь XVIII в. Сила Ватто в том, что и в царстве мечты он изображал реальные переживания и чувства человека.

Не все художники, называвшие себя его учениками, обладали этой глубиной чувств. После смерти Ватто его место при дворе занял франсуа буше (1704-1770). Очень искусный мастер, он много работал в области декоративной живописи, делал эскизы для гобеленов, для росписи по фарфору. Слава его быстро росла, произведения усердно раскупались. Его мифологические и пасторальные сюжеты очень подходили к убранству рокайльных апартаментов. Буше первый ввел в моду небольшие рисунки и эскизы, которые раньше художники хранили только для себя. Эти наброски, изображающие пастушеские идиллии, кокетливые мифологические сцены с нимфами и амурами, разбирались нарасхват. Типичные сюжеты — «Триумф Венеры», «Туалет Венеры», «Купание Дианы». В произведениях Буше манерность и эротизм эпохи рококо выразились с особой силой, в чем его постоянно обвиняли просветители-моралисты.

Искусство рококо принесло с собой не только жеманство, оно освободилось от риторической напыщенности классицизма и обратилось к естественным чувствам человека.

Искусство Ватто и Буше во второй половине века продолжил жан оноре фрагонар (1732-1806). Сюжетами его произведений становятся не только галантные празднества («Поцелуй украдкой», «Счастливые возможности качелей»), но и идиллические семейные сцены, бытовые зарисовки, исторические картины. В них проявляется реалистическое мастерство, тонкая и тщательная проработка предметов, незаметно переводящая условный рокайльный жанр в план бытового.

Параллельно с придворным рококо в художественной культуре Франции складывались течения более близкие к запросам и вкусам буржуазии. Они не были полной противоположностью рокайльному стилю, их художники дышали воздухом одной эпохи. Через среду искусства совершался обмен идей.

Просветители призывали художников заняться изображением быта третьего сословия. Выразителями этого жанра стали жан батист симеон шарден (1699-1779) и жан батист грез (1725-1805). С творчеством Шардена, Греза, Фрагонара не вяжется представление о какой-либо оппозиции. Это мирные по своему складу художники, изображающие натюрморты, уютные жанровый сцены, добронравных матерей семейств. С трудом верится, что шарденовские женщины («Молитва перед обедом», «Прачка», «Женщина, моющая кастрюли;») — современницы моделей Буше, но именно они представляли подлинную Францию тех лет.

Шардена никогда не тянуло к мифологическим и историческим сюжетам. Художника занимают окружающие его обыкновенные сцены. В его произведениях выступает домашняя сторона XVIII века. Шарден открыл незнакомую прежде область натюрморта — мир домашних вещей, окружающих человека. Он пишет медные баки и глиняные миски с такой же тщательностью и любовью, как придворные портретисты кружева на камзолах аристократов. И в жанровой живописи Шарден прославляет уют домашнего быта без патетики и ненужных эффектов, руководствуясь в своем мастерстве тем же чувством меры и порядка, которые были жизненным кредо буржуазии.

Картины Греза ближе к сентиментализму, проповеди руссоистских идей о патриархальной идиллии, семейных добродетелях («Отец семейства, читающий своим детям Библию», «Деревенская невеста», «Балованное дитя»).

Как реакция на чрезмерную рассудительность просветителей, их однозначность в оценке мыслей и поступков, пренебрежение чувствами возник сентиментализм (от франц. sentiment — чувство). Стиль, появившийся как литературное направление (его название происходит от «Сентиментального путешествия по Франции и Италии» английского писателя лоренса стерна), нашел свое выражение в других видах творчества.

Картины Греза могли бы быть иллюстрациями к произведениям писателей-сентименталистов. Знаменитые женские головки Греза как будто сошли со страниц сентиментальной мещанской драмы. Они дают представление о том, что позже стали называть «мещанской красивостью».

Картины Шардена и Греза стали воплощением нравственного начала людей третьего сословия. Их спокойная простота, приверженность чисто житейским мотивам была вызовом аристократическим вкусам. Недаром Дидро в своих критических статьях говорил о Шардене как о создателе нового искусства и называл Греза «поистине своим художником».

Идеологи Просвещения неустанно проповедовали этическую ценность искусства, связанного с идеалами разума. В эпоху Французской революции в искусстве восторжествовал новый классицизм. Классицизм XVIII века — не развитие классицизма предшествующего столетия — это принципиально новое историко-художественное явление. Общие черты: обращение к античности как к норме и художественному образцу, утверждение превосходства долга над чувством, повышенная отвлеченность стиля, пафос разума, порядка и гармонии. Новый классицизм в своем стремлении создать естественно простые и одновременно возвышенные формы искусства обратился к художественной культуре античного мира. Она стала примером для изучения и подражания. Накануне революции французскую буржуазию привлекали идеалы римской республики тем, что воспитывали пафос разума, порядка и гармонии, дух гражданственности.

Выразителем классицизма в живописи стал жак луи давид (1748-1825). Его картина «Клятва Горациев» стала боевым знаменем новых эстетических взглядов. Сюжет из истории Рима (братья Горации дают отцу клятву верности долгу и готовности сражаться с врагами) стал выражением республиканских взглядов в революционной Франции. Популярность Давида была необыкновенной. Конвент заказывал ему картины, сюжеты которых могли бы поднять патриотический дух Республики. К разряду подобных композиций принадлежит, может быть, лучшая его картина «Убийство Марата Шарлоттой Корде». Художник точно изобразил обстановку события: Марат лежит в ванне, в руке зажато письмо-прошение, с которым к нему и проникла Шарлотта Корде. Линейная графика и скульптурная трактовка форм делает картину Давида чисто классицистическим произведением. Логические, ясные композиции, резкий рисунок, отказ от сложных полутонов делал фигуры Давида похожими на античные статуи.

Успех картин Давида объяснялся резким контрастом с надоевшей слащавостью идиллических картин рококо. Современников поражала та кажущаяся реальность, которая резко отделяла его трезвые образы от причудливых фигур Ватто и Буше.

Давид был первым художником, который попытался воспроизвести археологические подробности в римских жанрах: одежду, аксессуары, мебель. Благодаря успеху его картин античная мебель вошла в моду под именем стиля жакоб (так звали королевского мебельщика, который работал по эскизам Давида). Именно тогда античный маскарад заставил переодеться всю Францию, а потом и Европу. Портрет мадам Рекамье стал хрестоматийным образцом того постреволюционного классицизма, который в XIX веке получил название стиля ампир.

На страже канонов классицизма стояла парижская художественная академия, называвшаяся Школой Изящных Искусств. Поэтому закостенелый классицизм в живописи, формы которого превратились в штампы, позднее стали называть академизмом.

Стиль крупных живописцев XVIII века не укладывался в жесткую схему «рококо-классицизм». Над сильными творческими личностями не существовало стилевого диктата, они сами создавали новые стилистические направления.

Замечательным подтверждением этому можно считать творчество величайшего художника Испании франсиско Гойи (1746-1828). Гойя с его особым видением мира открыл для испанского искусства целую эпоху, положив начало реалистической живописи Нового времени. В то же время его творчество оказало огромное влияние на формирование европейского романтизма следующего столетия. Свои представления о возвышенном и героическом он выразил в листе «Какая доблесть» из серии офортов «Ужасы воины». Девушка, которая сменила у орудия убитых бойцов народной армии, стала легендарной фигурой. Этой поэтически правдивой легенде художник нашел прекрасную графическую форму выражения. Хрупкая женская фигурка в белой тунике приобретает особенное изящество в контрасте с огромным колесом лафета и орудийным стволом. Белоснежное платье женщины, выделяющееся на темном фоне орудия,— признак душевной чистоты.

Самая знаменитая серия офортов Гойи — «Каприччос», созданная с 1793 по 1797 г. Это 80 листов, пронумерованных и снабженных подписями. Самое распространенное мнение о «Кanриччос» — это сатира на испанское общество XVIII века, особенно на его верхушку, знать и духовенство. Но нельзя сводить все ее значение к злободневности. Серия очень символична, в основе ее лежит метафора. Серия Гойи делится на две части: мир дневной, человеческий, обыденный и мир ночной, фантастический, дьявольский. Художнику открылась великая тайна их рокового сходства. Нам сложно разобраться в мрачном мире, созданном воображением художника, что-то всегда остается непонятным. Очевидно он коснулся таких слоев бытия, которые не подвластны разуму и логике. Графика «Каприччос» так многослойна по своей структуре, что ее трудно анализировать.

Гойя был не только отличным графиком, но и прекрасным живописцем. Его знаменитые «Махи» («Маха одетая» и «Маха обнаженная») можно сравнить с лучшими работами живописцев венецианского Возрождения.

Предтечей реалистической живописи Англии еще в первой половине XVIII века выступил уильям хогарт (1697-1764). Хогарт изображал современную ему жизнь, нравы аристократов, пороки общества — распущенность нравов, мотовство, продажный суд. Своей тематикой он напоминает русского художника Федотова. Целые серии картин (из 68 композиций), объединенные одним сюжетом («Карьера мота», «Модный брак», «Свадебный контракт», «Прилежание и леность»), переводились в гравюры и становились доступными широкому обществу. Более дешевая и демократичная, чем живопись, гравюра становилась агитатором идей Просвещения. Свои произведения художник строил как драматург, описывал каждую сцену действия и объединял их в повествовательные циклы. Каждая картина обладает самостоятельным сюжетом, но связана с остальными. Произведения Хогарта похожи на морализаторскую литературу просветителей, недаром его называют первым художником-просветителем в Европе. Он создал новый художественный язык и в живописи, и в графике. Темы, которые он осваивал в изобразительном искусстве, предвещали зарождение критического реализма XIX века.

Реализм вторгался и в эстетствующее искусство. Эрудированный, серьезный теоретик искусства классицизма джошуа рейнольдс (1723-1792), первый президент Британской академии художеств, видный политический деятель, хозяин модного аристократического салона, в традиционный жанр портрета ввел психологическую характеристику личности. Используя аллегорическую форму (актрису Сару Сиддонс он изобразил в виде музы, знаменитого полководца — в пламени битвы, леди Гамильтон — в виде Венеры), он создал вполне реалистические психологические портреты. Художник Просвещения, Рейнольдс подчеркивает в персонаже не принадлежность к сословию, а личностные качества, богатство духовного мира.

То же реалистическое направление просматривается в портретах томаса гейнсборо (1727-1788), продолжавшего его и в пейзажной живописи. В портретах Гейнсборо нет никаких аллегорий, раскрывающих роль модели в обществе. Для них более характерно внимание к душевному миру. В этих портретах большое значение имеет пейзаж, который так же лиричен, как и сами персонажи.

Классицизм стал стилем официальных построек. В европейских столицах сооружались величественные архитектурные ансамбли, парадные площади оформлялись фасадами с колоннами. При строительстве богатых особняков тоже использовались классические архитектурные формы, ими украшались фасады и интерьеры.

Вторая половина XVIII века — время широкого строительства общественных театров. Именно в это время складывается особый тип здания-театра. Например, Пале Рояль и театр Фейдо в Париже, театры в Амьене, Лионе, Бордо, других европейских городах.

XVIII в. принес очень много нового в музыкальное творчество. В XVIII в. музыка встала на уровень других искусств, переживавших расцвет еще с эпохи Возрождения. Рождались музыкальные концепции светско-образного содержания, создавались новые формы — фуга, симфония, соната. Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель, Кристоф Глюк, Франц Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт стоят на вершине музыкального искусства в XVIII в. Эпоха Просвещения создала новую остроту самосознания, новые чувства, оттенки настроений. Расцвет музыки как самостоятельного вида искусства в это время объясняется потребностью в поэтическом, эмоциональном выражении духовного мира человека. В творчестве Баха и Генделя еще сохранилась преемственность музыкальных традиций, но они начинали новый этап в истории музыки.

иоганна себа­стьяна баха (1685-1750) считают непревзойденным мастером полифонии. Работая во всех жанрах, он написал около 200 кантат, инструментальных концертов, сочинений для органа, клавира и др. Баху была особенно близка демократическая линия немецкой художественной традиции, связанная с поэзией и музыкой протестантского хорала, с народной мелодией. Через духовный опыт своего народа он ощущал трагическое начало в жизни человека и вместе с тем веру в конечную гармонию. Бах — музыкальный мыслитель, исповедующий то же гуманистическое начало, что и просветители.

Искусство Баха и Генделя было проявлением духовной свободы эпохи Просвещения. Усилиями многих мастеров Италии, Франции, Германии, Чехии был подготовлен стилевой перелом середины века. Монументальному полифоническому искусству, которое воспринималось как барочное, сложное, было противопоставлено более доступное, подчеркнуто светское. Оперный театр постепенно заменял для композиторов церковь. Мировую славу завоевала французская опера и итальянская опера-буффа. Складывались новые формы концертной жизни — публичные концерты; на концерты частных капелл допускалась широкая публика, оживлялась музыкальнокритическая жизнь, возникли специальные музыкальные периодические издания. Музыкальная культура захватывала новые круги общества, но социальные условия ограничивали ее распространение.

Все новое, что было характерно для прогрессивных направлений в музыке, воплотилось в творчестве австрийского композитора вольфганга амадея моцарта (1756-1791). Вместе с францем йозефом гайдном он представлял Венскую классическую школу. Основным жанром Гайдна была симфония, Моцарта — опера. Он изменил традиционные оперные формы, внес психологическую индивидуальность в жанровые типы симфоний. Ему принадлежат около 20 опер («Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта»), 50 симфонических концертов, многочисленные сонаты, вариации, мессы, знаменитый «Реквием», хоровые сочинения. Многогранное творчество Моцарта связано с общим характером эпохи Просвещения. Он не был революционером по убеждению, но его гуманизм, его эстетическое восприятие человеческих эмоций противостояло старому феодальному мироощущению. В его музыке отразились идеи немецкого Просвещения и движения «Буря и натиск».

⇐ Предыдущая15161718192021222324Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: