Традиции Палехской миниатюрной лаковой живописи, отличительные черты которой - живопись по черному фону, обработанному прозрачным лаком до зеркального блеска, сложность многофигурных композиций.

Здесь часто используется контрастное сочетание теплых и холодных тонов, для передачи мотивов суровой сибирской природы, зимних и осенних пейзажей.

После революции 1917 художники Палеха были вынуждены искать новые формы реализации своего творческого потенциала. В 1918 художники создают Палехскую художественную декоративную артель, которая занималась росписью по дереву. Родоначальниками палехского стиля являются выдающиеся деятели искусств Голиков Иван Иванович и Глазунов Александр Александрович, в московской мастерской которого и была написана Голиковым Иваном первая работа в так называемом палехском стиле. В 1923 работы были представлены на художественно-промышленной выставке в Москве и удостоены диплома 2 степени. Тогда же палешане впервые познакомились с новым материалом папье-маше, являвшемся на протяжении века основой для лаковой миниатюры Федоскино. Мастера освоили новый материал, перенося на него традиционную для древнерусской иконы технологию темперной живописи и условную стилистику изображения. Впервые палехские миниатюры на папье-маше, выполненные по заказу Кустарного музея, демонстрировались на сельскохозяйственной выставке в 1924.

В 1932 артель была преобразована в Палехское товарищество художников, в 1953 - в Художественно-производственные мастерские Художественного фонда СССР. В настоящее время в Палехе работает ряд авторских мастерских художников-палешан.

Также палехские художники успешно работали в области театрально-декорационного искусства например(П. Д. Баженов, эскизы декораций к неосуществленному спектаклю «Сказка о попе и его работнике Балде» в Большом театре, 1940; Для стиля палехской живописи характерны тонкий и плавный рисунок на преимущественно черном фоне, обилие золотой штриховки, четкость силуэта уплощенных фигур, подчас полностью покрывающих поверхность крышки и боковых стенок шкатулок. Декоративность пейзажа и архитектуры, вытянутые изящные пропорции фигур, колорит, построенный на сочетании трех основных цветов - красного, желтого и зеленого, восходят к традициям древнерусской иконописи. Композиция обычно обрамляется изысканным орнаментом, выполненным твореным золотом.

В настоящее время в Палехе продолжают работать мастерские Художественного фонда России, небольшие частные мастерские и отдельные художники. Среди них - Т. И. Зубкова, А. А. Котухина, Н. И Голиков, А. М. Куркин, К. Кукулиева и Б. Н. Кукулиев, А. Д. Кочупалов, Т. Ходова, В. В. Морокин, Б. Ермолаев, Е. Щаницына и др.

В лаковой миниатюре палешане использовали письмо темперными красками, сохраненное благодаря русской иконописи," это основное богатство Палеха и его художественный капитал, который бережно охранялся как живое предание от поколения к поколению, от корней Византии и античной культуры "Особую роль в палехской миниатюре играет пропись золотом всех объемов на последней стадии. Золото не только ключевой элемент, но и часть художественного мировосприятия в палехском искусстве. Оно неразрывно связано с символом света, который имеет большие исторические традиции, идущие от средневековых представлений о двух началах жизни - светлом и темном. В христианской символике свет приобретает особое эстетическое значение, становясь прообразом Божественной благодати. Материальным носителем этого света служит золото, которое символизирует его, является овеществленной Божественной ясностью. Пример Палеха помог бывшим иконописцам Мстёры. попробовать свои силы в новом искусстве. Мстёрцы еще раньше, чем палешане, искали пути применения своего ремесла в новых условиях. Западноевропейская живопись, в частности голландская, с ее тающими далями, персидская миниатюра с ее ковровой орнаментальностью повлияли на мстёрскую лаковую миниатюру. На особенность мстёрского стиля в лаковой живописи и ее содержание оказал влияние русский лубок. До революции во Мстёре был центр по изготовлению лубочных картинок, за изготовление которых взялся известный археолог И.А.Голышев (1838-1896) - ревностный собиратель всего, что относилось к народному быту, ценитель древности. Он был крепостным графа Панина, которому принадлежала Мстёра. Н.А.Некрасов специально приезжал к нему во Мстёру по поводу выпуска своих произведений в серии "Красные книжки" и распространения их в народе через офеней. Лубочные картинки, издаваемые Голышевым, представляли собой развернутую книжечку с иллюстрациями, сопровождаемыми пространными текстами нравоучительного характера и с юмором. Картинки печатались на типографском камне и раскрашивались женщинами и подростками Мстёры. Блестящий опыт Палеха побуждал мстёрцев упорно идти к намеченной цели. 22 июня 1931 года во Мстёре была создана артель "Пролетарское искусство" по освоению миниатюрной лаковой живописи. Ее учредителями были пять мастеров: Н.П. Клыков (1861-1944), А.И. Брягин (1888-1948), Е.В. Юрин (1898-1983), И.А. Серебряков (1888-1967), В.И. Савин (1880-1957). Серебрякова и Юрина послали в Москву на курсы для изучения техники росписи на папье-маше. После революции художники Холуя мучительно ищут применения своего ремесла и позже, чем Палех и Мстёра, создают артель по миниатюрной лаковой живописи. Это состоялось в 1934 году, и ее основателями были С.А. Мокин (1891-1945), К.В. Костерин (1899-1985), Д.М. Добрынин (?) и В.Д. Пузанов-Молев (1892-1961). Все они закончили иконописно-рисовальную школу, были талантливыми и образованными художниками с огромным опытом. А В.Д. Пузанов-Молев еще окончил в 1912 году Строгановское художественное училище в Москве. Путь к лаковой миниатюре был для жителей Холуя более сложным. Блестящий дебют Палеха, а затем успехи Мстёры толкали к подражанию им. К тому же такие крупные искусствоведы, как А.В. Бакушинский и В.М. Василенко, были вскоре репрессированы и холуяне были лишены профессиональной помощи, которую они оказали в свое время их коллегам в Палехе и Мстёре. Стиль холуйской миниатюры складывался постепенно на протяжении нескольких десятилетий. Пейзаж среднерусской природы служит фоном, на котором разворачиваются исторические события, фольклорные и жанровые сюжеты их миниатюр. В Холуе сформировалось интересное направление архитектурного пейзажа, представленное творчеством Н.Н.Денисова (род. в 1929 г.), Б.И.Киселева (род. в 1928 г.), В.Н.Седова (род. в 1952 г.), В.Теплова (род. в 1955 г.), в разнообразной творческой интерпретации. Художники Палеха, Мстёры и Холуя писали и ныне пишут не только миниатюры, а также большие панно для оформления светских зданий и учреждений, занимались и занимаются книжным оформлением и театральной декорацией, росписью мебели и фарфора, оформлением наградных металлических кубков, сотрудничают с ювелирами, создавая оригинальные произведения искусства. Начало XVIII века - эпоха многих новшеств, связанных с деятельностью Петра Великого, и, конечно, это время основания Санкт-Петербурга. Именно в Петербурге, на берегу Фонтанки, была организована первая лакирня, где русские мастера обучались лаковой живописи под руководством голландца Гендрика ван Брумкорста. По прибытии В Санкт-Петербург Брумкостр первое время занимался отделкой кораблей в технике «Шинуазри», лакировкой (отделкой кают в китайском стиле). В 1715 г. в Петергофе возводится Монплезир, любимый загородный дворец Петра. Среди помещений этого маленького очаровательного здания самым удивительным был Лаковый кабинет, или "Лаковая камора". Его стены украшали панно из тонких липовых досок, загрунтованных, покрытых лаком и расписанных по черному фону фантастическими драконами и другими восточными сюжетами, творчески переосмысленными русскими мастерами. Петр был весьма доволен оформлением Монплезира и заказал Брумкорсту и его художникам еще несколько работ. Среди них - лакировка шкафов для экспонатов и книг в Кунсткамере, роспись одной из парадных комнат Летнего дворца, украшение зала Сената в здании Двенадцати коллегий и др. Традиция лаковой росписи укрепилась в России и стала развиваться. В штате Академии художеств по Уставу 1764 г. предполагались и художники-лакировщики. При Елизавете Петровне такие мастера участвовали в отделке Зимнего дворца. Петербургскому цеху художников-лакировщиков принадлежат круглые табакерки с портретными изображениями Петра II и Елизаветы Петровны. В собрании Государственного Эрмитажа хранятся образцы лаковой живописи XVIII века, выполненные в нашем городе. Один из самых интересных - бюро-"кабинетец". Его крышка декорирована рельефными золочеными фигурками китайцев, а передняя стенка украшена рисунками медальонов, характерных для европейского искусства, с изображениями женского портрета, белки, грызущей орехи, птицы на ветке и др. Кроме восточных мотивов, русские мастера любили расписывать мебель под мрамор, малахит, черепаху. Известны описания образцов: "...две шкафы красные, расписаны травами... два поставца, один расписан "орешком", другой черной краскою".

О высоком искусстве русских мастеров XVIII века говорит деятельность одного из талантливых последователей учителей "лакирного дела" первого поколения - Федора Власова, незаурядной личности, одаренного человека, работавшего в Петербурге и его пригородах. В росписях помещений дворцов Ораниенбаума и Петергофа петербургскими художниками была по-своему интерпретирована экзотика восточного рисунка; райская птица из русского фольклора походила на восточные изображения птиц, а развесистый дуб - на дальневосточную сосну. Так мир сказок и фантазии способствовал освоению образов совсем иной культуры.

Мода на лаковую роспись в Петербурге распространилась не только на интерьеры и мебель, но и на мелкие предметы обихода: ширмы, фонарики, веера, посуду, подносы и шкатулки. Особым изяществом отличается веер "в китайском вкусе" из эрмитажной коллекции: его поверхность похожа на раскрытый цветок гвоздики, на черном фоне - золоченые фигурки играющих детей. Другие веера из этой коллекции имеют более строгую форму и сдержанный характер росписи.

В конце XVIII - начале XIX века мастера по лаковой живописи появились во многих уголках нашей страны, особенно прославились уральские умельцы. Но начало этой традиции в русском декоративно-прикладном искусстве было положено в нашем городе.

В творчестве миниатюристов находили отражение идеи и вкуса времени, художественные течения, по которым велось развитие изобразительного искусства в целом.

 

Утиная охота

 

Сцены охоты или «трофейная» живопись с давних пор присутствовала в жизни человека. Охота - самая древняя тема живописи. Первые большие произведения искусства - пещерные росписи - служили целям охотничьей магии. Охоту, в бесчисленных ее вариантах, воспроизводят античные мозаики, коптские ткани, иранские изразцы, средневековые гобелены, индийские миниатюры и картины европейских художников различных стилей и эпох. В истории русской живописи немало полотен, изображающих охоту как барскую забаву или крестьянский промысел с множеством охотников, ружей, сворами охотничьих собак и непременными трупами животных. Некоторым современникам такие картины нравились, поскольку вызывали ностальгические воспоминания об охоте. Других, наоборот, отталкивали безграничной жестокостью по отношению к живой природе.

Охотничий жанр в русской живописи, впрочем, как и в иностранной, можно подразделить на следующие примерно темы

Натюрморты, изображающие охотничьи трофеи.

Изображения охотничьих животных и птиц, и сцены из их жизни.

Изображения охотничьих собак.

Портреты людей в охотничьих костюмах, с ружьями и собаками.

Охотничьи сцены, которые могут быть в свою очередь подразделены на:

а) сцены псовой охоты,

б) сцены зверовой охоты,

в) сцены охоты по перу.

В русской живописи, как и в иностранной, охотничий жанр начался с натюрморта. До нас дошло несколько изображений «мертвой природы» в виде убитой дичи, относящихся к XVIII веку, работы иностранных художников, живших в России. Мы можем упомянуть хотя бы имя Иоганна Фридриха Гроота (1717-1801), полотна которого имеются в наших художественных галереях и пригородных дворцах-музеях Петербурга и Москвы. Наш русский художник XVIII века Иван Фирсов, выполнил в 1785 году согласно тогдашней моде десюдепорт (живопись, помещавшаяся над дверями дворцовых залов) с изображением амуров с охотничьей добычей.

Мы можем назвать еще Бенуа - Шарля Митуара, работавшего в России с 1801 года, полотно которого «Продавец дичи» находится в Третьяковской галерее.

К этим именам надо присоединить многих безымянных крепостных мастеров, скромно утаивших свои фамилии, а то и просто прозвища.

Раздел, посвященный изображениям животных и их жизни, столь обширный в иностранной живописи, выставки и салоны которой заполнены обычно изображениями ревущих, бегущих, сражающихся в любовных поединках оленях, кабанов, ланей, серн, лисиц, зайцев, глухарей, фазанов, куропаток и т. п., - в нашей живописи почти совсем отсутствует до конца XIX - начала XX века, когда изображение медведей, лосей, волков стало излюбленной темой замечательного русского художника А. С. Степанова и автора многочисленных рисунков для охотничьих журналов - талантливого А. Н. Комарова.

Следует сказать, что раздел изображения собак в иностранной живописи с XVII века представлен довольно широко и разнообразно. Однако к моменту возникновения у нас живописи он не пользовался особым вниманием, что объясняется, очевидно, тем, что перед живописью того времени стояли более важные задачи. И только значительно позже, лишь к 1870 годам, раздел изображения охотничьих собак и, что особенно важно, их портретов начинает пользоваться у нас довольно широким распространением, что объясняется главным образом заказами отдельных владельцев. Обычно портреты эти никогда не появлялись на выставках и исчезали одновременно с исчезновением заказавших их владельцев, почему случайно уцелевшие и дошедшие до нас являются большой редкостью.

Во второй половине XVIII века появляется и другой жанр - портреты людей, изображенных в охотничьих костюмах, с ружьями и собаками.

Таков прелестный портрет Н.П.Панина, будущего государственного деятеля, в возрасте 9 лет, изображенного художником П.И.Соколовым в 1779 году, в рост, в охотничьем костюме, с ружьем и собакой. Портрет этот поступил в Третьяковскую галерею из замечательного собрания известного художника и коллекционера И.С.Остроухова.

Традиция эта продолжалась и до половины XIX века, и мы можем назвать хотя бы два шедевра: портрет поэта А.К.Толстого 1836 года работы Карла Павловича Брюллова (Русский музей, Ленинград) и портрет писателя Ю.Ф.Самарина 1846 года работы Василия Андреевича Тропинина (Третьяковская галерея, Москва).

годом помечена картина Е. Ф. Крендовского «Сборы на охоту» (Третьяковская галерея, Москва), которая обозначает новый этап - появление в русской живописи охотничьего сюжета.

С этого момента на выставках начинают появляться картины различных художников, изображающие охотничьи темы. Но охотничий жанр все еще случаен. Это еще только, если можно так выразиться, первые робкие шаги. Они малохарактерны для творчества того или другого художника. Изобразительное искусство еще ждет мастера, которого бы захватила охота настолько, чтобы он посвятил ей свое творчество.

Такими художниками предстают перед нами Сверчков, Петр Соколов, Мартынов, Кившенко, Каразин, Френц, Степанов, Муравьев, Ворошилов и Комаров. Они создали, в сущности, тот цикл живописных полотен, который широко знакомит нас с разнообразными картинами нашей русской охоты, с нашей охотничьей фауной и породами наших охотничьих собак. В этих полотнах перед зрителем как бы проходит вся увлекательная история нашей национальной охоты.

Прежде всего, мы должны назвать два имени - имя Николая Егоровича Сверчкова, выступившего с охотничьим жанром в конце 1860-х годов, и Петра Петровича Соколова, начавшего работать в этом жанре наиболее плодотворно с 1870-х годов. Оба они черпали свои сюжеты главным образом в псовой охоте. Это вполне понятно. Псовая охота, являясь чисто русской, национальной охотой, существующей только в России, представляла собою в эти годы поистине театральное зрелище.

Так, у Сверчкова за внешней занимательностью вы не чувствуете, как же относится художник к тому, что он изображает. Это всегда интересное повествование, в большинстве случаев многофигурное, выполненное всегда с большим мастерством и даже блеском. С прекрасным знанием анатомии и движений написаны лошади, собаки и люди. Но колорит этих полотен, при всей его эффектности, какой-то холодный и за ним не чувствуется душевности, и полотно, поражающее вас мастерством, оставляет вас равнодушным, не заставляет вас эмоционально увлечься.

Но в полотнах художника имеется и одно неоспоримое достоинство. Они всегда написаны с таким знанием дела, что это почти что «энциклопедия псовой охоты». Все детали, костюмы охотников, помещиков и псарей, седловка лошадей, скачка животных - лошадей, собак и зверей - переданы так, что вы сразу чувствуете, что этому предшествовал огромный труд. По этим картинам можно изучить всю технику псовой охоты.

Единственно, в чем можно слегка упрекнуть художника, это в склонности изображать на этих охотах лошадей более породистыми и более красивыми, если можно так выразиться, чем это было в действительности. Но уже в полотнах Петра Соколова, а особенно в картинах А. Степанова, мы видим неказистых, а порою и просто взлохмаченных охотничьих лошадок с завязанными в узелок хвостами, которые обычно бытовали на охотах.

Тема Утиная охота всегда останется актуальной в произведениях живописцев, как культурное явление, которое будет процветать, не только в картинах и оставит свой след в искусстве, но и в культурной жизни. Данная тема остаётся актуальной и развивается в лаковой миниатюре.

 

⇐ Предыдущая1234Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: