Краткая характеристика импрессионизма как явления культуры

Прежде чем говорить об импрессионизме в произведениях художественной литературы, следует, хотя бы очень кратко, остановиться на определении сущности импрессионистской артистической школы. Импрессионизм (фр. impressionisme, от impression - впечатление) возник как частное явление в живописи и стал вскоре крупнейшим стилевым направлением в искусстве последней трети 19 - начала 20 веков. Термин «импрессионизм» появился в 1874 году, когда на выставке молодых художников в Париже, отвергнутых официальным Художественным Салоном, Клод Моне представил свою картину «Impression. Lever du soleil» ( «Впечатление. Восход солнца»). Прозвище «импрессионисты» - вначале уничижительное, затем официальное - стало названием новой артистической школы [1; 5].

Возникнув первоначально как метод в живописи, импрессионизм совершенно сломал старые каноны академической живописи и предложил новые. Это касалось всех основных аспектов изобразительного искусства - от выбора сюжетов картин до техники рисования. Можно представить себе шок, который испытали посетители первых выставок импрессионистов, когда вместо «приличных» классических сюжетов, таких, как портреты высокопоставленных особ, исторические события, сюжеты из Библии и мифологии, они увидели на картинах балерин и актрис Эдгара Дега, лодочников, жокеев и продавщиц фиалок Огюста Ренуара, танцовщиц из «Мулен Руж» и «девушек для радости» Анри де Тулуз-Лотрека, островитянок Поля Гогена… Это были новые герои, реальные персонажи, представители социальных низов.

Психология портрета тоже изменилась: художники стремились к живой достоверности изображения, они не пытались льстить своим моделям, показывая их с лучшей стороны, - напротив, они словно намеренно выставляли напоказ скрытые, истинные, не самые лучшие их характеристики. Особое внимание уделялось невербальным семантическим кодам - взгляду, улыбке, повороте головы, выражению лица, жесту, - всему тому, что передает психологизм образа, внутреннее состояние человека. Произведения импрессионистов - результат живого мгновенного впечатления, впечатления точного, яркого, обращенного к мысли и чувству.

Техника живописи также стала новым словом в искусстве. Импрессионисты не пытались скрыть от зрителя движения кисти по холсту. Краска лежала на поверхности неровно, мазки имели разную форму и направление, иногда между ними были видны просветы грунтованного холста. Свободное и прихотливое движение кисти тем не менее подчинялось главной задаче: передать игру света, удержать ускользающее мгновение. Контуры предметов были слегка смазаны, краски предельно высветлены, фактурный слой облегчен. Картина создавала впечатление эскизности, незаконченности, даже небрежности. Импрессионист считали, что именно нанесение на холст красок раздельными мазками позволяет сохранить свежесть и яркость натурального цвета. Они предпочитали не смешивать краски, но если подмешивали тон, то чаще всего белый, делая цветовую гамму более светлой. Черной краски вообще избегали, считая, что в природе нет ничего абсолютно черного, и заменяли ее темно-синей, темно-серой, коричневой. Такая техника, несомненно, не могла не вызывать споры, но бесспорным было то, что эта новая техника делала живопись яркой, живой, радостной.

В пейзажной живописи, любимом сюжете импрессионистов (Клод Моне, Камиль Писсаро, Альфред Сислей), художники утверждали красоту повседневной действительности, прелесть простых, реальных мотивов, пытались «уловить» впечатление от того, что они видели в конкретный момент. Чтобы быть ближе к постоянно изменяющейся жизни, импрессионисты вышли из мастерских на пленэр - открытый воздух. Художники стали работать быстрее (ведь появилась зависимость от погоды), мазки краски стали шире, чище. Положенные рядом, они придавали полотну теплоту и давали в глазах зрителя, отошедшего от картины на достаточное расстояние, желаемый результат. Метод такой цветовой мозаики получил название «оптического смешения цветов» (т.е. смешения в глазах зрителя).

Последователи художников-импрессионистов появились во многих странах Европы; неожиданно ярко «расцвел» импрессионизм на русской почве - в творчестве Константина Коровина, Валентина Серова, в отдельных полотнах Исаака Левитана, Игоря Грабаря [9; 78].

Вскоре черты, характерные для импрессионизма в живописи, стали ощущаться и в музыкальном искусстве - в творчестве Клода Дебюсси, Равеля, Игоря Стравинского, Сергея Рахманинова. Для музыки импрессионистов характерна лирическая созерцательность, неопределенность мелодических звучаний, смена ритмов. Чаще всего источником для создания музыкальных произведений служили зримые картины природы, способные на языке музыки разбудить эмоциональный строй человеческой души. Дебюсси подчеркивал: «Музыка - как раз то искусство, которое ближе всего к природе… только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба».

«Импрессионистичность» музыкальных произведений проявляется в многокрасочности гармонических «бликов и пятен», необычности инструментальных сопоставлений, тонкой игре тембров, повышенном чувстве колорита, его преобладании над мелодическим рисунком. Музыкальные произведения в стиле импрессионизма, как и полотна художников-импрессионистов, воспевают мир естественных человеческих переживаний, передают радостное ощущение жизни, как бы заново открывают поэтичный мир природы.

В ваянии раньше других технику импрессионизма применил Огюст Роден. Его скульптурные работы «Граждане Кале», «Врата ада», «Мыслитель», «Бальзак», «Жена угольщика» и многие другие несут в себе явные признаки импрессионистического стиля: отсутствие чётко заданной формы, широкий, нарочито-небрежный художественный мазок, стремление передать предмет в отрывках, мгновенно фиксирующих каждое впечатление штрихах, но при обзоре целого обнаруживающих скрытую связь. Для Родена характерно свойственное импрессионистам стремление передать характер своей модели с максимальной степенью искренности - порой даже в ущерб художественному впечатлению.

Импрессионизм в литературе имеет свои специфические особенности, рассмотрением которых мы займемся в следующей главе.