 |
Билет 15. В.1. Искусство Нового времени, 18 век: стиль рококо
|
|
|
|
18 век стилистически многообразен, в отличие от предшествующих. Продолжают сосуществовать противоположности: ориентированные на публичность страстное драматичное католическое барокко и строгий рациональный светский классицизм, возникшие еще в 17 веке. Из новых стилей: им противостоит светский, но сугубо камерный и легкомысленный стиль рококо, зарождается эмоциональный сентиментализм (предромантизм) – предтеча романтизма 19 века. Прогрессивная критика в лице Дени Дидро пытается угадать зачатки реализма. Стили 18 века воплощали различные, часто противоположные тенденции в искусстве, уравновешивая друг друга.
И всё-таки именно рококо - галантное, капризное, вычурное - становится для 18 века знаковым. Рококо – влиятельный стиль в европейской и русской культурах 18 века, и в то же время о нем говорят, как о самом легкомысленном и бездумном из всех стилей в искусстве. Он оказался предтечей современной глянцевой культуры начала 21 века.
Рококо явилось эстетическим завершением барокко: обоим стилям свойственны пышность и богатство декора. Поэтому их часто путают, однако они совершенно разные. Главное различие между рококо и барокко в идеологии, а не в эстетике: барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. Барокко масштабно со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы «правильной веры». Рококо оберегает частную светскую жизнь, ему чужды как серьёзность, так и подлинная страсть. Эпоха феодализма и абсолютных монархий подошла к концу, в воздухе витал дух буржуазных революций. Жажда публичной славы аристократии, выраженная в искусстве стилей классицизма и барокко уже сменилась желанием укрыться в уютных маленьких комнатах, забыться, не видеть предвестников надвигающейся социальной бури революций.
|
|
|
Стиль рококо во Франции. Стиль рококо родился во Франции 18 столетия, получил имя от французского слова rocaille — «ракушка» или «раковина». Прилагательное от слова «рококо» звучит как «рокайльный». Название рококо закрепилось спустя столетие, в 19 веке, благодаря главному декоративному элементу: мотив раковины сделался в 18 веке ведущим.
В переплетениях декоративных орнаментов рококо всегда маркером стиля выступают очертания раковин и рокайльные S-образные завитки. Этот декоративный элемент существовал в искусстве давно. Раковинами еще в античности декорировали искусственные гроты и чаши фонтанов, позднее в оформлении интерьеров стали активно использоваться орнаменты, повторяющие витые, округлые очертания раковин. К 18 веку интерес к ним только рос. Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми (1). Такие орнаменты назывались рокайлями, первым их стал использовать в своих эскизах французский художник Жиль-Мари Оппенор, а сам стиль, построенный на капризных гнутых линиях и нежнейших цветовых переливах, напоминающих игру перламутра, — соответственно назвали рококо. Жиль Мари Оппенор Эскиз обрамления зеркала «Три амура» Бумага, перо, акварель (1) Эскиз фонтана. Бумага, перо, тушь. (2)
1 
2 
3 
3
Жиль-Мари Оппенор родился в семье чернодеревщика короля и был приобщен к созданию мебели и орнаментов в отцовской мастерской. Его талант формировался среди признанных художников и ремесленников своего времени. Основы архитектуры Оппенор изучал в мастерской Жюля-Ардуэна Мансара, а завершилось его формирование как художника и архитектора во Французской Академии в Риме (1692 - 1699). Оппенора называют одним из создателей рококо. В своих произведениях он смягчил барочные черты стиля Людовика XIV и выдвинул в качестве основного формообразующего элемента мягко изогнутую линию, причудливый завиток, впоследствии получивший название "рокайль". Художник был признанным, в зрелые годы занимал пост Генерального директора королевских парков и садов, директора королевских мануфактур.
|
|
|
В живописи с приходом рококо с его перламутровыми переливами изменилась цветовая палитра, теперь колористической задачей было передать тончайшие нюансы, появились новые цвета: «цвет бедра нимфы» — бледно-розовый (перевод французского cuisse de nymphe effrayée). И его оттенки — cuisse de nymphe effrayée (бедро испуганной нимфы) и cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы). Цвет блошиного брюшка (French Puce)
Появление стиля рококо связано с «концом прекрасной эпохи» — эпохи Людовика XIV. Не случайно в живописи рококо в знаменитой картине Антуана Ватто «Лавка Жерсена» изображено, как портрет короля-Солнца снимают со стены и убирают в коробку.
На смену «прекрасной эпохи» классицизма и барокко Людовика XIV пришел «галантный век» рококо Людовика XV - это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман). Галантному веку — галантное искусство. С уходом со сцены Луи XIV уходят из моды грандиозная пышность придворных празднеств в стиле барокко, с театрализованностью жизни, когда интерьеры служили своеобразными декорациями для многолюдных собраний. Регент Филипп Орлеанский, а затем и короли Людовик XV и Людовик XVI предпочитают образ жизни камерный, приватный, но зато и более комфортный. Он сосредоточен не в широком кругу придворных, а в близком, почти интимном кругу друзей-единомышленников.
Большинство построек рококо – это не только королевские дворцы, но и частные дома французской аристократии, богатые городские особняки, которые во Франции называли отелями. В них комфорт и практичность повседневной жизни должны были сопровождаться изяществом и изысканностью мелочей. Высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая жизнь владельцев. Комнаты приобрели криволинейные очертания, они не располагались больше анфиладой как было принято раньше, а образовывали ассиметричные композиции. В центре размещался парадный зал – салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов, и с более низкими потолками. Окна делались большими, почти от пола. Интерьеры были оформлены скульптурами, живописью, лепниной и множеством зеркал. Среди мотивов для декоративной живописи и скульптуры были популярны цветочные гирлянды, изображения резвящихся амуров, пасторальные сценки. Пастораль – изображение идиллической жизни пастухов и пастушек на лоне природы. Франсуа Буше «Дафнис и Хлоя»1743 (1)
|
|
|
Ярким примером архитектуры рококо служит отель Субиз в Париже, построенный для принца де Субиза по проекту П.А.Деламера. Фасад в стиле классицизма (1). Отель отгорожен от прилегающих улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. Центром интерьера является Овальный салон в стиле рококо (2). Все его углы закруглены, нет ни одной прямой линии, переход от стен к потолку тоже скруглен и замаскирован живописью в рамах криволинейных очертаний. Стены украшены резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые условно расширяют пространство, придавая ему в то же время неопределенность.
1 
2 
В архитектуре стиль рококо преобладал в декоративном украшении интерьеров. Строительство и украшение городских особняков-отелей, развитие орнаментально-декоративных форм пластики, роль лепнины в украшении интерьера, создание художественной мебели, предметов декоративно-прикладного искусства в едином стиле. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства в стиле рококо контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий в стиле классицизма. Яркий пример – небольшой дворец Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим классицизма Габриелем (1763-1769 гг.) для Жанны-Антуанетты Пуассон, известной как маркиза де Помпаду́р, официальной фаворитки (с 1745) короля Людовика XV, которая на протяжении 20 лет имела огромное влияние на государственные дела, покровительствовала наукам и искусствам. Фасад Малого Трианона выполнен в стиле классицизма, главный вход (1), а интерьеры решены в стиле рококо. Все четыре фасада оформлены по-разному: каждый из них по стилю соответствует ландшафту той части парка, к которой он обращен.
|
|
|
1 
2 
В 1774 году на трон вступил Людовик XVI и сразу же пожаловал Малый Трианон и прилегающую к нему часть парка своей супруге Марии-Антуанетте, которая стала новой законодательницей моды рококо и довела этот стиль до абсурда, что особенно проявилось в моде на высокие прически с кораблями и корзинами фруктов. Ценность приватности, личного пространства возросла настолько, что доступ во владения королевы стал возможен лишь по личному приглашению Ее Величества. Исключений не делалось даже для самого короля.
Таким образом на формирование стиля рококо решающее влияние оказали две женщины, сначала официальная фаворитка Людовика XV Мадам де Помпадур, а затем королева Мария Антуанетта, жена Людовика XVI. Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур» (1) Портрет Марии Антуанетты (2)
2 
Главная героиня эпохи рококо – женщина, для нее трудились декораторы, архитекторы, мебельщики. Комфорт для прекрасной обитательницы отеля создавали небольшие комнаты – будуары и дамские кабинеты, новые формы мебели – козетки, канапе, пуфы, шезлонги, на которых можно было в непринужденной обстановке принимать гостей. Интерьеры рококо — уютные и комфортные. Именно во времена рококо появляются изысканные кушетки с мягкими спинками (1) и кресла «кабриоль» с витыми ножками (2), обеспечивающие комфорт телу, шпалеры из нежного шелка на стенах (3) и небольшие изящные статуэтки, доставляющие наслаждение глазу. Все вокруг служило ддя того, чтобы доставлять чувственные удовольствия. Рококо – это образ жизни. Философия рококо — неоэпикурейство: наслаждение составляет суть человеческой жизни. Идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо. Из парадных залов искусство плавно перемещается в будуар.
1 
2 
3 
Каприз и прихоть — движущая сила рококо. Это касается как общего настроения, так и самих форм искусства. Импровизация заменяет дисциплину. Причудливая асимметрия побеждает классические равновесие и ясность.
Интересная особенность стиля рококо — его отношение к возрасту. Чуть ли не впервые в истории старость перестаёт ассоциироваться с мудростью и почётом. Стареть теперь нежелательно и даже постыдно. Это касается не только женщин, но и мужчин, ведь сам тип внешности, популярный во времена рококо, — гендерно-универсальный. Рококо — это «гламур» 18 века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом. Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство. А еще живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры.
|
|
|
Скульптура рококо во Франции. Самым ярким представителем этого стиля во французской скульптуре является, пожалуй, Фальконе. Он был к тому же управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры (1 розовый фарфор с росписью «резвящиеся амуры»). «Грозящий Амур» создан по личной просьбе маркизы де Помпадур (2)
1 
2 
Живопись рококо во Франции 18 века. Художники стиля рококо Жан Антуан Ватто, Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Никола Ланкре, Жан-Марк Натье, Шарль-Андре ван Лоо, Элизабет Виже-Лебрён, ставшая с 14 лет профессиональной художницей, супруга художника Жан-Батиста Лебрена, любимая художница королевы Марии-Антуанетты, после революции Виже-Лебрен была вынуждена покинуть Францию, в конце 1790-х годов работала в России. Аделаида Лабий-Гийар - французская художница-портретист, основательница первой Парижской женской школы живописи.
Стиль рококо в творчестве Антуана Ватто (1684-1721) – один из основоположников стиля рококо, мастер и создатель «галантного празднества» (fetes galantes) - нового оригинального жанра, в основе которого лежит сюжет-настроение. Жанр галантных празднеств – послужил опорой в развитии стиля рококо в изобразительном искусстве. Ватто - самобытный талантливый художник, прожил всего 37 лет, умер от туберкулеза. Родился во французской провинции, в раннем возрасте начал рисовать, любимым занятием было сидеть на городской площади с карандашом и рисовать бродячих актеров, веселивших толпу. В 17 лет сбежал из дома в Париж без средств к существованию, чтобы учиться живописи. В свой первый столичный год будущий родоначальник «королевского стиля» рококо почти всё время провёл под открытым небом на улице, а от непогоды прятался под сводами собора –Нотр-Дам де Пари. Вокруг Собора теснились лавки посредственных богомазов, у которых за умеренную плату суеверные паломники скупали образки святых. Отчаявшись найти более достойную работу, Антуан Ватто нанялся в одну из таких лавок и рисовал образы Николая Чудотворца. Три франка в неделю плюс ежедневная миска супа — таков был доход художника. И каким-то чудом наброски 20-летнего Ватто попали в руки знаменитого французского декоратора Клода Жилло – вмешался случай. Они были так не похожи на мазню ремесленников с моста Нотр-Дам, что Жилло сходу предложил Ватто место своего ассистента. И Антуан, не раздумывая, согласился расписывать театральные декорации и украшать городские карнавалы. Опытный и успешный Жилло вывел его в люди, обеспечил заказчиками и знакомствами. После Жилло покровителем Ватто стал наследственный живописец и хранитель коллекции Люксембургского дворца Клод Одран. Он привлекал Ватто к оформлению королевских резиденций в Версале и в Фонтенбло. А в Люксембургском дворце художник познакомился с редкой серией Рубенса, посвященной Марии Медичи. Ватто и раньше любил фламандцев, но Рубенс его потряс и «перепахал». Когда еще один его друг, аббат Нуартерр, преподнёс художнику в дар оригинал Рубенса, Ватто испытал почти религиозный экстаз: «Я потерял покой. Мои глаза беспрестанно ищут картину, которую я воздвиг на мольберт, как на аналой (столик-подставка для икон)».
А еще Антуан Ватто страстно мечтал попасть в Рим. Для этого он даже лет в 25, переступив через самолюбие и комплексы, огласился участвовать в конкурсе для начинающих художников, объявленном Академией. Увы, ему присудили лишь золотую медаль. А в Рим отправился Антуан Гризон, взявший гран-при, и больше он не прославится ничем — его имя история сохранила лишь потому, что когда-то он обошёл великого Ватто.
Антуан оказался в Париже в эпоху, которую позже назовут безвременьем и упадком стиля. Королевский двор стремительно терял авторитет и влияние. Классицизм 17 века испустил дух. Но что это значило для художников? Только то, что нужно было выстраивать новую систему координат, искать новые идеи, которые могли бы по-настоящему вдохновлять. Героика и пафос больше никого не привлекали. Королевский двор перестал быть законодателем мод. Никто из художников не хотел становиться эпигоном классицизма. Никто не верил в «большие идеи».
Обмелевшая культурная жизнь сместилась из дворцов в дворянские усадьбы с их милыми забавами вроде домашних спектаклей и перемежаемого музицированием флирта. «Невыносимая легкость бытия» стала символом эпохи. А еще — она стала главной темой творчества Ватто. «Соблазнитель», «Кокетка», «Капризница» — вот его герои. На картинах Антуана Ватто кто-то любезничает («Затруднительное предложение «), кто-то ревнует («Две кузины»), а кто-то большой компанией устремляется на поиски любви («Отплытие на остров Киферу»). Такие картины Антуана Ватто ждал громкий успех – они отвечали своему времени. Антуан Ватто «Паломничество на остров Киферу». 1717, 1-й вариант(1), Антуан Ватто «Паломничество на остров Киферу». ок. 1718, 2-й вариант (2).
1 
2 
Ватто стал членом Королевской академии художеств. Для вступления в Академию требовалось создать картину на заданную тему, для Ватто сделали исключение, он написал «Отплытие на остров Киферу». Сюжет картины изображает аллегорическое паломничество современных Антуану Ватто персонажей на реально существующий остров, иногда именуемый в латинском варианте — Цитера (греч. Κύθηρα), расположеный в Эгейском море к югу от Пелопоннеса и считающийся одним из главных культовых центров богини любви и красоты Афродиты (от названия острова происходит один из эпитетов Афродиты — «Киферийская»). Считается, что Ватто имел в виду сюжетный мотив популярной в его годы комедии Флорана Данкура «Три кузины», «в котором упоминался чудесный остров, откуда ни одна девушка не возвращается без поклонника или мужа». Французские академики придумали под эту картину Ватто отдельный, новый жанр — «галантное празднество», который открыл двери для нового стиля — рококо. Собственно, этим определением можно обозначить и весь образ жизни в стиле рококо. Легкомысленные дамы и их рассеянно-учтивые кавалеры, меланхоличные музыканты, уличные торговцы и актёры — вот герои Ватто. Его картины не столько повествовательны, сколько атмосферны — настроение в них важнее сюжета, подтекст важнее интриги, эмоция важнее действия. И еще у Ватто всё пронизывает ощущение мимолётности и непродолжительности счастья, затаённой печали. Творчество Ватто называют еще «меланхолический реализм». Театральные сцены: «Актеры французского театра» 1712(1), «Жиль» 1720(2,3 фрагмент) (афиша, в коллекции Лувра)
1 
2 
Рисунок Ватто всегда лёгок, динамичен, его линии — прихотливы и мелодичны. Ватто первым обозначил рокайльную цветовую гамму: новый колорит - переливы перламутра. Художник избегал контрастных сочетаний и локальных цветов, он предпочитал богатые, сложные и утончённо-изысканные созвучия оттенков, делал многослойные лессировки, создавал особую мерцающую фактуру. Несмотря на неприятие и непонимание со стороны многих современников и ближайших потомков (Дидро заявлял, что «готов дать десяток Ватто за одного Тенирса», а французские студенты конца века, предпочитавшие героическую живопись Жака-Луи Давида, однажды закидали полотна Ватто хлебными шариками), сейчас творчество Антуана Ватто признано одной из вершин искусства 18 века; как рисовальщик и колорист он опередил своё время — влияние Ватто ощутимо не только в живописи его соотечественников Буше и Фрагонара, но также у Хогарта, Рейнолдса, Гойи, художников-романтиков. Оценить в полной мере новаторство Антуана Ватто как художника смогли только потомки. Его гением буквально грезили романтики и символисты, Шарль Бодлер и Поль Велен. А Марсель Пруст скажет, что Ватто и Ла Тур сделали для славы Франции больше, чем все революционеры, взятые вместе.
В возрасте после тридцати лет Ватто стал очень богат, и больше не помышлял о Риме. Вопреки здравому смыслу и ожиданиям друзей, разбогатев, он поехал не в Италию, а в Англию. Именно в богемном Лондоне Ватто в полной мере ощутил вкус признания. Однако общество оказалось к нему благосклонее, чем природа. Промозглый британский климат обострил чахотку. Болезнь прогрессировала. Смертельно больной Ватто вернулся в Париж.
«Сатира на врачей» (1) - картина в комедийном стиле, имеет второе название, которым автор полностью охарактеризовал содержание: «Что я вам сделал, проклятые убийцы?» Полотно благодаря своему нестареющему сюжету стало хрестоматийным произведением изобразительного искусства о медицине.
Реалистическая основа творческого метода Ватто, стремление к передаче тонких душевных движений. Тематическое разнообразие живописи: жанровые сцены: «Радости бала» 1714 г.(1), уличный музыкант «Савояр с сурком» 1716(2), «Лавка Жерсена» 1720(3) – картина-вывеска магазина; Создавал рекламные вывески для театра или лавки по продаже картин – все они сейчас в коллекции Лувра!
1 
2 
3 
Приехав из Англии за год до смерти, Ватто останавился у торговца предметами искусства Жерсена. У того была лавка с громким названием «Великий монарх». Ватто сам вызвался написать для лавки вывеску. Именно её придирчивый Ватто считал лучшей из всех своих картин. Жерсен станет первым (и очень тактичным) биографом своего рано умершего друга. Всю короткую жизнь Антуану Ватто удивительно везло с друзьями.
«Лавка Жерсена» - знаменитая живопись, предназначавшая для рекламной вывески для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, воплотила очень многое и о художнике, и об искусстве. Относительно замысла Ватто высказывались разные гипотезы. Одна из них в том, что под видом вывески он представил историю живописи, какой он её знал; вместе с тем это картина творческой эволюции самого живописца, ставшая его «художественным завещанием». Ватто провожает время «большого стиля» Людовика XIV, изображая как портрет короля-солнце сняли со стены и укладывают в коробку. Всё было исполнено с натуры, позы были так правдивы и непринуждённы, композиция столь естественна; группы так хорошо размещены, что привлекали взор всех прохожих, и даже самые опытные живописцы приходили по несколько раз, чтобы полюбоваться вывеской.
Написана она была всего за неделю, и художник работал только по утрам; слабость не позволяла ему работать дольше.
Биографы обходят молчанием личную жизнь мастера. О ней почти ничего не известно. В 2007-м году французы сняли изысканный и меланхоличный художественный фильм «Что видели мои глаза» (в русском прокате «Тайна Антуана Ватто») о непростом искусствоведческом исследовании и предполагаемой любви художника к актрисе Комеди Франсез Шарлотте Демар — загадочной женщине, присутствующей на многих полотнах Ватто и всегда изображённой со спины.
Расцвет стиля рококо.
Монументально-декоративные и станковые формы живописи рококо:
росписи плафонов – (фр. Плафон – «потолок») всего потолка или его части (украшался живописью, мозаикой или лепкой)(1)
стен, создание десюдепортов - декоративных композиций, расположенных над дверью, чаще скульптурных или рельефных, иногда в виде живописного панно, конструктивно связанных с дверным проёмом (2), декоративных и сюжетных гобеленов, распространение камерного портрета и пейзажа, мифологических и аллегорических картин, галантного и пасторального жанров.
1 
Творчество Франсуа Буше (1703-1770) – многогранно, его колорит - «жемчужная гармония». Последователь Антуана Ватто. Универсализм Буше – отражение основных стилистических черт рококо (станковая и монументально-декоративная живопись, создание эскизов для гобеленов, мебели, предметов декоративно-прикладного искусства, оформление книг, работа в театре, эскизы костюмов и пр.). Автопортрет в студии 1735(1), Портрет Мари-Жанне Бюзо, жены художника (2), «Молодая женщина с букетом роз» (3).
1 
2 
3 
Портреты мадам де Помпадур кисти Франсуа Буше (1,2): маленькая аккуратная головка вместо массивных париков эпохи барокко, «кукольные» руки и ступни, резкий контраст между узким лифом и широчайшей юбкой. Фаворитка Луи XV была главным трендсеттером своей эпохи, популяризатором рококо и одновременно его модной иконой. По этой картине с успехом можно изучать рокайльный интерьер. А стиль рококо иначе будут называть «стилем Помпадур».
1 
2 
Право умереть в покоях Версальского дворца всегда имели лишь представители королевской семьи. Но ради маркизы де Помпадур, которая была официальной фавориткой, другом и советником Людовика XV, посвящённой практически во все тайны Версаля, король сделал исключение. Она была умна, расчётлива, не давала правителю скучать и делала ставку на его увлечение искусством, приглашая ко дворцу самых известных и интересных людей того времени – Монтескье, Вольтера, Бюффона и др. А потому сумела сохранить благорасположение короля даже тогда, когда болезнь лёгких сделала своё чёрное дело, подорвав здоровье, и уничтожив красоту. Умерла она в возрасте сорока трёх лет в дворцовых покоях и была похоронена в Париже возле дочери. Говорят, когда похоронная процессия направилась к столице, король, стоя на одном из балконов Версаля под проливным дождём, сказал: «Ну и ужасную погоду вы выбрали, чтобы в последний раз прогуляться, мадам». За этой шуткой таилась глубокая печаль.
Пейзажи: «пасторальный пейзаж с Купидоном» в рокайльном обрамлении (1), пастораль «Веселый пастух» (2)
1 
2 
«Будуарная живопись» эпохи рококо, легкомысленность— это, конечно, не виньетки и завитки. И не только галантные празднества, и изнурительная праздность. Это еще и новое прочтение жанра ню – обнаженной натуры, этой основы основ изобразительных искусств со времён античности. Доскональное знание человеческой анатомии и перспективная передача ракурсов и движения — заслуга эпохи Возрождения. То новое, что привнесло в тему «ню» рококо – это чувственность.
Франсуа Буше «Туалет Венеры» (1), «Купание Дианы» (2)
1 
2 
Пейзажи: «Деревенский мостик» (1), «У реки» (2)
1 
2 
Эволюция искусства рококо в творчестве Жана Оноре Фрагонара (1732-1806). Жизнеутверждающий гедонизм его искусства. «Поцелуй украдкой» 1780(1), «Счастливые возможности качелей» 1767(2).
1 
2 
Бытовые картины и пейзажи, графические работы.
Родившийся во Франции, стиль Рококо быстро распространялся в других странах благодаря французским художникам, работавшим за границей, а также публикациям проектов французских архитекторов.
В России: Иван Аргунов, Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий
В Италии: Джованни Баттиста Тьеполо, Пьетро Лонги, Бернардо Беллотто
Тьеполо способствовал распространению рококо в Испании.
|
|
|
