 |
Французская живопись XVIII века 11 глава
|
|
|
|
смотрел на свою модель снизу вверх). Так в XVIII в. писали парадные портреты. И это резко противопоставляет Жиля остальным персонажам. Актёр, «некстати» раскрывающий при свете рампы свои подлинные чувства, во многом близок самому живописцу.
В 1720 г., за год до смерти, Ватто создал большую картину, которая должна была служить вывеской антикварной лавки, — «Вывеска лавки Жерсена». (Когда её купили, то разрезали пополам. Получилось как бы две картины.) Её тема — повседневная жизнь модного магазина произведений искусства. Посетители рассматривают полотна, антикварные изделия, делают покупки, беседуют с продавцами, Ватто удивительно точно и полно представил стили и художественные вкусы эпохи: в первой части картины изображены холодные, напыщенные классицистические произведения, во второй — игривые «галантные сцены» и жанровая живопись. Остроумно, тонко показаны персонажи и их пристрастия: здесь можно увидеть и глупое поклонение пустой, но модной живописи, и трепетное восхищение подлинными шедеврами. Произведение, предназначавшееся для рекламной вывески, воплотило глубокие размышления художника об искусстве и о себе.
Творчество Ватто справедливо связывают с началом короткой, но очень яркой эпохи рококо. «Галантные сцены» стали популярным жанром, и у мастера появилось немало последователей. Однако даже самые даровитые из них не пошли дальше создания изящных и легкомысленных сценок; ни один не смог передать атмосферу сложной психологической игры, составляющей главную прелесть произведений Антуана Ватто.
Творчество Ватто.
Антуан Ватто французский живописец и рисовальщик. Жан Антуан Ватто родился 10 октября 1684 года в маленьком северофранцузском городке Валансьенне. Его отец Жан Филипп Ватто был кровельщиком и плотником. Первые уроки живописного ремесла мальчик получил от местного престарелого живописца Жерэна. Однако учеба длилась недолго: скряга отец не захотел платить шесть турских ливров в год за учебу.
|
|
|
Около 1700 года Антуан ушел из родного города в Париж, сопровождая театрального художника Метейе. Он нанимается в живописную мастерскую на мосту Нотр-Дам, владелец которой организовал массовое изготовление и выгодный сбыт дешевых религиозных картинок. За тупую и изнурительную работу Ватто получал ничтожную плату и «тарелку супу ежедневно».
Антуану повезло встретиться с Жаном Мариэттом, торговцем картин и знатоком живописи. В доме Мариэттов он встретил своего первого настоящего учителя – Клода Жилло. У него молодой художник научился любить театр, которому впоследствии посвятил большую часть своего творчества.
Первая самостоятельная картина Ватто написана по мольеровским мотивам – это «Сатира на врачей».
В 1708 году Ватто уходит от Жилло и поступает помощником к художнику-декоратору Клоду Одрану. Вместе с учителем Антуан много работает над орнаментальными росписями, приобретая свойственную ему в дальнейшем легкость и точность рисунка. Одновременно он продолжает копировать и изучать произведения старых мастеров.
Мечтая попасть в Рим, Ватто поступает в Академию художеств. Но на конкурсе в Академии он получил лишь вторую премию, и в 1709 году он вернулся в Валансьенн, где взял в ученики Жана-Батиста Патера.
Ватто возвращается в Париж в 1710 году уже как крупный, творчески зрелый мастер. Основная тематика, которой он в это время посвящает свои произведения, – военная.
"Тягости войны" и "Военный роздых" относятся к числу лучших картин этой серии. В первой из них можно оценить мастерство художника в передаче состояния природы, внезапного вихря, гонящего клочья облаков, сгибающего деревья и раздувающего плащи всадников. Небольшие фигурки людей как будто не могут противостоять непогоде. Беспокойство пронизывает всю картину. Вторая сцена рисует настроение диаметрально противоположное: люди, измученные военной жизнью, наслаждаются отдыхом, одни блаженно растянулись под деревьями, другие закусывают в палатке маркитантки. Мягкое освещение летнего дня подчеркивает спокойствие обстановки».
|
|
|
Военные сцены выдвинули Ватто в число художников, пользующихся успехом. Особенным спросом картины пользовались у участников фламандских походов.
По приезде из Валансьенна Ватто поселился у торговца рамами и картинами Пьера Сируа, через него он познакомился с Пьером Кроза, королевским казначеем, миллионером и тонким знатоком искусства. Вероятно, в 1714 году Ватто принял предложение Кроза поселиться в его новом особняке. Там художник мог наслаждаться созерцанием великолепной коллекции картин, скульптур, рисунков, резных камней, там мог работать, не думая о хлебе насущном.
Одновременно с военной тематикой в творчество Ватто начинают прочно входить темы, связанные с жизнью театра и актеров. Художник сам создает мизансцены, декорации заменяет пейзажным фоном. Иногда это одинокая фигура музыканта, певца или танцора на фоне пейзажа: «Финетта», «Безразличный», иногда – несколько артистов или друзей художника в театральных костюмах: «В одежде Мецетена», «Актеры итальянской комедии»
Живя у Кроза, художник мог наблюдать театральные постановки на лоне природы, модные в то время в столице развлечения вельмож, концерты, пантомимы, маскарады. Этими впечатлениями навеяны самые поэтические произведения Ватто – «Галантные празднества». В картине "Общество в парке" нарядные девушки и юноши мирно беседуют, точно зачарованные поэтической красотой природы, созвучной их настроению. В пейзаже царит задумчивая тишина, и персонажам Ватто не свойственны бурные проявления чувств. Сосредоточенные в себе, они движутся в замедленном ритме, по едва заметным полуулыбкам, взглядам, незавершенным движениям можно лишь догадываться об их переживаниях».
В 1717 году Ватто году пишет одну из лучших своих картин – «Паломничество на остров Киферу». За нее в том же году художник получил от Королевской академии специально для него придуманное звание «художника галантных празднеств».
|
|
|
Образ произведения чрезвычайно музыкален. Кажется, в композиции картины исполняется какой-то медленный танец, в ритме которого дамы и кавалеры движутся по склону холма к ладье, которая должна доставить их на Киферу. Каждый жест, поворот головы, выражение лиц передают тончайшие оттенки переживаний. Художник не стремится к индивидуализации образов, его герои и героини внешне похожи. Лирик по преимуществу, он ставит своей задачей воссоздать мир эмоций, показать их зарождение и развитие, их тончайшие нюансы.
К 1718 году относится великолепная картина Ватто – «Капризница», чрезвычайно показательная для мастера утонченной эмоциональностью образа, точным и изысканным рисунком, гармонией колорита. В конце 1719 года Ватто едет в Англию. Здесь он вновь пишет театр – картину «Итальянские актеры», одну из последних своих театральных композиций. Актеры стоят перед зрителями, будто прощаясь с ними, словно отдавая последний поклон после последнего акта живописной пьесы художника.
В последний год жизни он создал свои самые значительные картины: «Жилля», «Портрет скульптора Патера», «Вывеску Жерсена» и свои самые лучшие рисунки.
Одиночество, печаль, неудовлетворенность с особенной силой воплощены художником в образе «Жилля» (около 1720 г.). Напряженно-неподвижная поза, безвольно опущенные руки, бледное лицо, грустный взгляд убедительно раскрывают состояние его души, в которой живут одиночество, печаль, неудовлетворенность. Блестящий финал творчества Ватто – «Вывеска Жерсена». За семь коротких сеансов художник создал настоящий шедевр!
Впервые в живописи Ватто мир искусства отделился от мира реального, и реальные люди из плоти и крови впервые показаны в прямом взаимодействии с выдуманным, живописным миром.
Ввтто умер в окрестностях Парижа в1721 году. «Он кончил свою жизнь с кистью в руках», – написал о нем один из друзей.
|
|
|
Творчество Ватто открыло новые пути к художественному познанию современной жизни, к обострённому восприятию лирических настроений и поэзии природы; по своему содержанию оно шире и богаче искусства рококо, в развитии которого наследие Ватто.
46. Франсуа Буше.
Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере.
Франсуа Буше (1703-1770), французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Самым известным из его учителей был Франсуа Лемуан. В 1723 Буше получил гран-при Королевской академии и в 1727 отправился на четыре года в Италию. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо.
В 1734 Буше стал членом Королевской академии, с 1755 - директором Королевской мануфактуры гобеленов, а десятью годами позже - директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Умер Буше в Париже 30 мая 1770.
Буше - самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов, Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия «Крики Парижа» с изображениями уличных сценок. Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур.
Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений - картина «Туалет Венеры» (1740, Стокгольм, Национальный музей) и Портрет «мадам де Помпадур».
|
|
|
47. ЖАН-ОНОРЕ ФРАГОНАР: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ХУДОЖНИКА Жан Оноре Фрагонар (5 апреля 1732, Грасс — 22 августа 1806, Париж) — французский живописец и гравёр. СОДЕРЖАНИЕ Биография Жана-Оноре Фрагонара Творчество Фрагонара Интересные факты Картины Жана-Оноре Фрагонара Библиография БИОГРАФИЯ ЖАНА-ОНОРЕ ФРАГОНАРА Жан Оноре Фрагонар родился 5 апреля в 1732 году на юге Франции, в Граccе. Отец художника, Франсуа Фрагонар, был перчаточником. Дела его шли плохо: он попробовал вложить капитал в новое прибыльное дело и разорился. Неудачи заставляют его переехать вместе с семьей в Париж. Подростка сына, Жана-Оноре, устраивают вначале в качестве младшего служащего в контору нотариуса, но он работает там очень неохотно. Тогда в семье решают выполнить его заветное желание — отдают на обучение к живописцу. Так советует и хозяин его, нотариус, заметивший склонность юноши к рисованию. Перейти от нотариуса к художнику во французской ремесленной среде XVIII века — значило лишь изменить специальность, решиться иным способам зарабатывать себе на жизнь. Учился в Париже у Шардена, Буше, Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея — Лувра. В 1793 году Фрагонар уехал из Парижа в Грасс. В начале XIX века он вернулся в Париж, где умер в 1806 году, почти полностью забытый. ТВОРЧЕСТВО ФРАГОНАРА В 1752 за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII века Бароччо, Солимена, Пьетро да Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Юбером Робером, он совершил вместе с ним и с любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 года картину: «Смерть Кортеса» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены. Однако вскоре после того он прекратил заниматься историческим родом живописи и, последовав вкусам эпохи, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он заработал хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, новый стиль во французском искусстве, основанный Жаком-Луи Давидом, лишил его прежней популярности. В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенной и приукрашенной; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретённой композицией, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения. К числу известнейших принадлежат: «Урок музыки», «Пастораль» (амуры указывают отдыхающим под деревом любовникам на циферблат), «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» (La chemise enlevee), «Молодой гитарист», «Молодая читательница» и «Вдохновение», в Луврском музее; «Семейство фермера» и «Поцелуй украдкою», в Эрмитаже; «В отсутствии отца и матери», «Прятки», «Замок», «Генрих IV и Габриэль» и «Учёные собаки», в разных частных коллекциях. Из гравюр Фрагонара особенно интересны: «Шкаф» (родители девушки находят возлюбленного дочери, спрятанного в шкафу, собственная композиция художника; очень редкий лист), «Обрезание» с Тьеполо, «Антоний и Клеопатра», с Либери, «Вечеря в Эммаусе», с Риччи, и «Сретение Господне», с Тинторетто. ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ В честь Жана-Оноре Фрагонара названы фабрика и музей духов Fragonard. Фабрики расположены в Грассе и в Эзе, также музей в Париже.Знаменитая картина «Качели» Фрагонара хранится в Собрании Уоллеса, Лондон. Этот частный музей по своим размерам невелик, однако его коллекция французского искусства XVIII века считается лучшей в мире.Музей Фрагонара (Musée Fragonard), Грас. В Грасе художник родился и жил до 6 лет, а в сознательном возрасте приезжал сюда и недолго прожил в этом доме. В музее размещена большая коллекция работ Жана-Оноре Фрагонара. Сам дом построен в XVII веке.
Творчество Жана Оноре Фрагонара
известный французский художник второй половины 18 в., блестящий живописец и рисовальщик, тонкий колорист; работал над гравюрой и занимался оформлением книг. Оставил большое наследие (ок. 500 картин и ок. 1000 рисунков), работал в бытовом жанре, писал галантные сцены, пейзажи, портреты.
Фрагонар родился в 1732 в г.Грас в семье перчаточника. Переехав в Париж, он в 1747 поступил в мастерскую Ж.-Б.С.Шардена (1699–1779), художника, работавшего в бытовом жанре и жанре натюрморта. Проучившись у Шардена 6 месяцев, Фрагонар перешел в мастерскую Франсуа Буше (1703–1770), художника яркого декоративного дарования стиля рококо, чье творчество стало отправной точкой в развитии творчества Фрагонара.
В 1752 Фрагонар написал картину на библейскую тему Иероним поклоняется идолам для представления ее в Академию художеств и получил премию. Следующие 3 года он занимался в Королевской школе при Лувре, возглавляемой К.Ван Лоо (1705–1765), мастером исторической живописи и автором росписей в королевских дворцах. В 1756 Фрагонар едет на стажировку в Рим, откуда он возвращается в Париж в 1761.
Поцелуй украдкой
В 60–70-е годы он писал много и интенсивно: картины с видами Италии (Сады виллы д'Эсте, 1765, Лондон, Коллекция Уоллес), галантные сцены (Прачки,1756–1761, Руан, Музей искусств; Поцелуй украдкой, 1780, С.-Петербург, Эрмитаж), композиции на темы поэмы Торквато Тассо (Явление призрака Армиды в заколдованном саду, 1761–1765, частная коллекция), портреты. Для вступления в Академию художеств Фрагонар создал картины в историческом жанре (Жрец Корез жертвует собой для спасения Каллирои, 1765, Париж, Лувр), получил звание академика, а его картина была приобретена для собрания короля Луи XV.
Великая французская революция явилась завершением эпохи рококо в искусстве, на смену ей пришел строгий классицизм. С 1792 по 1797 Фрагонар, получив место в музейной комиссии, занимался сохранением сокровищ Лувра, превращенного из королевской коллекции в Национальный музей искусства. Особое выделяется его работа по формированию луврского Кабинета рисунков. С 1797 он отошел от этой деятельности. Скончался 22 августа 1806.
Среди декоративных картин Фрагонара следует назвать серию из пяти больших панно вертикального формата, которую иногда называют Стадии любви. Серия была заказана в 1770 мадам Дюбарри и находится сейчас в коллекции Фрик в Нью-Йорке. В этих панно особенно хорошо видны черты зрелого стиля мастера: вместо четких контуров, как у Буше, – широкие скользящие мазки и свободно положенные пятна цвета. Фрагонар одновременно использует и светлые жемчужные оттенки палитры Буше, и резкие пламенные красные тона. Это позволяет ему достигать удивительных световых эффектов: свет оживляет поверхности и практически растворяет формы. В его картинах гораздо более смелый декоративный ритм, чем у Буше. Динамичные изящные линии, очерчивающие фигуры персонажей, повторяются в вихрящихся контурах деревьев или облаков. Этот непрекращающийся бег линий вместе с ритмическим чередованием ярко освещенных и погруженных в тень поверхностей придает полотнам Фрагонара декоративное единство. В панно Встреча художник искусно противопоставляет почти игрушечные фигурки влюбленных и роскошную растительность вокруг них, а в выразительной «реакции» Венеры и Амура – статуй из скульптурной группы, поставленной в саду среди деревьев, – чувствуется легкая насмешка.
Подобные картины принадлежат к числу наиболее популярных произведений Фрагонара; однако его творчество гораздо более разнообразно, чем это может показаться на первый взгляд. Склонность к декоративности, тонкое чувство света и цвета, умелая передача движения, а также высочайшее мастерство исполнения всегда остаются характерными чертами его произведений, в каком бы жанре он ни работал.
Девочка в постели, играющая с собачкой
Иногда юмор Фрагонара сродни сатире Вольтера. Возможно, не без влияния последнего художник выполнил цикл больших декоративных панно Четыре мировые религии. В рисунках Фрагонара к роману Сервантеса Дон Кихот иБасням Лафонтена, созданных во время Великой французской революции или незадолго до нее, присутствует тот же критический дух.
В произведениях Фрагонара встречаются почти все галантные мотивы живописи 18 в.: обнаженные купальщицы, подобные речным божествам (Купальщицы, 1761–1765, Париж, Лувр), страстные любовные объятия (Желанное мгновение, 1770–1773, частное собрание), любовные сценки, часто напоминающие жанровые пикантные картины (Коронованный любовник, 1771, Нью-Йорк, Коллекция Фрик;Игра в жмурки, 1748–1752, Толедо, Музей искусств). Почти все картины художника – небольшие по размерам, часто имеют овальную форму. Стилю Фрагонара свойственна внутренняя свобода, смелость обобщения формы, основанная на цвете, богатстве цветовых оттенков. Он передавал красочность реального мира, использовал теплую золотистую гамму, игру света, тонкость свето-воздушных эффектов (Счастливые возможности качелей, 1766, Лондон, Коллекция Уоллес). В 1771 он создал серию из четырех панно Любовь пастухов, в 80-е – серию аллегорических композиций Фонтан любви, Поклонение розе и др.Портрет – интересная и обширная область творчества Фрагонара. Серия портретов (1761–1765), т.н. «экспрессивные головы», – обращение к изображению старцев, напоминающих библейские персонажи. Близкие по манере к произведениям Рембрандта, эти картины олицетворяли темпераменты, возрасты, и были чрезвычайно эмоционально насыщенны: Голова лысого старика (Амьен, Музей Пикардии), Читающий Св. Иероним (Гамбург, Кунстхалле). Позже он писал портреты современников, тонко передавая их эмоциональные состояния: Портрет Сен-Нона в испанском костюме (1769, Париж, Лувр), Портрет Дидро (1765–1769, Париж, Лувр). Его кисти принадлежат т. н. фантастические портреты, в которых персонажи олицетворяют различные проявления творчества: Пение (1765–1769, Париж, Лувр),Читающая (ок. 1776, Вашингтон, Национальная галерея искусства), Художник(1765–1769, Париж, Лувр). В течение всей жизни Фрагонар не забывал жанр пейзажа: Две ветряные мельницы (1761–1765, частное собрание); с 1770 по 1773 он создал серию пейзажей с изображением парков Парижа и окрестностей:Праздник в Рамбуйе (1770–1773, Лиссабон, Фонд Гульбекяна). Фрагонар был виртуозом в графике, использовал тушь, акварель, итальянский и свинцовый карандаши, обращался к сангине, бистру, создавал офорты: Большие кипарисы виллы д'Эсте (1760-е, Вена, Альбертина), книжные иллюстрации к произведениям Жана де Лафонтена (1621–1695) и поэта Ренессанса Лодовики Ариосто (1474–1533), участвовал в издании, посвященном Неаполю и Сицилии, выполнив рисунки для гравюр.
Последние годы жизни художник провел в безвестности и нищете. Умер Фрагонар в Париже в 1806.
Творчество Фрагонара завершило собой французское искусство 18 в.
Творчество Фрагонара.
Жан Оноре Фрагонар, французский живописец, график и гравер.
Учился сначала у Жана Батиста Шардена, затем у Франсуа Буше в Париже. В 1752 году за картину "Жертвоприношение Иеровоама" получил большую премию с правом путешествия в Рим в качестве пенсионера французского правительства. В 1756 - 1761 годах работал в Италии, где исполнил циклы пейзажных рисунков (окрестности Рима и Неаполя). В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII столетия Бароччо, Солимена, П. да-Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Гюбером Робером, он совершил вместе с ним и талантливым любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: "Voyage de Naples et de Sicile", в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром.
По возвращении своем в Париж он выставил в салоне 1765 года картину "Смерть Кореза", за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены. Однако вскоре после этого он бросил исторической род живописи и, подчинившись вкусу того времени, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Продолжая традиции "галантного" жанра Буше, порой отдавая дань условности и изощрённости рококо, Фрагонар вместе с тем достигал особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной (в т. ч. народной) жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Произведения его вошли в большую моду и покупались нарасхват по высокой цене, благодаря чему он успел составить себе хорошие средства. Отличающиеся свежестью и изысканной декоративностью колорита, лёгкостью и темпераментностью письма, плавными композиционными ритмами, произведения Фрагонара исполнены чувствительной неги, полнокровного наслаждения жизнью ("Качели", 1766 г., собрание Уоллес, Лондон, "Праздник в Сен-Клу", 1775 г., Французский банк, Париж; "Купающиеся наяды", Лувр, Париж), пронизаны чуть заметной насмешкой над жеманным томлением персонажей ("Поцелуй украдкой", Эрмитаж, Ленинград) или согреты искренним, несколько сентиментальным сочувствием судьбе героев ("Бедное семейство", Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва; "Дети фермера", Эрмитаж, Ленинград). Утончённые эффекты светотеневой градации характерны для его многочисленных рисунков (сангиной, бистром, реже - сепией) и офортов.
Во время Великой французской революции Фрагонар - хранитель Национального музея и член жюри художественных выставок. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, водворенный во французском искусстве Давидом, лишил его прежней популярности.
В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности. В его пейзажах природа является слишком переиначенной и приукрашенной; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретенной композицией, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения. К числу известнейших произведений принадлежат: "Урок музыки", "Пастораль" (амуры указывают отдыхающим под деревом любовникам на циферблат), "Купальщицы", "Спящая нимфа", "Амур, снимающий сорочку с красавицы" ("La chemise enlevee"), "Молодой гитарист", "Молодая читательница" и "Вдохновение", в Луврском музее; "Семейство фермера" и "Поцелуй украдкой", в Императорском Эрмитаже; "В отсутствии отца и матери", "Прятки", "Замок", "Генрих IV и Габриэль" и "Ученые собаки", в разных частных коллекциях. Из гравюр Фрагонара особенно интересны: "Шкаф" (родители девушки находят возлюбленного дочери, спрятанного в шкафу, собственная композиция художника; очень редкий лист), "Обрезание" с Тьеполо, "Антоний и Клеопатра" с Либери, "Вечеря в Эммаусе" с Риччи, и "Сретение Господне" с Тинторетто.
48. Творчество Жана Батиста Греза
Жан-Батист Грёз (фр. Jean-Baptiste Greuze; 1725, Турню, Бургундия - 1805, Париж) - знаменитый французский живописец и рисовальщик второй половины XVIII века, один из крупнейших представителей искусства эпохи Просвещения. Родился в семье кровельщика и рано проявил склонность к рисованию. Художественному ремеслу учился в Лионе у Ш. Грандона. В 1750 году приехал в Париж и поступил в мастерскую исторического живописца Ш. Ж. Натуара. В 1755 году выставил в Салоне несколько портретов и целый ряд жанровых композиций, в которых впервые прозвучала дидактическая интонация, ставшая впоследствии отличительной особенностью его произведений («Отец семейства читает Библию своим детям» — Париж, частное собр.; «Обманутый слепец» - Москва, ГМИИ). В 1755 году Жан-Батист Грёз был причислен к Королевской Академии живописи и скульптуры, представив в качестве morceau d'agrement композицию «Маленький лентяй» (Монпелье, Музей Фабра) и в сентябре этого же года отправился вместе с богатым меценатом аббатом Гужено в Италию, где посетил Рим, Флоренцию, Болонью, Парму, Милан, Неаполь. Итогом путешествия явилась серия гравюр с изображением девушек в национальных костюмах разных провинций и несколько картин на итальянские темы. После возвращения на родину в 1757 году Грез много и плодотворно работал и регулярно, вплоть до 1769 года, выставлялся в парижском Салоне. В 1759 году он вступил в брак с Анной Габриэлой Бабюти, дочерью книготорговца, но семейная жизнь художника не сложилась. В 1767 году, когда предполагалась поездка Греза в Россию, Д. Дидро писал Э. М. Фальконе: «...его жена... одно из самых опасных созданий, какие только существуют на свете; я не приду в отчаяние, если в один прекрасный день императрица сошлет ее в Сибирь». Ранние произведения Жана-Батиста Грёза, выполненные в реалистической манере, отмечены настолько сильным влиянием голландских и фламандских мастеров XVII века (сюжеты, трактовка образов, живописный стиль), что современники сравнивали художника с Рембрандтом и называли «соперником» Д. Тенирса и А. Браувера. Однако в 1755-1761 гг. Грез создал целый ряд жанровых композиций, в которых стремился возвысить бытовую сцену до уровня исторической живописи. Одним из характерных примеров является картина «Женщина, читающая письма Элоизы и Абеляра» (ок. 1758-1759, Чикаго, Художественный институт), свидетельствующая о внимательном изучении Греза творчества П. П. Рубенса и А. Ван Дейка. Сюжет картины был в духе времени: история несчастной любви Абеляра и Элоизы пользовалась в Париже особой популярностью в конце 1750-х. В 1761 году вышел в свет роман Ж. Ж. Руссо «Юлия, или Новая Элоиза» — вершина европейского сентиментализма. Главная тема творчества Греза — это бытовые сцены с морализирующим подтекстом, который содержится, как правило, в самих названиях работ: «Балованное дитя, или Плоды дурного воспитания» (нач. 1760-х), «Паралитик, или Плоды хорошего воспитания» (1763, оба — Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж). Смысл нравоучения раскрывается через жесты и мимику персонажей, а также посредством многозначительных второстепенных деталей. Некоторые произведения Жана-Батиста Грёза представляют собой сентиментальные мелодрамы, другие носят идиллический характер («Первая борозда», написанная по заказу П. А. Шувалова, поклонника философии Ж. Ж. Руссо, - 1801, Москва, ГМИИ), однако в каждой из них непременно содержится сентенция.
Жанровые композиции Греза - это картины-рассказы, картины-спектакли, в которых всегда есть назидание или поучительный пример. Воспевая достоинства и добродетели третьего сословия (трудолюбие, бережливость, умеренность, материнская забота, супружеская верность, семейное согласие), Грез развивал отчасти тематический репертуар Ж. С. Шардена. Однако Шарден делал это ненавязчиво, деликатно, тогда как Грез - с преувеличенным пафосом и назойливо (театрализованные мизансцены, патетические позы, акцентированная мимика). При сравнении Жана-Батиста Грёза с Шарденом особенно очевидны нарочитая искусственность первого и необыкновенная искренность и простота второго. В целом живопись Греза носит литературно-описательный характер. Не случайно художественные критики утверждали, что по его картинам можно писать романы. Изображая разнообразные жизненные коллизии, Грез рассказывал о них подробно и обстоятельно. Его картинам присущи занимательная повествовательность и анекдотическая развлекательность. Вместе с тем они не лишены тонкой реалистической наблюдательности. Современник эпохи Просвещения, разделявший идеи энциклопедистов, Жан-Батист Грёз создал на протяжении творческого пути целую серию произведений, посвященных проблемам воспитания и взаимоотношений родителей и детей. Одна из самых знаменитых картин Греза - «Деревенская помолвка» (1761, Париж, Лувр), написанная по заказу брата мадам де-Помпадур маркиза де Мариньи, главного покровителя художника в течение 1750-1760-х гг.. Фрагмент «Деревенской помолвки» воспроизведен на «Портрете А. Ф. Пуассона, маркиза де Мариньи» кисти А. Рослина (1762, частное собр.). После смерти де Мариньи (1781) картина по совету академика Ш. Н. Кошена и первого живописца Людовика XV Ж. Б. М. Пьера была приобретена Людовиком XVI. «Деревенская помолвка» произвела подлинную сенсацию в Салоне 1761 года и, по словам «Mercure de France», «привела весь Париж в Лувр». Изобразив событие из частной жизни сельской семьи, Грез воплотил в этом произведении просветительский идеал социального миропорядка (семья как основа единства и нравственного здоровья общества). Привлекательность «Деревенской помолвки» объяснялась не только общедоступной ясностью ее содержания (подписание брачных документов и вручение приданого), но и живописными качествами (четкая, рационально упорядоченная композиция, подчеркнутая статуарность фигур, экспрессивная мимика персонажей). Убедительное правдоподобие изображенной ситуации и ее натуралистическая трактовка заставляли зрителей сопереживать героям, словно это их родственники или друзья. Вместе с тем колоссальный успех «Деревенской помолвки» был обусловлен также ее дидактикой в духе нового сентименталистского романа и новой идеологии энциклопедистов (светская концепция брака, рассматривавшегося главным образом как гражданский акт, а не сакральное религиозное таинство, «договор с Богом»).
|
|
|
