Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779)

Шарден. Автопортрет
Шарден сознательно избегал сюжетов, свойственных искусству его времени. В основном он писал натюрморты и бытовые сцены, но в них выражал свои собственные наблюдения. Его интересовала жизнь людей «третьего сословия» (все группы населения за исключением привилегированных: духовенства и дворянства).
Деятельность Шардена-художника продолжила традиции голландских и фламандских мастеров и представляла собой расцвет реализма в XVIII в. Даже натюрморт у него был аспектом для изображения реальности. Самые обычные предметы становились для него источниками композицией для изображения гармонического бытия: кувшины, старые кастрюли, овощи и т.д.

Шарден «Скат» (1728). Лувр (Париж)
Художник умел в совершенстве передавать цветовое разнообразие, чувствовал внутреннюю взаимосвязь предметов. Маленькими мазками он передавал оттенки цвета, владел умением включать в изображение влияние солнечных лучей.
Обратившись к жанровой живописи, к обычным домашним сценам, Шарден воссоздал на полотне спокойный, размеренный уклад повседневной жизни, близкий каждому человеку. Именно такие картины укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он стал членом парижской Академии художеств, в 1743 г. – её советником; позже стал членом руанской Академии наук, словесности и изящных искусств.
Он одухотворял самые обыденные предметы и занятия: «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760), «Атрибуты искусств» (1766).

Шарден «Натюрморт с атрибутами искусств» (1766 г. Государственный Эрмитаж (Петербург). Картина выполнена по заказу Екатерины II для строившегося в Петербурге здания Академии художеств
Д. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»

Шарден «Мыльные пузыри» (1733-1734). Национальная галерея искусства, Вашингтон (США)
Своеобразный сплав «галантной» живописи и бытового жанра отличает творчество Жана Оноре Фрагонара.

Жан Оноре́ Фрагона́р (1732-1806)

Французский живописец и гравёр. Работал в стиле рококо. Автор более 550 картин (не считая рисунков и гравюр).

Ж.О. Фрагонар. Автопортрет (ок. 1760-1770)
Был учеником Ф. Буше и Ж.Б.С. Шардена. Первоначально увлекался исторической живописью, а затем стал писать в духе Ватто и Буше. Нередки у него сцены интимной жизни, эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели. Занимался и офортным гравированием.
Но в эпоху классицизма потерял популярность.

Ж.О. Фрагонар «Задвижка» (1777). Лувр (Париж)
На картине изображена любовная сцена: кавалер, не отрывая взгляда от дамы, правой рукой тянется к двери, на которой он закрывает верхнюю задвижку. Левая рука дамы как бы повторяет это движение. На столике лежит яблоко, библейский символ искушения и грехопадения.
В исторических картинах Фрагонар мало оригинален. Его пейзажи довольно приукрашены. Зато жанровые картины художника отличаются искусной композицией, изяществом рисунка, нежным колоритом и тонким вкусом: «Урок музыки», «Пастораль», «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы», «Молодой гитарист», «Поцелуй украдкой».

Ж.О. Фрагонар «Поцелуй украдкой». Эрмитаж (Петербург)
В середине XVIII в. французское Просвещение выдвинуло классические идеалы средства воспитания. В живописи появилось сентиментально-нравоучительное направление, в котором выделился художник Жан-Батист Грёз.

Жан-Батист Грёз (1725-1805)

Ж.-Б. Грёз. Автопортрет
Особенно Грёз преуспел в жанре семейного быта с его проблемами и драмами – здесь у него мало соперников во французской живописи.

Ж.-Б. Грёз «Отцовское проклятие» (1777). Лувр (Париж)
На картине изображена сцена семейной драмы, когда сын объявляет отцу о своём уходе в армию, а отец проклинает его.
Как портретист он тоже был на высоте, т.к. понимал портретную живопись иначе, чем его современники, которые изображали мужчин Аполлонами, а женщин – Флорами и Венерами. Его портреты полны внешнего сходства, наполнены жизнью и чувствами.

Ж.-Б. Грёз «Портрет девушки». Национальный музей искусств Азербайджана
В петербургском Эрмитаже находятся 11 произведений Грёза.
Во Франции XVIII в. возрос интерес к природе и пейзажной живописи. Характерную для неоклассицизма разновидность пейзажа («архитектурную фантазию») создал Юбер Робер.

Юбе́р Робе́р (1733-1808)

Виже-Лебрён, Мари Элизабет Луиза. Портрет Юбера Робера (1788) Лувр (Париж)
Французский пейзажист; получил европейскую известность габаритными холстами с романтизированными изображениями античных руин в окружении идеализированной природы. Его прозвищем было «Робер из Развалин».

Юбер Робер «Античные руины» (1754-1765). Будапешт

Жак-Луи Давид (1748-1825)

Ж.-Л. Давид. Автопортрет (1794)
Французский живописец и педагог, крупный представитель французского неоклассицизма в живописи. Чуткий летописец своего бурного времени.
Родился в семье оптового торговца железом. Воспитывался в основном в семье родственников. Когда у ребенка заметили способности к рисованию, предположили, что он станет архитектором, как и оба его дяди.
Давид брал уроки рисунка в Академии св. Луки. В 1764 г. родственники представили его Франсуа Буше, но из-за болезни тот не смог заниматься с юношей. В 1766 г. Давид поступает в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься в мастерской Вьена. В 1775-1780 гг. Давид обучался во Французской академии в Риме, изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.
В 1783 г. он был избран членом Академии живописи.
Активно участвовал в революционном движении, был избран депутатом Национального Конвента, примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Пишет ряд картин, посвящённых революционерам: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791, не закончена), «Смерть Марата» (1793). Также в это время организовывал массовые народные празднества и создал Национальный музей в Лувре.

Ж.-Л. Давид «Смерть Марата» (1793). Королевские музеи изящных искусств (Брюссель)
Это полотно является одной из самых известных картин, посвященных Великой Французской Революции.
Жан Поль Марат – журналист радикальной газеты «Друг народа», лидера якобинцев. Заболев кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, чтобы облегчить свои страдания, принимал ванны. 13 июля 1793 г. он был заколот ножом в своей квартире дворянкой Шарлоттой Корде.
Надпись на деревянной тумбе – авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид». В руке Марата зажат листок с текстом: «13 июля 1793, Мари Анна Шарлотта Корде – гражданину Марату. Я несчастна, а потому имею право на вашу защиту». На самом деле Марат не успел получить эту записку, т.к. Корде убила его раньше.
В 1794 г. заключён в тюрьму за революционные взгляды.
В 1797 г. стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона Бонапарта и с тех пор становится его пылким сторонником, а после прихода того к власти – придворным «первым художником». Давид создаёт картины, посвящённые переходу Наполеона через Альпы, его коронации, а также ряд композиций и портретов приближённых к Наполеону лиц. После поражения Наполеона в битве при Ватерлоо в 1815 г. бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.

Ж.-Л. Давид «Бонапарт на Сен-Бернарском перевале» (1801)
Эта картина Давида открывает эпоху романтизма в европейской живописи. Представляет собой сильно романтизированный конный портрет генерала Наполеона Бонапарта, в мае 1800 г. возглавлявшего переход Итальянской армии через перевал Сен-Бернар высоко в Альпах.
Романтический смысл картине придаёт и природный фон: крутые горные обрывы, снег, сильный ветер и непогода. Внизу, если приглядеться, можно увидеть высеченные имена трех великих полководцев, которые проходили этой дорогой: Ганнибал, Карл Великий и Бонапарт.

Ж.-Л. Давид «Коронация Наполеона» (1805-1808)
Полотно создано под впечатлением от картины Рубенса «Коронация Марии Медичи».
Похоронен Жак-Луи Давид в Брюсселе, а его сердце было перевезено в Париж и захоронено на кладбище Пер-Лашез.
В XVIII в. во Франции работали исторические живописцы Жан Жувене, Никола Коломбель, Пьер Сюблейра, портретисты Клод Лефевр, Никола Ларжильер и Гиацинт Риго.
В середине XVIII в. славилось семейство Ванло, в особенности братья Жан-Батист и Шарль и др. художники.

50. Французская скульптура XVIII столетия

1 - Классицизм в скульптуре

В начале XVIII века французское ваяние развивается в рамках классицизма и делает значительный рывок в художественной силе и естественности

Сила пластической передачи, старое французское качество, не изменило французам и в XVIII столетии. Нить предания не порвалась. Поколения даровитых скульпторов следовали одно за другим. Классицизм века Людовика XIV в скульптуре более ясно становится основой дальнейшего развития, чем в зодчестве. Если декорация рококо тоже состояла по большей части из скульптурной резьбы, часто с прибавлениями в роде божков любви, то в свободной пластике французов этой эпохи все движение рококо отражается лишь слегка и с колебаниями, да и переходы от рококо к неоклассицизму сказываются лишь в легких изгибах. В полной силе остается старинная привычка воплощать мысли и представления в аллегорических фигурах, особенно на надгробных памятниках. Вырастает склонность монархов осчастливливать даже провинциальные города своими медными конными или в рост портретами и склонность скульпторов создавать свободные произведения, ценные сами по себе. Большинство идеальных фигур французской скульптуры этого времени все же оставляет впечатление некоторой намеренности и манерности, но тем безупречнее является пластическое портретное искусство Франции, Лучшие французские скульптурные произведения XVIII века - портретные бюсты, дышащие изумительной свежестью и жизненностью. Именно в них становится обычным то высшее, техническое мастерство, которое, не только играючи выражает материю одежд, но и поверхность нагого тела передает с невиданной дотоле утонченностью и мягкостью.

Учеником Лоррена был Жан Батист Лемуан (1704-1778), которого Гонз все же называет истинным наследником манеры Кусту, - и в то же время "инициатором" нового искусства ваяния XVIII столетия. Его конная статуя Людовика XV в Бордо, к сожалению, уничтожена. Но в Лувре сохранилась бронзовая модель его памятника этого короля для Ренна. Повелитель, поднимаемый солдатами на щите, является здесь в виде древнеримского воина. Ваятелем идеальных фигур, еще затронутым слегка барочным настроением, является Лемуан в группе "Крещение Христа" в Сен Рош в Париже.

Из его превосходных, дышащих индивидуальной душевной жизнью портретных бюстов, отметим бюсты актрисы Клерон во французском театре, Реомюра в Ботаническом саду и архитектора Габриеля в Лувре.

Переживания бельгийской барочной скульптуры обнаруживает Себастьен Слодц (около 1655-1726 гг.), антверпенец, бывший в Париже учеником Жирардона. Его мощный, не особенно приятный мраморный Ганнибал стоит в Лувре. Его сын и ученик Мишель Слодц (1705-1765) принадлежит наполовину к римской школе. Закончив образование в академии вечного города, он исполнял фигуры святых и надгробные памятники для римских церквей, но в 1747 г. вернулся в Париж, где явилось его лучшее произведение - выполненный из мрамора и бронзы надгробный памятник аббата де Герзи в Сен Сюльпис. Коленопреклоненная фигура покойного в виде круглого медальона знаменита своим глубоким выражением набожной покорности.

Первым истинным классиком XVIII столетия считается Эдмон Бушардон (1698-1762), друг графа Кайлюса, идеалы которого он стремился осуществить. Его называют французским Фидием. От своего первого учителя Гильома Кусту он заимствовал больше плавной прелести в смысле французского XVIII столетия, чем вообще принято думать. Его восхитительный, оживленный мраморный Амур, вырезающий лук из палицы Геркулеса, находящийся в Лувре, стоял первоначально в круглом садовом павильоне Малого Трианона. Его лучшее произведение - водоем на улице Гренелль в Париже. Архитектурные и скульптурные формы являются здесь внутренне слитыми, а изображенные в виде рельефов с детьми "Времена года" по сторонам, хотя и выполнены более живописно, производят впечатление уже известных образцов, чего нельзя было ожидать от французского "Фидия". Великолепная, пропорциональная конная статуя Людовика XV работы Бушардона, украшающая Площадь Согласия, сохранилась только в виде маленькой бронзовой модели в Лувре.

С большим совершенством движется в русле своего времени Жан Батист Пигалль (1714-1785), учителями которого были Лоррен и Лемуан. Натуральная жизнь и искусственная оживленность, непосредственное восприятие и изысканная намеренность сочетаются в его искусстве. Удивительно натурально умеет он передавать нежную жизнь поверхности кожи, а некоторые мотивы движений в его произведениях шаловливо отражают дух времени. Первое мраморное произведение, выполненное им в Париже по возвращении из Рима, миловидный, оживленный душою и телом Меркурий, застегивающий сандалии, остается и теперь его шедевром. Один экземпляр стоит в Лувре, другой, с соответствующей статуей Венеры, в Потсдамском замке. Его мраморные группы "Любовь и Дружба" и "Мальчик с клеткой" в Лувре дышат прелестью жанра. Самые прекрасные мадонны его, с несколько внешним оживлением, украшают церкви Сен Эсташ и Сен Сюльпис в Париже. Из его полных жизни портретов следует отметить бронзовый бюст Дидро и мраморный бюст маршала Саксонского в Лувре. Статуя Людовика XV Пигалля в Реймсе заменена новой; сохранились только фигуры на цоколе, представляющие Францию в виде прекрасной молодой женщины и торговлю в виде мужчины индивидуального вида и полного жизни. Французский Институт (Institut de France) хранит его замечательную статую Вольтера, в виде совершенно нагого старца, сидя на скале, вдохновенно смотрящего в небо. В свои поздние годы этот мастер выполнил мощные надгробные памятники со множеством приличных для них аллегорических фигур, из числа которых памятник графа Гаркур в парижской Нотр-Дам всех страшнее представляет ужасы смерти, памятник маркграфа Людвига Вильгельма в приходской церкви в Баден-Бадене является наиболее барочным по своему общему впечатлению, но всех славнее памятник маршала Саксонского в церкви св. Фомы в Страсбурге, целиком рассчитанный на живописное впечатление и отличающийся обилием символических фигур и мощью фигуры полководца, сходящего твердым, полным жизненной силы шагом с высоты жизни в могилу. Надгробные памятники, в роде памятника Мазарини работы Куазево и Ришелье работы Жирардона, остались далеко позади этих произведений, и, еще в дни нашей молодости заклейменные как безвкусица, теперь снова превозносятся за свою бьющую через край силу.

Шурин Пигалля Габриель Кристоф Аллерген (1710-1795) является в своих мраморных произведениях, "Купальщице" и "Диане" Лувра, мастером более спокойного, хотя и более намеренного изящества. Этьен-Морис Фальконе (1716-1791; книга Эдм. Гильдебрандта), из луврских произведений которого "Божок любви" отражает всю прелесть стиля эпохи, а тонко прочувствованная "Купальщица" (1757) все же несколько жеманна, "Милон Кротонский" превосходит знаменитое произведение Пюже мощью движения и богатством линий, создал для России в своей прославленной конной статуе Петра Великого в Петербурге (с 1766 г.), изображающей скачущего коня на гранитной скале, поднявшегося на дыбы над обрывом, одно из грандиознейших изваяний века.

Важную роль во французской скульптуре играли далее Каффиери, из которых Жак Каффиери (1678-1755) был ловким декоративным и искусным портретным мастером. Из его сыновей Филипп Каффиери Младший (1714-1744) - мастер известных серебряных украшений собора Байё, а Жан Жак Каффиери (1725-1792), автор нежного и плавного, с оживлением склонившегося над урной, речного бога, известен главным образом своими портретами. Из бюстов, украшающих галереи Французского театра, семь - его работы. Особенно выразительны бюсты Ла Шоссе, Ротру и Жана Батиста Руссо.

Ряд выдающихся скульпторов, продолжавших работать и в начале XIX века, осуществил связь между различными эпохами в национальном ваянии. Так, Луи Мише (Клодион), специализировавшийся на легких декоративных мотивах, стал одним из родоначальников ампира

Из французских ваятелей XVIII столетия, переступающих в XIX, пленяют нас в особенности Пажу, Клодион и Гудон.

Огюстен Пажу (1730-1809) был ученикам Лемуана. Его Плутон с адским псом (1759) и мраморная статуя королевы Марии Лещинской в Лувре превосходные, но скучные статуи. Только в мраморной Психее и Вакханке того же собрания проявляется задорная, иногда несколько изысканная прелесть его зрелых творений. Прелестная утонченная натуральность его портретного искусства привлекательно сказывается в мраморных бюстах Бюффона и мадам Дюбарри в Лувре.

Зять Пажу Луи Мише, по прозванию Клодион (1738-1814), бывший с 1759 г. учеником Пигалля, занялся главным образом изготовлением миловидных, хотя несколько двусмысленных терракотовых изображений фавнов, нимф и т. п.; из того же настроения родилась его мраморная группа вакханок и его сатир в Лувре. Довольно знаменательно то, что возникшая в Севре фарфоровая мануфактура пригласила его на службу. Известна его ваза, украшенная играющими детьми, в Севре. Он выполнил много декоративных работ для парижских женщин. Его рельеф, длиною в десять метров, с триумфом Галатеи, Гонз видел во дворе одного дома на Вандомской площади. Менее счастлив был Клодион в более серьезных изображениях, каковы изнеженная св. Цецилия и Успение Марии (1777) в Руанском соборе. Поучительно, что в свои старческие годы, уже перейдя за порог XIX столетия, он еще содействовал повороту к стилю ампир. Его главное произведение в этом роде - рельеф, изображающий "Вступление в Мюнхен", на триумфальных воротах площади Карузель. Вкус эпохи оказался сильнее художника.

Значительнейший мастер этого ряда, Жан Антуан Гудон (1741-1828), которому Герман Диркс посвятил особое сочинение, дожил до второй четверти XIX столетия. Именно Гудон оказался сильнее нового стиля, который затронул его лишь слегка; именно он воплотил ту непрерывную традицию, которая сопровождает французскую скульптуру с конца XVI до начала XIX столетия; резче передавая природу, чем его предшественники, именно он предвещает XIX век. Его учителями были Мишель Слодц, Лемуан и Пигалль, главной же наставницей была природа. Юношеское произведение Гудона, св. Бруно в Санта Мария дельи Анджели в Риме - верный снимок с картезианского монаха, идущего задумавшись, скрестив руки и опустив лысую голову. Из его идеальных фигур, не лишенных некоторой сухости, следует отметить нежно выполненного мраморного Орфея (1777) и холодную, легко ступающую бронзовую Диану (1790) в Лувре, мраморное повторение которой принадлежит петербургскому Эрмитажу. Мировая слава Гудона основывается, однако, на его портретных бюстах; их он оставил около 200. Ряд этих мастерских произведений начинается в 1771 г. глиняным бюстом Дидро в Лувре; к последним, сделанным уже в XIX столетии, относится Наполеон дижонского музея. Все знаменитые современники позировали перед ним. Назовем еще бронзовые бюсты Жан Жака Руссо (1778) и Вольтера (1778), мраморные бюсты Обера, Бюффона и Вольтера (1778), глиняные бюсты Франклина, Лавуазье и Луизы Броньяр, гипсовые бюсты его жены и дочери, все в Лувре, Мирабо, Вольтера, Людовика XVI и Дюкенуа в Версальском музее, великолепного Сюффрена гаагского музея. Не знаешь, чему больше удивляться, мастерской технической обработке мрамора, изумительно наглядно передающей материю одежды, тело, волосы, поразительному "сходству" черт лица, или величавой передаче характера изображаемых лиц, отражающегося в их осанках и минах. Из его исторических идеальных портретов, воссозданных на основании деятельности изображаемого лица, портрет Мольера во Французском театре превосходит все остальные, Из портретов в целую фигуру наиболее известны мраморная сидячая статуя Вольтера там же, признанная Гонзом самым прекрасным из всех французских изваяний, и статуя Вашингтона на Капитолии в Ричмонде. Его последние статуи (1814), например Вольтер в римской одежде, ныне в подвальном этаже Пантеона, обнаруживают уступки вкусу времени. Они уже не стоят на высоте, постигающей душу творческой силы мастера. Гудон пережил свою творческую силу, но не свою славу, о которой будут возвещать века.

Скульптура французского классицизма 18 века.

В 17 веке одновременно сосуществовали два ведущих стиля: барокко и классицизм.

Классицизм –сложился сначала во Франции 17 века при короле-солнце Людовике XIV, а потомв 18 веке перерос в эстетическое направление всей европейской культуры.По содержанию, в отличие о барокко, это светское искусство.

В целом эстетика классицизма (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый)связана с философией рационализма, в ней разум ценился выше чувств. Рационалисты-классицисты занималисьпоисками универсальных законов и незыблемых правил искусства, основанных на изучении природы. Онипродолжилитрадицииантичности и итальянского Возрождения, которые были взяты за образец. В основе классицизма лежат идеи, выраженныефранцузским философом-рационалистом 17 века, математиком Рене Декартом. В 18 веке их развивал Дени Дидро - французский писатель, философ-просветитель и драматург, основавший «Энциклопедию, или Толковый словарь наук, искусств и ремёсел» (1751).Художественное произведение, с точки зрения классицизма, чтобы быть образцовым, должно строиться на основании строгих проверенных веками канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Задача искусства – следовать этим канонам.

Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное. В каждом явлении поэтому художник долженбыл стремиться распознать только существенные, типологические постоянныечерты, отбрасывая случайные индивидуальные временные признаки. Эстетика классицизма с ее стремлением создавать все образцовое и идеальное,претендующее на вечность, придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Оно становится нравоучительным, назидательным.

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (в литературе -ода, трагедия, эпопея; в изобразительном искусстве – религиозный, мифологический, исторический жанры, парадные портреты) и низкие (в литературе: комедия, сатира, басня, в изобразительном искусстве: пейзаж, натюрморт, бытовой жанр). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Классицизм опирался на античность как некий идеальный «золотой век», взяв его за эстетический образец.

Классицизм Франции 17 века.Архитектура.Столица Франции - Париж превращалась из города-крепости в город-резиденциюпостепенно. Облик Парижа теперь определяли не крепостные стены(Средневековья), в ансамбль улиц и площадей(Нового времени).История архитектуры дворца Лувр. Еще в 11 веке на месте нынешнего дворца располагалась средневековая крепость в романском стиле, служившая надежным оборонительным сооружением.В начале XIV века вокруг Парижа была возведена новая крепостная стена и прежнее массивное сооружение потеряло оборонительную функцию. Поэтому в 1317 году король Кaрл V (Charles V) приказал преобразовать крепость в новый Луврский замок - palaisduLouvre, который стал новой королевской резиденцией периода готики. Большая часть замка была снесена в 16 веке по приказу короля Франциска I, решившего построить новый королевский дворец по проекту архитектора Пьера Леско по канонам архитектуры эпохи Возрождения. Созданный им фасад Луврского дворца стал одним из наиболее зрелых образцов архитектуры Возрождения во всей Франции. В конце 16 века дворец был дополнен Большой галерей (Lesgrandegalerie), соединившей королевскую резиденцию с замком Тюильри (châteaudesTuileries). Длина Большой галереи Лувра составляет 442 м, а само сооружение состоит из нескольких выступающих павильонов, увенчанных покатыми куполами.

Расширение и переделка Луврского дворца продолжалось почти беспрерывно в течение следующих 300 лет – практически каждый новый правитель Франции стремился внести изменения в архитектуру существующей резиденции в соответствии с новой модой. Поэтому тысячелетняя история дворца Лувр для нас является иллюстрацией истории архитектурных стилей, сейчас это главный национальный художественный музей Франции.

В 17 веке тоже было решено перестроить восточный, обращенный к городу фасад королевского дворца Лувра в новом «большом стиле» Людовика XIV, ставшем основой классицизма, был объявлен конкурс проектов, в котором принял участие и знаменитый итальянский архитектор стиля барокко Лоренцо Бернини. Но победил проект именно француза Клода Перро в стиле классицизма, с прямыми линиями и строгим соблюдением пропорций. Восточный фасад Лувра (1).

Однако король-солнце быстро потерял интерес к Лувру - старой резиденции, доставшейся ему в наследство. Ему хотелось новую собственную, целиком иполностью в «большом стиле». Так появилась огромная загородная резиденция - Версаль (2).

Версаль - вершина архитектуры классицизма. Этоне уединенный уголок, где монарх отдыхал от мирской суеты на лоне природы, а напротив - парадная резиденция французских королей недалеко от Парижа, наводненная людьми. Когда-то в прошлом в этом месте стоялнебольшой королевский охотничий замок -местность болотистая и изобиловала птицей. Там и решено было развернуть строительство жемчужины классицизма. В процессе был изменен рельеф местности, осушены болота, выселены жители окрестных деревень.

Версальский дворцово-парковый ансамбль имеет четкую планировку и отличается особой масштабностью. В парке царит строгий порядок: деревья должны быть одинаково подстрижены, так же как и кустарники, форма крон - одинаковые геометрические фигуры. Аллеи пересекаются под прямым углом, цветники и бассейны так же образуют строгие геометрические фигуры. Такой парк называется регулярным.

Идея регулярной планировки пришла из эллинизма, когда строились регулярные городаприАлександре Македонском, и была использована при создании регулярных садов в Италии в эпоху Возрождения с живописными террасами, а затем с особой пышностью переосмыслена во французском классицизме. Мода на регулярные парки быстро распространилась из Франции в другие страны, поэтому такой тип парка получил еще одно название – французский. С 17 века выражение французский регулярный парк стало общеизвестным термином.

В создании Версаля участвовали признанные таланты: архитекторы Луи Лево, Жюль Мансар и декоратор садов и парковАндре Ленотр. По их замыслу, к Большому дворцу – главной части комплекса – сходились три главных дороги Франции: средняя вела к Парижу, а две боковых - к загородным дворцам и затем в отдаленные провинции. Так на уровне планировки была заложена идея о том, что Версаль – центр французского государства. Вот почему выбор пал именно на это место. Даже сам король захотел участвовать в этом строительстве. Он не только выдвигал общие требования касающиеся «большого стиля», но и собственноручно планировал расположение фонтанов в парке, принимал участие в выборе мрамора, определял сюжеты для росписей интерьера. Все постройки были оформлены в стиле классицизма: фасады зданий (корпусов дворца) делились на три яруса. Нижний отделан рустом, средний – самый высокий и значимый – заполнен арочными окнами, между которыми располагались колонны и пилястры– вертикальные выступы стены, обычно имеющие базу и капитель, и тем самым условно изображающие колонну.Верхний ярус укорочен и завершен балюстрадой– периллами из фигурных столбиков, и скульптурными группами, создающими ощущение пышного убранства. Фасад версальского дворца (1).

Огромное значение в общем ансамбле придавалось парку. Ленотр отказался от сложных фонтанов и каскадов в стиле барокко. Бассейны Версаля четкой геометрической формы и что важно- с зеркально гладкой поверхностью. Каждая аллея завершается водоемом. В конце Королевской аллеи располагается фонтан Аполлона и канал. С образом Аполлона, древнегреческого бога света, покровителя искусств и предводителя муз, связаны многие композиции в Версале. С ним ассоциировал себя Людовик XIV.

Версальский парк ориентирован по классической оси «восток-запад», поэтому, когда восходит солнце и его лучи отражаются в глади воды, возникает удивительная игра света.

Планировка парка связана с архитектурой: аллеи являются продолжением залов дворца. Главная идея ансамбля – создать мир, где все взаимосвязано и подчинено общим законам света разума и гармонии.

Версаль был богато украшен скульптурой. Один из ее создателей – Франсуа Жирардон, пройдя обучение в Риме у Бернини, значительную часть жизни посвятил оформлению Версальского парка, в его произведениях соединились черты классицизма и барокко. В отличие от Бернини, который изображал накал страстей – драматизм столкновения героев, Жирардон создавал красивые композиции фигур, продуманные скульптурные ансамбли, которые эффектно смотрятся с любой точки зрения. Таковы его скульптурные группы «Аполлон и нимфы» (1), «Похищение Прозерпины» (2).

Композиционным ядром и центром дворцово-паркового ансамбля Версаля были Апартаменты Короля. Они представляли собой анфиладу комнат, окна которых выходили в Мраморный двор. Здесь находилась королевская спальня, кабинет Совета, два зала и лоджия – все на одной оси. Такой анфиладный принцип характерен для архитектуры 17 века – барокко и классицизма.

Помещения, расположенные анфиладой (смежные комнаты, при открытых дверях образующие коридор), удобны для публичных приемов, балов и многолюдных собраний, но не для обыденной жизни, ведь здесь большинство комнат смежные, проходные.

Но Людовика XIVэто не стесняло, поскольку по его же замыслу центр дворца – это парадная спальняс роскошной кроватью, вокруг которой разыгрывалась утренняя церемония пробуждения короля-солнца, своеобразная «встреча рассвета». В церемонии участвовали самые высокородные аристократы. Они выстраивались в длинную цепочку, передавая друг другу предметы королевской одежды. Наибольшей чести удостаивался тот, кто завершал эту цепочку и одевал короля. Помимо участников церемонии пробуждения, в королевской спальне могли присутствовать и просто зрители: доступ в Версаль был открытым. Кровать имела прямоугольную форму и пышно декорировалась колоннами с балдахином из дорогой парчи и плюмажами из страусовых перьев. Театрализованность жизни пронизывала буквально всё.

Руководящая роль Королевской Академии архитектуры (с 1671 г). Примеры архитектуры и интерьеров периода абсолютизма - дворцы Парижа — Лувр, Тюильри, Пале-Рояль и Люксембург, а также загородные резиденции королей, дворцово-парковые ансамбли — Версаль, Большой и Малый Трианоны, Марли, Сен-Жермен, Сен-Клу, Мёдон, Булон, Шуази-ле-Руа, Рамбуйе и Фонтенбло. У каждого- своя интересная история.

Версаль как регулярный садово-парковый ансамбльпослужил образцом для создания загородных резиденций королей и в других странах. Каждый монарх захотел иметь у себя что-то подобное. Не стали исключением и российские государи. Задумывая Петергоф, Петр Iмечтал создать «свою Версалию».

Новые дворцы отразили черты всех новых направлений в искусстве Франции 17-18 вв.: в архитектуре – классицизма, в интерьерах – в 17 веке барокко, а затем в 18 веке рококо.

Классицизм в живописи Франции 17 века. Франция – страна абсолютизма, пошла в искусстве 17 века своим самобытным путем. Поэтому там был расцвет национальной культуры: литературы, драматургии, архитектуры, изобразительного искусства. Ведущий стиль французского искусства 17 века – классицизм, в отличие от других стран, переживавших расцвет барокко. В классицизме сложились принципы, которые все художники были обязаны соблюдать. Для картины был обязателен сюжет, причем он должен содержать серьезную духовно-нравственную идею, способную благотворно воздействовать на зрителя:такие сюжеты брали из истории, мифологии и БиблииХарактерные черты: гражданственность, героический пафос, пластическая гармония и ясность.Главными были рисунок и ясная композиция, цвет считался второстепенным.

Никола Пуссен (1594-1665) - величайший художник Франции 17 века, проживший большую часть жизни в Италии. Творческиподходил к традициям античности и Возрождения. Сочетал рационализм и эмоционально-чувственное начало, понимал, что художнику-живописцу одной логикой не обойтись. Об этом его своеобразное творческое завещание – Автопортрет 1650 г. (1)В последние годы жизни Пуссена особенно заметно, что он отходит от холодного рассудочного искусства и возвращается к истокам. Он пишет ряд пейзажей и несколько автопортретов, которые ему заказывают коллекционеры. «Автопортрет», написанный для Шантелу, покровителя художника, характерен очень спокойной позой и выдержан в крайне сдержанной цветовой гамме. С темного пространства холста на нас смотритпожилой человек, проницательный взгляд и сама поза говорят о его уравновешенности и сильном властном разуме. Портрет имеет и аллегорический смысл: на заднем плане изображена женщина с «третьим глазом» -она символизирует живопись, в которой играет большую роль интуиция. Видны и две руки, желающие обнять женщину, - что означало любовь к живописи, чувства и эмоции. Полотно приобретено для коллекции Лувра в 1797 году. В своем искусствена мифологические и библейские темы утверждал разумную гармонию мира и необходимость духовного совершенствования личности - обращение к идеалам общественного блага. Мифологические и исторические картины: «Царство Флоры» 1631-1632 (2), «Танкред и Эрминия» (1630), «Отдых святого семейства на пути в Египет» 1655-57гг. – библейская сцена на фоне итальянского пейзажа, Реалистическая основа образов Пуссена. «Аркадские пастухи» 1627 (3).

В «Царстве Флоры» Пуссен собрал персонажей античных мифов, которые после смерти превратились в цветы (Нарцисс, Гиацинт, Крокус). Танцующая богиня весны и цветов в центре, остальные фигуры расположены вокруг нее по окружности, все они подчинены единому ритму – вся композиция объединена плавным круговым движением. Герои мифов обрели гармонию в чудесном саду Флоры. Сцена напоминает театральную. Театральность - черта искусства 17 века.

В картине «Аркадские пастухи» жители Аркадии – райского места, где неведомы страдания и смерть, обнаруживают надгробную плиту с надписью «И я был в Аркадии». Герои в изумлении обводя выбитые слова пальцами утрачивают детскую безмятежность и задумываются о непостоянстве. Пейзаж считался в классицизме низким жанром. Пуссен решает эту проблему вводя стаффаж – маленькие фигурки, оживляющие вид. У пейзажей Пуссена всегда есть сюжет: мифологический или библейский. И это отражено в названиях: «Пейзаж с Полифемом» (1), «Пейзаж с Геркулесом». Персонажи античной природы одухотворяют мир природы.

Пейзажи классицизма

⇐ Предыдущая567891011121314

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: