Французская живопись XVIII века 3 глава

Французский архитектор и градостроитель эпохи классицизма родился в Париже в семье живописца. Учился рисованию и началам архитектуры у своего двоюродного деда зодчего Франсуа Мансара. После смерти деда присоединил его фамилию к своей. Обширная коллекция рисунков, доставшаяся ему в наследство, послужила источником многих декоративных идей мастера. В 1675 Людовик XIV назначил Ардуэна-Мансара придворным архитектором. Первым его заказом стала перестройка замка Сен-Жермен. С 1678 он руководил работами в Версале[см.Приложение 5], создал королевскую капеллу (1689-1710), Большой Трианон (1687), Зеркальную галерею[см.Приложение 6] и Оранжерею, залы Войны и Мира(1678-1686, совместно с Ш.Лебреном). В творчестве Ардуэна-Мансара архитектура французского классицизма достигла высшего рассвета, приобрела величавый и торжественный характер. Крупнейшая его работа - собор Дома инвалидов в Париже (1680-1706). Купол собора считается одним из самых совершенных сооружений французского классицизма. Он стал автором проекта восьмигранной в плане Вандомской площади (1685-1701) и круглой площади Побед (1685-1686) в Париже. Площадь Ардуэн-Мансар считал организующим элементом города. По этому принципу велась в дальнейшем перестройка средневекового Парижа. Вместе с Ж. Бофраном построил кафедральный собор в Нанси (начат в 1703). Создал здания мэрий Лиона, Арля, Бокера, замки Дампьер, Клани (1676), Марли (начат в 1679), различные сооружения в Арле и Дижоне. В 1685 стал «первым архитектором короля», в 1699 - главным смотрителем королевских строительных работ. До конца жизни Ардуэн-Мансар оставался любимцем короля Людовика XIV. Умер он в Марли близ Парижа в 1708году [15].

33. Жак Калло

Из Нанси, столицы Лотарингии -- мятежного герцогства, долгое время отстаивавшего независимость, происходил художник Жак Калло (около 1592--1635) -- один из самых оригинальных граверов (офортистов) и рисовальщиков Франции. Жизнь художника протекала в скитаниях между блестящими дворами европейской знати. Юношей Калло совершил путешествие в Италию, жил и учился в Риме и во Флоренции (1608--1621).

Зоркий наблюдатель Калло остро ощущал противоречия времени, в которое жил. Ломка патриархальных отношений, разбой и завоевания, народные бедствия, контрасты нищеты и роскоши рождали в его искусстве элементы гротеска, фантастики, тревожного, дисгармоничного мироощущения. Калло шел в своем творчестве от народных истоков -- ярмарочных балаганов, итальянской комедии масок, народного лубка, «карнавальной смеховой культуры». Отсюда он заимствовал и тонкий юмор, и карикатурное изображение различных человеческих типов, характеров, богатую разработку мимики, жеста и движения. Первым из французских художников Калло обратился к изображению толпы в ее многоликости. Живописец мастерски передавал массовые сцены как яркое, насыщенное социальными контрастами зрелище. Часто художник строит композиции офортов так, как будто смотрит на происходящее издали как на грандиозное театральное действие. Такое панорамное построение позволяло охватить огромное пространство и событие в целом и в то же время включить множество разнообразных сцен и эпизодов («Кадриль в амфитеатре», 1617; «Ярмарка в Импрунете», 1620). Он подмечает в толпе множество персонажей с их социально типичными чертами: цыган, бродяг, комедиантов, крестьян, аристократов, уличных разносчиков, карликов, танцоров. В парадную жизнь вторгается обыденное, гротескное, трагическое и комическое. Жизнь воспринимается Калло в ее многообразии, непрерывном потоке, изменчивости; удлиненные в пропорциях фигуры наделяются необычайной подвижностью.

Неистощимая фантазия, виртуозная легкость исполнения наряду с охватом жизненных явлений придают его маленьким листам значение больших художественных произведений. Он совершенствует технику офорта, сочетает ее с сухой иглой и резцом. Манера Калло разнообразна, свободна и живописна, штриховка богата, гибкие линии следуют форме, то утолщаясь, то сгущаясь в глубоких тенях, то приобретая необычайную нежность при переходе к свету. Калло -- мастер быстрого наброска, запечатлевающего явления в движении.

Серия «Каприччи» (1617) -- яркая иллюстрация жизни Флоренции первой четверти 17 в. С нескрываемой иронией изображает Калло чудовищное смешение роскоши и нищеты; безудержному веселью расточительной аристократии он противопоставляет нищих и бродяг на пустырях с руинами, в глухих переулках с их лачугами. Особенность метода художника проявляется здесь в гротескном преувеличении и деформации, в сложных ракурсах и поворотах, в передаче усложненных возбужденных движений. Используя контрастные сопоставления фигур переднего и дальнего планов, резкое перспективное сокращение пространства, отделяющее главное действие от зрителя, он как бы разрушает привычное представление о том, что главное и что второстепенное, подчеркивая тем самым относительное значение всего в жизни. С годами искусство Калло становится спокойнее, он находит более выразительные и простые средства для передачи типического. В серии «Нищие» (1622) художник сочувственно показывает униженных, изуродованных жизнью людей. Образ погруженного в раздумье слепца исполнен глубокого благородства и стоического мужества.

Став свидетелем жестокой войны на родине, в Лотарингии, захваченной королевскими войсками, Калло создал серию «Большие бедствия войны» (1632--1633), где его реалистическое восприятие достигло наибольшей критической остроты. Художник видел в войне великое народное бедствие. Он показал развращенных войной солдат, разбои на больших дорогах, разграбление деревень, восстания крестьян, расправы с ними. Особой впечатляющей силой выделяется лист «Дерево повешенных», где изображена казнь мародеров. Могучий дуб со страшными силуэтами повешенных воспринимается как символ жестокой эпохи.

Остро подмечая социально характерное в человеке, Калло проходит мимо индивидуальных его черт. Для Калло, художника-скептика, человек перестает быть центром мироздания, каким он представлялся в эпоху Возрождения. Он растворяется в толпе, хотя иногда и образует идейно-эмоциональное средоточие композиции («Мученичество св. Себастьяна», 1632--1633). Скептические настроения Калло были преодолены «живописцами реальности», создателями французской жанровой живописи, реалистического портрета и пейзажа. Обращаясь к жизни крестьян, мелких ремесленников, горожан, нищих, художники-реалисты тонко подмечали индивидуальное своеобразие своих героев, открывали в них высокие этические ценности. Они как бы противопоставляли сохранившуюся в народе патриархальную чистоту нравов -- развращенности знати и своекорыстию рождавшейся крупной буржуазии, поэзию замкнутого домашнего уклада -- бездушию и расточительству светской жизни.

Творчество Жака Калло

Классицизм как стилевое направление искусства XVII века

Классицизм (от лат. Сlassicus – образцовый) – стиль и направление в искусстве XVII – начала XIX века, обратившееся к античному наследию как к норме и идеальному образцу

Классицизм - стиль искусства, главным своим смыслом считающий следование образцовой классике, зародился в Риме в начале XVII века, существовал параллельно с барокко как его художественная оппозиция, в общем завершился с началом в Европе романтизма, но не пресекся — его последним крупным художником был Жан Огюст Доминик Энгр. Этапами классицизма считаются европейский неоклассицизм кон. XVIII — XIX веков, русский архитектурный неоклассицизм начала XX века.

Классицизм в живописи

Классицизм в живописи – это прежде всего сочетание античного наследия с современным художнику миром. Здесь постоянно противопоставлялся разум человека силе природы, личное – общественному. Как и во всех других отраслях искусства, в классической живописи идет обобщение образа, на первый план выходит идея первичности нужд большинства. Как и в литературе, в живописи идет деление жанров на низкие (или малые) и высокие. Классицизм, как наследник античности, естественно, относил к высокому жанру полотна, написанные на мифологические и исторические сюжеты. В них четко виден драматизм, жертва личных интересов ради общего блага. К низкому жанру причислялись более прозаичные картины – натюрморты и пейзажи.

Представителем академического классицизма в живописи Франции являлся Никола Пуссен (1594--1665). Его заказчики принадлежали к кругу буржуазных интеллектуалов Парижа, увлекавшихся философией античных стоиков. Темы пуссеновских полотен разнообразны: мифология, история, Ветхий и Новый Завет. Герои Пуссена -- люди сильных характеров и величественных поступков, высокого чувства долга. Пуссен явился создателем классического идеального пейзажа в его героическом виде. Пейзаж Пуссена -- это не реальная природа, а природа «улучшенная», созданная художественным вымыслом живописца. Его картины, холодные, суровые, умозрительные, называли «замерзшими скульптурами». Образцом для них послужила античная пластика и мир античных героев. Клод Лоррен (1600--1682), в торжественных композициях которого «идеальные» пейзажи наполнены лиризмом и мечтательностью, считается одним из основоположников классицизма в европейском искусстве XVII века.

Классицизм в скульптуре и декоративном искусстве

Как и в живописи, в скульптуре классицизма царило стремление к подражанию античности. Кажется, ничто не может нарушить покой и сдержанность скульптурных композиций, украшающих Версаль, Веймар, Петербург. Все подчинено рациональности: застывшие движения, идея скульптуры и даже ее расположение в парке или дворце.

Скульптуры классицизма, словно трехмерное воплощение мифов, рассказывают нам о могучей силе человеческой мысли, о единении народа в достижении общих целей. Просто удивительно, как классицисты сумели рассказать целую эпоху в жизни той или иной нации при помощи не масштабных композиций!

Стремясь к рациональному применению пространства, занимаемого скульптурой, мастера тем самым следовали еще одному принципу классицизма – отходу от частного. В одном единственном персонаже, чаще всего взятом из мифологии, воплощался дух целого народа. А герои настоящего с той же легкостью изображались в античном окружении, что лишь подчеркивало их историческую роль.

Среди скульпторов, творчество которых имело широкий резонанс, можно назвать Канову, Торвальдсена, Жан Батиста Пигаля, Жан Антуана Гудона и Фальконе.

классицизм в архитектуре

Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий кантичности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.

Архитектурный язык классицизма был сформулирован на исходе эпохи Возрождения великим венецианским мастеромПалладио и его последователем Скамоцци. Принципы античного храмового зодчества венецианцы абсолютизировали настолько, что применяли их даже при строительстве таких частных особняков, как вилла Капра. Иниго Джонс перенёс палладианство на север, в Англию, где местные архитекторы-палладианцы с разной степенью верности следовали заветам Палладио вплоть до середины XVIII века.

Из Нанси, столицы Лотарингии — мятежного герцогства, долгое время отстаивавшего независимость, происходил художник Жак Калло (около 1592—1635) — один из самых оригинальных граверов (офортистов) и рисовальщиков Франции. Жизнь художника протекала в скитаниях между блестящими дворами европейской знати. Юношей Калло совершил путешествие в Италию, жил и учился в Риме и во Флоренции (1608—1621). Зоркий наблюдатель Калло остро ощущал противоречия времени, в которое жил. Ломка патриархальных отношений, разбой и завоевания, народные бедствия, контрасты нищеты и роскоши рождали в его искусстве элементы гротеска, фантастики, тревожного, дисгармоничного мироощущения. Калло шел в своем творчестве от народных истоков — ярмарочных балаганов, итальянской комедии масок, народного лубка, «карнавальной смеховой культуры». Отсюда он заимствовал и тонкий юмор, и карикатурное изображение различных человеческих типов, характеров, богатую разработку мимики, жеста и движения. Первым из французских художников Калло обратился к изображению толпы в ее многоликости. Живописец мастерски передавал массовые сцены как яркое, насыщенное социальными контрастами зрелище. Часто художник строит композиции офортов так, как будто смотрит на происходящее издали как на грандиозное театральное действие. Такое панорамное построение позволяло охватить огромное пространство и событие в целом и в то же время включить множество разнообразных сцен и эпизодов («Кадриль в амфитеатре», 1617; «Ярмарка в Импрунете», 1620).

Он подмечает в толпе множество персонажей с их социально типичными чертами: цыган, бродяг, комедиантов, крестьян, аристократов, уличных разносчиков, карликов, танцоров. В парадную жизнь вторгается обыденное, гротескное, трагическое и комическое. Жизнь воспринимается Калло в ее многообразии, непрерывном потоке, изменчивости; удлиненные в пропорциях фигуры наделяются необычайной подвижностью.

Неистощимая фантазия, виртуозная легкость исполнения наряду с охватом жизненных явлений придают его маленьким листам значение больших художественных произведений. Он совершенствует технику офорта, сочетает ее с сухой иглой и резцом. Манера Калло разнообразна, свободна и живописна, штриховка богата, гибкие линии следуют форме, то утолщаясь, то сгущаясь в глубоких тенях, то приобретая необычайную нежность при переходе к свету. Калло — мастер быстрого наброска, запечатлевающего явления в движении.

Серия «Каприччи» (1617) — яркая иллюстрация жизни Флоренции первой четверти 17 в. С нескрываемой иронией изображает Калло чудовищное смешение роскоши и нищеты; безудержному веселью расточительной аристократии он противопоставляет нищих и бродяг на пустырях с руинами, в глухих переулках с их лачугами. Особенность метода художника проявляется здесь в гротескном преувеличении и деформации, в сложных ракурсах и поворотах, в передаче усложненных возбужденных движений. Используя контрастные сопоставления фигур переднего и дальнего планов, резкое перспективное сокращение пространства, отделяющее главное действие от зрителя, он как бы разрушает привычное представление о том, что главное и что второстепенное, подчеркивая тем самым относительное значение всего в жизни. С годами искусство Калло становится спокойнее, он находит более выразительные и простые средства для передачи типического. В серии «Нищие» (1622) художник сочувственно показывает униженных, изуродованных жизнью людей. Образ погруженного в раздумье слепца исполнен глубокого благородства и стоического мужества.

Став свидетелем жестокой войны на родине, в Лотарингии, захваченной королевскими войсками, Калло создал серию «Большие бедствия войны» (1632—1633), где его реалистическое восприятие достигло наибольшей критической остроты. Художник видел в войне великое народное бедствие. Он показал развращенных войной солдат, разбои на больших дорогах, разграбление деревень, восстания крестьян, расправы с ними. Особой впечатляющей силой выделяется лист «Дерево повешенных», где изображена казнь мародеров. Могучий дуб со страшными силуэтами повешенных воспринимается как символ жестокой эпохи.

Остро подмечая социально характерное в человеке, Калло проходит мимо индивидуальных его черт. Для Калло, художника-скептика, человек перестает быть центром мироздания, каким он представлялся в эпоху Возрождения. Он растворяется в толпе, хотя иногда и образует идейно-эмоциональное средоточие композиции («Мученичество св. Себастьяна», 1632—1633). Скептические настроения Калло были преодолены «живописцами реальности», создателями французской жанровой живописи, реалистического портрета и пейзажа. Обращаясь к жизни крестьян, мелких ремесленников, горожан, нищих, художники-реалисты тонко подмечали индивидуальное своеобразие своих героев, открывали в них высокие этические ценности. Они как бы противопоставляли сохранившуюся в народе патриархальную чистоту нравов — развращенности знати и своекорыстию рождавшейся крупной буржуазии, поэзию замкнутого домашнего уклада — бездушию и расточительству светской жизни.

34. Творчество Жорж де Латур

Ярким выразителем этих тенденций был Жорж де Латур (1593–1652) – художник сурового эпического склада. Сын простого булочника, Латур прожил всю жизнь в городе Люневилле в Лотарингии, где был свидетелем упорной, но безнадежной борьбы соотечественников за независимость. Но он воспринял эту борьбу иначе, чем Калло; был исполнен веры в человека. Его герои сдержанны, просты и суровы, часто отрешенные от жизни, они точно погружены в самосозерцание, замкнувшись во внутреннем мире затаенных переживаний.

Латур Скудная трапеза крестьян

Скудная трапеза крестьян, 1620

Государственный музей, Берлин

Латур обращался к бытовым сценам («Игра в карты», Нант, Музей), изображая в них крестьян, ремесленников, нищих, наделенных нравственной чистотой и благородством, но основное место в его творчестве занимали религиозные темы. Трактуя их в бытовом плане как сцены из жизни крестьян, художник выражал в них свои размышления о жизни. Люди в картинах Латура сохраняют цельность характеров, трогательную душевную чистоту и нравственную силу. Черты национальной традиции проступают в тяготении мастера к архаической статуарности, монументальной торжественности, классической ясности рисунка, в отборе остро подмеченных деталей. В то же время Латур своеобразно претворяет завоевания Караваджо. Драматические по содержанию сцены обычно даются при контрастном ночном освещении. Напряженный свет не только подчеркивает энергичную пластику форм, чистоту силуэтов, но рождает ощущение загадочности, таящейся в реальной жизни. Эмоциональность произведений Жоржа де Латура усиливается колоритом, построенным на сопоставлении близких друг другу локальных цветов, пурпурово-красных и лиловых.

В картине «Новорожденный» (Ренн, Художественный музей) изображена молодая мать, бережно держащая младенца. Она убаюкивает его, другая женщина благоговейно вглядывается в черты новорожденного, словно охраняя его чутким предостерегающим жестом руки. Торжественная тишина ночи, состояние глубокого раздумья, в которое погружены обе женщины, производят впечатление особой значительности происходящего. Интимная сцена выражена в монументальных формах, тончайшие оттенки тихой радости и грусти, материнской нежности, любви и озабоченности раскрывают душевное обаяние матери. Чистота красного цвета ее одежды, словно пылающей под воздействием света, создает атмосферу целомудрия, теплоты. Локализуясь в формах, напряженный до предела свет кажется льющимся изнутри и резко контрастирует с почти черным фоном. Это придает образам Латура необычность, усиливает в них сосредоточенность внутренней жизни, как бы противополагает ее неизменную чистоту и цельность потоку дисгармоничного внешнего мира.

В картине Латура «Святой Себастьян» (1640–1650–е годы, Париж, Лувр) тема страдания героя звучит как величественный реквием. Освещенные пламенем факела, склонились над поверженным телом Себастьяна Святая Ирина и женщины, пришедшие для омовения ран. В статуарной скованности их фигур, в традиционных позах и жестах как бы обрядного шествия художник открыл огромную нравственную силу. Чувство скорби, охватившее святых жен, проявляется в различных интонациях, но их объединяют внутренняя собранность, стоическая сдержанность выражения. Суровый драматизм темы передан мощью пластических форм, скупостью жестов, нарастающей экспрессией света. Строгой построенностью композиции, пронизанной величавым ритмом, философской глубиной содержания, картина предвосхищает классицистические произведения

ЖОРЖ ДЕ ЛАТУР: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ХУДОЖНИКА Жорж де Латур, также Ла Тур (14 марта 1593 — 30 января 1652) — лотарингский живописец, крупнейший караваджист XVII века, мастер светотени. СОДЕРЖАНИЕ Биография Жоржа де Латура Творчество Жоржа де Латура Работы художника Картины Жоржа де Латура Библиография БИОГРАФИЯ ЖОРЖА ДЕ ЛАТУРА Родился в местечке Вик-сюр-Сей и жил близ Люневиля до самой своей смерти. Помимо нескольких документов, содержащих сведения о его женитьбе в 1621 году, назначении официальным художником Люневиля в 1644 году и главным живописцем короля в 1646 году, нет никакой информации о жизни мастера. Ни одно из его произведений не может быть датировано с полной достоверностью. Однако известно, что лотарингский герцог Генрих II в 1623 и 1624 годах купил несколько картин Ла Тура. Этьен (род. 1621), сын художника, тоже стал живописцем. Учеником Ла Тура также был его племянник Франсуа Нардуайен, умерший от чумы в 1636 году. ТВОРЧЕСТВО ЖОРЖА ДЕ ЛАТУРА Творчество мастера, забытое после его кончины, было заново открыто только в 1940-х годах; первая публикация о нём вышла в 1915 году. Для его картин характерна геометрически строгая композиция и напряжённость религиозного чувства. Картины Латура обычно представляют собой освещённые пламенем свечи ночные сцены, написанные в манере Караваджо. Художник любил изображать библейские персонажи в обличье нищих и крестьян, создавать композиции, персонажи которых освещались единственным источником — свечой. Его герои сдержанны, просты и суровы, часто отрешенные от жизни, они точно погружены в самосозерцание, замкнувшись во внутреннем мире затаенных переживаний. Черты национальной традиции проступают в тяготении мастера к архаической статуарности, монументальной торжественности, классической ясности рисунка, в отборе остро подмеченных деталей. В то же время Латур своеобразно претворяет завоевания Караваджо. Драматические по содержанию сцены обычно даются при контрастном ночном освещении. Напряженный свет не только подчеркивает энергичную пластику форм, чистоту силуэтов, но рождает ощущение загадочности, таящейся в реальной жизни. Эмоциональность произведений Жоржа де Латура усиливается колоритом, построенным на сопоставлении близких друг другу локальных цветов, пурпурово-красных и лиловых. РАБОТЫ ХУДОЖНИКА Типичными для его творчества являются такие работы, как: «Новорождённый» (Музей изобразительных искусств в Ренне),«Поклонение пастухов» (Лувр),«Мученичество св. Себастьяна» (Берлин-Далем),«Скорбящая Магдалина» (Метрополитен-музей),«Отречение апостола Петра». Одна работа мастера — «У ростовщика» — хранится во Львовской галерее искусств. В российских музеях его работ нет.

35. БРАТЬЯ ЛЕНЕН: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ХУДОЖНИКА Антуан (Antoine) (ок. 1588 — 25 мая 1648), Луи (Louis) (ок. 1593 — 23 мая 1648) и Матье (Mathieu) (1607 — 20 апреля 1677) Ленен (фр. Le Nain) — французские художники. СОДЕРЖАНИЕ Биография художника Творчество Интересные факты из жизни Братьев Ленен Картины Братьев Ленен Библиография БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА Французские художники родились в Лане. Известно, что с 1629 года Антуан с братьями переехали в Париж, где его вскоре зачислили в сен-жерменскую корпорацию художников и он получил звание «художника-мастера». Братья имели общую мастерскую, главой которой по возрасту и положению был Антуан. Они жили все вместе на левом берегу Сены, столь отличном от официального правого берега. Здесь шла своя жизнь. Ежегодно устраивались ярмарки, собиравшие разный люд со всей Франции. Тут же была колония фламандских художников, с которыми, по всей вероятности, общались и братья Ленен. В 1648 году Антуан и Луи были приняты в члены только что открывшейся Королевской Академии живописи и скульптуры и удостоены звания «жанровых живописцев». Это свидетельствовало об их известности в то время. 23 мая 1648 года неожиданно оборвалась жизнь Луи, а двумя днями позже умер и Антуан. Таковы скупые сведения о жизни Антуана. Так же немного известно о нем и как о художнике. По мнению каноника Л’Элле, писавшего в 1711 году «Историю города Лан», Антуан преуспевал «в миниатюрах и портретах «в ракурсе»», Луи — в поколенных и погрудных портретах, а Матье — в религиозной и батальной живописи. Тот же Л’Элле утверждал, что первым учителем Антуана был иностранный живописец. В. Н. Лазарев предполагает, что им мог быть фламандец, и находит подтверждение этому в несколько тяжеловесном реализме и сочном широком письме, свойственных картинам Антуана. Из четырнадцати подписных и датированных картин братьев Ленен Антуану приписывались четыре. По мнению ученых, их объединяет: пристрастие к образам детей, статичность композиции, распадающейся на отдельные группы, некоторое однообразие приемов письма, колорит с преобладанием ярких локальных цветов. Таким образом. Антуан считался художником небольшим, на всю жизнь оставшимся провинциалом. Его творчество было в стороне от магистральной линии развития французской живописи XVII века. Все достоинства произведений Лененов приписывались Луи. Казалось, что «проблема братьев Ленен» решена. Но вот в 1978-1979 годах в Париже открылась большая выставка — плод многолетней работы французских искусствоведов, — на которой впервые были собраны вместе произведения этих художников из разных стран мира. Выставка подвела черту в дискуссии о Лененах. Огромной заслугой ученых было то, что они резко разграничили картины, написанные самими Лененами, от их копий и подражаний. В результате был сделан вывод: искусство братьев Ленен — продукт коллективного труда и вычленить отдельные индивидуальности не представляется возможным. ТВОРЧЕСТВО Своеобразие их искусства, его исключительное место в художественной жизни Франции, несомненно. Одними из первых в европейской живописи братья Ленен воплотили в своих произведениях образы крестьян с позиций истинного гуманизма, без сентиментальной идеализации под «счастливых пейзан», без гротескности. Крестьяне у Лененов естественны, серьезны, полны чувства собственного достоинства. Ничего подобного ни в литературе того времени, ни в живописи не было. Картины братьев Ленен вызывают восхищение и своими художественными достоинствами, прежде всего композицией. Непосредственность и естественность поведения людей, изображенных в привычной для них обстановке, за привычными занятиями — работой, трапезой или беседой, — сочетаются со сложно продуманной композиционной системой, где каждому участнику сцены отведено свое, строго определенное место. Фигуры, расположенные в разных пространственных планах, так, что ни одна не заслоняет другую, тесно спаяны между собой в единое нерасторжимое целое. Все они находятся на одном уровне, подобно героям античных рельефов, и от этого сцена приобретает величественность и торжественность. Такой принцип построения композиции говорит о близости братьев Ленен к господствовавшему в то время классицизму. «Деревенские сцены Лененов, — писал в XIX веке исследователь их творчества Шанфлери, — обладают строгостью больших композиций Пуссена». Другое, не менее ценное достоинство картин братьев Ленен — богатство колорита, чувство цвета. Их излюбленная гамма строится на сочетаниях спокойных серых, коричневых и белых цветов с небольшими вкраплениями более ярких красок. Такую мягкость тона, прозрачность, такую выразительность фактуры можно встретить лишь у очень одаренных колористов. При упоминании братьев Ленен именно Луи Ленен выступает как главная творческая фигура. В картине «Трапеза крестьян» (1642, Париж, Лувр) выделены три главные фигуры. В центре хозяин дома, белокурый мужчина с прозрачными глазами и усталым лицом. Сидящие рядом двое в лохмотьях — это бродяги, с которыми крестьянская семья разделяет свою трапезу. Остальные персонажи — молчаливая крестьянка, мальчик со скрипкой и два других мальчика, один из которых, прелестный и большеглазый, грустно и неотступно смотрит на зрителя из глубины комнаты, — составляют своего рода окружение для основных действующих лиц. Каждый поглощен своими мыслями, не связан общим действием, никто не смотрит друг на друга. Но Ленен умеет объединить своих внешне бесстрастных героев общностью настроения и восприятия жизни. Не скромная трапеза здесь связывает людей, а какое-то общее состояние, затаенное раздумье. Там, где мастер изображает сцены на открытом воздухе, преобладает светлый серебристый колорит. Одна из самых известных его картин — «Семейство молочницы» (Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж). Раннее, овеянное туманной дымкой утро, крестьянская семья отправляется на рынок. Пластически законченные фигуры четко выступают на легком воздушном фоне. Художник с теплым чувством изображает молочницу, состарившуюся от труда и лишений, усталого крестьянина, толстощекого рассудительного мальчугана, хрупкую, не по годам серьезную девочку. Сзади — широкая долина, далекий город на горизонте, синее бескрайнее небо. Художник мастерски передает тусклое сияние медного бидона, твердость каменистой почвы, грубую домотканую одежду крестьян, мохнатую шерсть ослика. Гладкое почти эмалевое письмо соединяется со свободной, прозрачной живописью. Картины Луи Ленена лишены оттенка будничного прозаизма, в них всегда чувствуется что-то значительное. Истинно французский мастер, Луи Ленен внутренне близок к Жоржу де Латуру и Пуссену, хотя и идет своим путем. В «Отдыхе всадника» (Лондон, Музей Виктории и Альберта) правдива сама ситуация, запечатлевшая разных людей, которые встретились на сельской дороге. Фигуры разобщены, статичны. Кажущаяся фрагментарность простой сцены подчинена лаконичной, строгой, глубоко продуманной и уравновешенной композиции. Среди произведений Луи Ленена эта картина считается наиболее близкой к традиции классического искусства, а образ смеющейся девушки с медным жбаном на голове принято сравнивать с колонной или античной кариатидой. «Повозка» 1641 «Отдых всадника» «Кузница» Мастерство композиции покоряет в картине «Повозка» (1641, Париж, Лувр), великолепной по своей светлой, пленэрной живописи. Образ природы у художника всегда неразрывно связан с жизнью людей. Художник стремится раскрыть своеобразную красоту в обыденных предметах крестьянского обихода. Неожиданной кажется луврская картина «Кузница», в которой Ленен выходит за рамки традиционных сюжетов. Его герои — кузнец в красной рубахе и окружающая его семья. Они статичны, разобщены, спокойны. Пламя горна наполняет тесную кузницу контрастами света и тени, переданными без караваджистской резкости и смягченными общим, золотисто-розовым тоном. Исходящая от картины напряженность порождена цветовыми пятнами, движением света, затесненностью пространства, энергией мазков. Полотно Луи Ленена — одно из первых образов труда в европейском изобразительном искусстве. ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ БРАТЬЕВ ЛЕНЕН Они были холостяками. Более известен Луи, ему приписывают преобладающую часть картин из крестьянской жизни. Преобладающую часть миниатюр приписывают Антуану, портреты — Матье.

⇐ Предыдущая12345678910Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: