Билет 19. В.1. Искусство Нового времени конца 19 века: стиль импрессионизм

Общая характеристика искусства Франции второй половины 19 века: страна после Парижской коммуны. Наступление реакции. Спад революционно-демократического движения. Сложный характер развития французской художественной культуры этого времени. Чувство бессилия и разочарования, зарождение символистско-декадентских течений + расцвет «салонного искусства».

Понятие «салонное искусство» зародилось во Франции, оно связано с теми мастерами, которые выставляли свои работы в парижском Салоне - на регулярных официальных выставках, проводившихся в Париже с 1653 года.  Жюри Салона поддерживало, как правило, академическое искусство и отрицательно относилось ко всякому нарушению традиций. Во Франции расцвет салонного искусства как направления приходится на 1850-1870-е гг., когда крупнейшими его представителями были Т. Кутюр, А. Кабанель, Ж.Л. Жером, Ф. Кормон, П. Деларош, портретисты Ш. Шаплен, Ф. Винтерхальтер, Ш.-Э. Каролюс-Дюран и другие. Количество мастеров, участвующих на той или иной выставке Салона обычно доходило до 3-4 тысяч, и это были художники очень разные по своим творческим устремлениям.

Томас Кутюр «Римляне времен упадка» - салонное искусство (1)

    Многие из представителей салонного искусства были далеки от каких бы то ни было новаторских исканий и, как правило, примыкали к господствующим направлениям в искусстве, являясь либо их второстепенными представителями, либо эпигонами, то есть начисто были лишены творческой оригинальности и механически повторяли чьи-то идеи.

Салонные художники были по сути своей эклектиками, нередко использовали живописные завоевания нескольких крупнейших мастеров. Характерными чертами такого рода произведений были эффектная композиция, прямолинейная трактовка сюжета, виртуозность исполнения, слащавость и идеализация образов и нередко эротика. Но и такое искусство от создателей требовало и больших знаний, и эрудиции, огромного трудолюбия и в хорошем смысле этого слова ремесленного мастерства. Не случайно его создатели принадлежали к числу лучших выпускников Академии художеств.

В более же широком смысле под салонным искусством понимается направление в искусстве Европы и Америки 19-20 веков, характеризующиеся некоторой слащавостью, нарочитой красивостью, иногда сентиментальностью, а главное - приноравливающееся ко вкусам обывателя, к потребностям рынка. «Салонные художники» - отвечают целиком и полностью  конъюнктуре арт-рынка, в этом смысле они- успешные ремесленники, но не оригинальные художники-новаторы-творцы.

   Одновременно с этим существовало и французское реалистическое искусство последних десятилетий 19 века: расширение тематики, изображение всевозможных мотивов современной жизни. Поиски новых средств художественной выразительности и начало формальных экспериментов, которые привели к возникновению импрессионизма в конце 19 века. Все это нашло отражение в живописи Эдуарда Мане:

Творчество Эдуарда Мане (1832-1883) - было самобытным и талантливым и противостояло китчу и «салонному искусству» того периода.

Китч - низкопробная массовая продукция, отличающаяся обычной формой и примитивным содержанием, рассчитанная на невзыскательный вкус и моду.

Эдуард Мане –– один из крупнейших мастеров французской реалистической живописи, новатор, предтеча импрессионистов. Его творчество очень разное: и стилистически и жанрово. Вырос в состоятельной семье в Париже, поэтому занимался живописью по призванию, а не ради хлеба насущного. В юности стал учеником модного парижского живописца салонного искусства Тома` Кутюра, который научил его основам художественного ремесла, и у которого Мане ясно понял, что салонная живопись как стиль его совершенно не привлекает. Он отправился в путешествие по Европе, а вернувшись, много времени стал проводить в Лувре, изучая работы старых мастеров.

Первая большая картина – «Музыка в Тюильри», где изображен парижский сад возле Луврского дворца. В ней уже можно обнаружить взгляд импрессиониста на живопись. Уже первая картина – принципиально новаторская. У нее нет сюжета, нет главных персонажей, в ней не происходит ничего значительного. Композиция открытая, подчеркнутая фрагментарность, создается впечатление, что это лишь выхваченный фрагмент чего-то бо`льшего, даже без явно выраженного композиционного центра: все элементы равноценны.

Это обычный день в саду, один из эпизодов светского гуляния. Тема этой картины Мане – миг человеческой жизни, неповторимый и невозвратный. Никто не способен его вернуть и продлить, никто кроме художника, только он может попытаться «остановиться прекрасное мгновение» на своем полотне.

Ранние работы: «Лола из Валенсии» 1862(1), «Викторина Мёран в костюме эспада» 1862(2), «Уличная певица» 1862(3).

1 2 3

Второй крупной картиной стал «Завтрак на траве» (1863) – авторская интерпретация картины «Сельский концерт» Джорджоне (была завершена Тицианом). Мане хорошо знал эту картину двух великих венецианцев, и даже копировал ее во время обучения. Художник хотел тем самым показать преемственность в отношении искусства эпохи Возрождения позднего периода, где главным средством художественной выразительности становится свет. Мане чувствовал связь своей живописи с классической традицией искусства прошлого. У Джорджоне герои второго плана – современные ему венецианские патриции, а у Мане – современные ему французы, друзья художника.

1 2

Мане отправил ее на выставку парижского Салона в 1863 году. В тот год жюри Салона проявило невиданную до тех пор жёсткость: из 5 тысяч картин более половины было отклонено. Император Наполеон III приказал открыть специальную выставку – Салон Отвергнутых, чтобы судить о них могла сама публика. Расчет был точен: всеобщее презрение и насмешки стали наградой тем художникам, кто не побоялся там выставить свои произведения. Больше всего шума вызвал «Завтрак на траве». Жюри упрекнуло художника в полной отсутствии идеализации, все выглядело  реалистичным, а герои картины были слишком узнаваемыми. Никто не соглашался видеть античную богиню в Викторине Мёран, натурщице Мане. Он часто ее писал, она была его талисманом, когда он изображал ее – картины удавались. Так картина «Завтрак на траве» стала центром скандала в Салоне Отвергнутых. Полотна других художников, среди которых были и будущие импрессионисты, остались практически незамеченными. Они были более наваторскими по живописи, но зрителей занимал больше сюжет.

Через два года в официальном Салоне была выставлена следующая картина Мане, где он снова авторски интерпретировал сюжеты из Джорджоне «Спящая Венера (1) и Тициана «Венера Урбинская»(2), изображавшими античную богиню любви: «Олимпия» 1863(3).

1 2 3

Скандал вокруг «Олимпии» оказался еще более громким. Если в Салоне Отвергнутых от картин ждали вызова, и публика туда шла заведомо посмеяться или позлословить, не рассматривая произведения всерьез, то официальный Салон – дело другое. И вдруг на картине, выставленной уже официальным Салоном оказалось опять та самая Викторина Мюран – явно неабстрактная благородная богиня, а известная всем натурщица. Вновь Мане придает классической теме современное звучание, пренебрегая вкусами обывателей. После «Завтрака на траве» и «Олимпии» Мане стал признанным вождем всего нового во французской живописи. Вокруг него объединились молодые художники –будущие импрессионисты. Собирались они в парижском кафе Жербуа, спорили о живописи, в частности о том, возможен ли чистый пленэр, можно линачать и завершить картину прямо на природе, изображая с натуры, без доработки в мастерской, чтобы не дописывать и не доделывать ничего по памяти. Мане поначалу не был сторонником пленэра, но позже и он стал писать на открытом воздухе, делал небольшие этюды, а палитра его сильно осветлилась.

«Флейтист» 1866(1). Сцены современной жизни: «Завтрак в мастерской» 1868(2), «На балконе» 1868 – цитата картины Ф Гойи «Махи на балконе» (3), «В кабачке у папаши Латюйля» 1879(4), «Бар в «Фоли-Бержер»» 1881-1882(5). 

1 2 3

4 5

Исторический жанр – «Расстрел императора Максимилиана» (1867) – серия из трёх картин, небольшого эскиза и литографии о казни правителя просуществовавшей менее 4 лет Второй Мексиканской Империи.

Бытовой жанр: «В лодке» 1874(1), «Аржантёй» 1874 (2), «Ремонтные работы на улице Моснье» (3) и др. Нет какого развернутого сюжета, это снова мгновения из жизни.

              1 2 3                   

Пейзажи «На берегу Сенны возле Аржантей» (1), «Сад в Бельвью»(2), «Скамья в саду»(3)

1 2 3

Портреты кисти Э. Мане: «Портрет Золя» 1868(1), «Портрет мадам Мане на голубой софе» 1874-1878(2), «Портрет Берты Моризо» 1872(3)

1 2 3

Живость и тонкость психологической характеристики.

 

Натюрморты Мане.

2 3

Эдуард Мане. "Пучок спаржи". 1880 г (1) В 1880 году Шарль Эфрусси, меценат и искусствовед, заказал Эдуарду Мане натюрморт «Пучок спаржи». Он хотел финансово поддержать художника в период его болезни. Договорились о цене в 800 франков. Заказчику так понравилась работа, что он выслал художнику чек на 1000 франков. Тогда Мане нарисовал еще один маленький натюрморт с одним стеблем спаржи (2). И отправил его Шарлю Эффруси с сопроводительным письмом: «Высылаю недостающий стебель для вашего пучка». Так Эфрусси за 1000 франков приобрёл два натюрморта Мане.

«Сливы» 1880 г. (3) - в последние годы, сильно страдая от болезни суставов, Эдуард Мане пишет небольшие картины, натюрморты, где мастерски изображает простые объекты: несколько яблок или слив, на тёмном или сером фоне. Они как квинтэссенции, частицы его вдохновения и таланта, сосредоточенные на маленьких кусочках холста. Эти работы Эдуард Мане дарил своим друзьям. Возможно, это была попытка с его стороны отблагодарить близких людей за поддержку и любовь. Понимая, что скоро его не станет. Художник умер в апреле 1883 года (в возрасте 51 года). Несмотря на сильные боли от хронического ревматизма, он почти до последних дней работал.

         Последняя крупная картина Мане – «Бар в «Фоли-Бержер». 1882 г. (1) Художник написал ее под конец жизни, будучи уже очень больным человеком. Несмотря на свой недуг, он создал картину, которая сильно отличается от всех предыдущих его работ.

В основном его картины недвусмысленны и лаконичны. «Бар в «Фоли-Бержер», напротив, заключает в себе ряд загадок, которые не дают покоя неравнодушному наблюдателю.

На картине изображена девушка-продавщица бара в знаменитом до сих пор кафе-варьете «Фоли-Бержер» (Париж, ул. Рише, 32). Оно продолжает существовать и в наши дни. Главная загадка картины заключается в разнице между тем, как выглядит бар и продавщица на переднем плане картины по сравнению с их отображением в зеркале на заднем плане. Почему девушка перед нами даже фигурой отличается от той, что отображена в зеркале? Почему предметы на барной стойке изменяют свое расположение в отражении? Девушка обращена к нам лицом - она задумчива и даже грустна. Кажется, что у нее даже слезы стоят в глазах. В обстановке варьете ей полагается скорее улыбаться и флиртовать с посетителями. Это, кстати, и происходит в отражении зеркала. Девушка слегка наклонилась к покупателю-мужчины и судя по незначительной дистанции между ними, их разговор носит частный доверительный характер. Бутылки на барной стойке также отличаются по своему расположению от отображенных в зеркале. Дату написания картины и свою подпись Мане поставил прямо на одной из бутылок (самая левая бутылка розового вина): Manet. 1882. Художнику позировала реальная продавщица по имени Сьюзон из кафе «Фоли-Бержер». Девушка была хорошо знакома Мане. За 2 года до написания оригинала картины, он нарисовал её портрет (2). Это было обычной практикой для художников: иметь портрет модели на случай её отказа позировать. Чтобы всегда была возможность закончить картину.

1 2

Возможно, Сьюзон поделилась с Мане какой-то своей жизненной историей, и Мане решил изобразить ее внутреннее состояние и ту роль кокетки, которую она вынуждена играть за барной стойкой? А может перед нами запечатлено происходящее в настоящем времени, а в отражении — прошлое девушки, поэтому и изображение предметов отличается?

Особенности живописного мастерства художника: путь от реализма к импрессионизму. Обновление цветовой палитры, смелость и свобода колористических решений, обобщение формы.  Мане остался художников, тщательно продумывающим композицию картины, отбирающим все детали сознательно. И при этом он оказал огромное влияние   на художников-импрессионистов.

 

Стиль импрессионизм: ведущий вид искусства – живопись. Цель – не создание иллюзии реальности на холсте, а точное отображение субъективных впечатлений воспринимаемой объективной реальности.

Импрессионизм как художественное течение, художественный стиль – это совершенно конкретный период в истории французского искусства 60-80 гг 19 века, преимущественно в живописи, связанный с Парижем, который стал центром художественной жизни Европы (а до этого на протяжении 3,5 столетий таким центром являлся Рим; художественное образование считалось незавершенным, пока художник не побывал в Риме). Рим – остался вечным городом, ценным своим прошлым, как памятник ушедшему «золотому веку». Париж наоборот отвечал вызовам текущего дня, это был город интенсивно развивающийся, меняющийся, современный. При жизни импрессионистов в нем появилась железная дорогая, электрическое освещение, фотография, кинематограф. Импрессионисты творили новое искусство в ритме современного большого города, они не столько грезили о прошлом, у них впервые за много веков были все основания с восторгом и удивлением смотреть в настоящее и будущее. Эдуард Мане «Железная дорога» (1) - художник снял мастерскую возле вокзала Сен-Лазар, позировала снова Викторина Мюран.  ЖД – было чудом, теперь на перемещение из города в город уходило несколько часов вместо нескольких дней. На переднем плане поэтичный привычный и старомодный мир, фоном которому служит чугунная решетка ограды и дым, идущий из трубы паровоза. Тут сразу весь Париж – уходящий и надвигающийся. Город, восхищавший своим стремительным преображением. Эта картина Мане композиционно сочинена, продумана, создана в мастерской - стиль реализм. Импрессионизм и реализм во французском искусстве 60-80 гг 19 века сосуществовали одновременно.

1

Импрессионизм как художественно-эстетическое направление -  приходится на 60-80 годы 19 века, и охватывает 8 выставок и творчество нескольких значительных французских художников - отчасти Эдуарда Мане, и последовательных импрессионистов: Клода Моне, Камиля Писсаро, Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Альфреда Сислея, Гюстава Кайботта и Берты Моризо.

Импрессионизм – это совершенно новая система художественного видения и интерпретации действительности на холсте. В основе – живопись на открытом воздухе, пленэр. В отличие от всех предшествующих художников других эпох – импрессионисты писали картины сразу, и не дописывали ничего в мастерской. Поэтому и размеры их картин не так велики, как картины Тинторетто к примеру.

Они не создавали картин в классическом смысле: с предшествующей детальной разработкой замысла, сюжета, многочисленными эскизами по поиску композиции, натурными зарисовками отдельных предметов, фигур и групп. Любая картина импрессионистов – это большой этюд, возведенный в ранг самоценного произведения, выполненный с большей или меньшей степенью завершенности.

   Расстояние между картиной (итогом труда художника, его высказыванием о мире) и этюдом (рабочим материалом) в импрессионизме стерто, его не существует.

В основе такого нового подхода лежит новое мироощущение человека второй половины 19 века. Он указывает на ценность каждого мига жизни, при осознавании постоянной смены мгновений, непрерывного изменения. Для импрессиониста мир предстает как динамичный процесс. Целью становится передать не застывший миг, а непрерывное непостоянство – только оно и вечно, это само движение. Такая цель требовала новых живописных техник и приемов.

  Импрессионистическая живопись опиралась в создании колорита на взаимодополнительные цвета. Для импрессиониста нет голубого без оранжевого и красного без зеленого. Цветовые мазки, уложенные рядом усиливают звучание друг друга. Тени импрессионисты писали цветными, не затемняя цвета: они стремились найти их собственный цвет. Поэтому тени стали голубые, сиреневые, зеленоватые и даже холодно-красные, но только не черные или темно-серые. В зрелый период развития стиля художники вообще избегали черной краски. Если писали черный предмет, то составляли цвет на основе других красок, пользуясь свойствами дополнительных цветов. Большинство полотен импрессионистов воспринимается только с определенного расстояния: вблизи они могут показаться хаосом цветных мазков.

Огромную роль в появлении импрессионизма сыграл промышленный выпуск готовых красок в тюбиках. До этого выход на пленэр для художника был затруднён: требовалось брать с собой сухие пигменты в банках или коробках, связующие, разбавители и т.д. Теперь же, сложив в ящик (который скоро получит название этюдник) несколько тюбиков красок, пузырек разбавителя, взяв кисти и небольшой холст, художник был уже полностью снабжен всем для работы на природе.

Другим изобретением была фотография, она изменила повседневную визуальную культуру, живопись и самих художников. Теперь задачи написать похоже портрет или запечатлеть понравившийся вид быстро и недорого выполняла фотография. Художнику нужно было искать новые задачи и новый подход к изображению мира. Художник мог творить в той области, которая оставалась недоступной для черно-белой фотографии: изображать свет, воздух, движения, работать с цветом и фактурой.

 Импрессионизм тесно связан с реалистическим искусством, он стал следующим шагом в отражении реальной современной действительности. Он противостоял академизму, ориентированному на прошлое с устоявшимися когда-то классическими канонами.

 Клод Моне (1840-1926) – олицетворение принципов импрессионизма и в творчестве, и в биографии. Даже название стиля появилось на основе названия картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» 1872 (1)

Толчком к оформлению импрессионизма в стилевое направление послужила в 1874 году первая крупная выставка импрессионистов в фотоателье фотографа Надара, их друга, на бульваре Капуцинок в доме №35, она получившая название Салона «Анонимного общества живописцев, скульпторов и граверов"». Из окна фотоателье Надара Клод Моне писал бульвар Капуцинок. Это место стало историческим. Всего были представлены 165 работ тридцати художников, которых потом называли «банда Моне». Картины разительно отличались от всего, к чему привыкла парижская публика. Луи Леруа – критик журнала «Le Charivari» в пренебрежительном тоне написал статью об этом событии под заголовком «Выставка «впечатленистов» - по-французски «импрессионистов», это был неологизм - новое сочиненное слово, на основе названия картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Так родилось название целому течению в живописи, а затем и в литературе, и музыке. Теперь мы уже не чувствуем в нем его первоначальной насмешки.

Клод Моне, как и все импрессионисты, в картине «Впечатление. Восходящее солнце» уделяет очень много внимания цвету. Художник сознательно показывает небо и солнце тусклыми, чтобы зритель прочувствовал сырость и прохладу морского утра. Но при этом Моне добивается этого эффекта при очень сочных красках, восхищая и удивляя зрителя.

Картина стала знаковой, визитной карточкой стиля, нового взгляда на мир и его ощущения.    

    Жизненный путь большинства импрессионистов четко делится на два периода. Первый окрашен бедностью, почти нищетой, отсутствием самого необходимого, и при этом крепкой дружбой и внутренней общностью между художниками. В эти годы были написаны лучшие работы, ставшие классикой, а поначалу вызывавшие в обществе непонимание. Например, родители Клода Моне были на редкость скупы, поэтому, чтобы заработать на карманные расходы, Моне в 14 лет начал рисовать карикатуры на друзей и местных жителей. Рисунки, которые юный художник продавал по 15-20 франков, пользовались невероятной популярностью. Несмотря на свою увлечённость карикатурами, в занятиях живописью Моне никогда заинтересован не был, пока не познакомился с Эженом Буденом, своим будущим наставником, который предложил ему писать картины на «открытом воздухе».

  Вторая половина жизни – время признания, славы и коммерческого успеха, материального благополучия. Художники стали мэтрами своего стиля, владельцами домов и мастерских. Но их слово в живописи уже было сказано, теперь страсти разгорались вокруг совсем иных проблем и художников. И тем не менее они оставались творческими натурами. Клод Моне написал картину «Пруд с водяными лилиями» или, как ещё называют это полотно - «Пруд с кувшинками» в возрасте 79 лет, в 1919 году, именно она признана вершиной стиля импрессионизма и является самой дорогой его картиной. В 2008 году на аукционных торгах Christie`s в Лондоне эта картина была продана за баснословные деньги - $80 миллионов. Сегодня «Пруд с кувшинками» (1) занимает девятое место в рейтинге самых дорогих картин мира, проданных на аукционах. Кто приобрел эту картину и где она находится сейчас? Как правило, частные коллекционеры, приобретая подобные произведения, предпочитают остаться неизвестными.

Клод Моне – один из самых последовательных сторонников пленэра. В молодости в теплое время года мастерской ему служила лодка, в которой он с женой Камиллой плавал вдоль берегов Сены. Лодка одновременно была еще и домом: иную квартиру супруги Моне не могли себе позволить. Они проводили много времени в созерцании красот водной глади. Сейчас глядя на волшебные пейзажи с цветущей водной поверхностью, можно думать, что эта деталь биографии была важна для рождения чуда живописи. Часто Моне писал окрестности Аржантея, небольшой деревни на берегу Сены. Еще одним любимым местом стала Лягушатня – группа небольших островков на Сене, превращенная в место отдыха горожан, с купальнями и небольшими плавучими ресторанчиками. Здесь было все для рождения импрессионизма: игра света на воде, веселое и беззаботное движение людей, рябь реки, падавшие на воду сквозь листву блики солнца, подвижные тени. Все это превращалось художником в драгоценную живописную субстанцию. Тени здесь – не затемненный вариант того или иного цвета – а иной цвет, порой не менее интенсивный, чем на свету.

Свежесть и красочное богатство образов природы в лучших произведениях Моне. Пейзажи, портреты, жанровые сцены: семья художника - жена «Камилла» 1866(1,2,3), «Завтрак на траве» 1865-1866(3), «Женщина в саду» (1866), «Лягушатник» 1869(5), «Мост через Сену» 1874 (6), «Дом художника в Аржантее» 1873 (7)

1 2 3

3 4 5

Развитие городского пейзажа - «Бульвар капуцинок в Париже» 1874(1). Серия «Вокзал Сен-Лазар» 1877(2,3).

1 2 3

 

Мотивы Аржантёя: «Парусные лодки», Регата», «Мост через Сену» (1874), «Дом художника в Аржантёе» (1873), «Скалы в Бель-Иле» (1886).

1 2 3 4

Позднее творчество Моне, стремление запечатлеть быстро меняющиеся аспекты природы: серии пейзажей «Стога» 1891(1,2),«Тополя в Живерни»1892(3-5),«Руанский собор»1894(6-9)

1 2 3 4 5

6. 7 8 9

Серии «Здание английского парламента в Лондоне» и «Руанский собор»:

  Главным героем картин импрессионистов стал естественный свет. Клод Моне вошел в историю искусства как художник серий пейзажей, отличающихся разнообразием освещения. Импрессионисты – мастера световоздушной перспективы. Моне уже недостаточно было изобразить одно мгновение для передачи полноты впечатления. Первая из серий – «Вокзал Сен-Лазар» не имеет себе равных в истории живописи. Пример зимнего пленэра, к тому же на вокзале с его сквозняками, внезапными выбросами пара, угольной пылью. Надо было обладать пылким темпераментом и страстной увлеченностью, чтобы работать в таких условиях. Совмещает разные ракурсы и масштабы, из фрагментов вокзальной суеты и складывается потом в единое общее впечатление. Эта серия была представлена публике на Третьей выставке импрессионистов, и была благожелательно принята – публика начала уже привыкать к импрессионизму и интересоваться этим новым стилем.

Серия «Стога» стала экспериментальной лабораторией для художника, он специально взял самый простой мотив – стог сена- и писал его в разные погоду, время суток, времена года.

Серия «Руанский собор» - посвящена свету, поздняя готика – это каменное кружево, свет на нем играет сложно и неповторимо. Названия картин серии уже близки к беспредметному искусству: «Белая гармония», «Голубая и золотая гармония» и др.

Постепенно к художнику пришло признание, и он смог поселиться в живописной деревушке Живерни в 80 км на север от Парижа, здесь он прожил свои последние сорок три года жизни. Поселившись в 1883 году в деревне, художник так увлекся садоводством, что на его полотнах не было почти ничего кроме видов своего любимого сада и макового поля, которое находится на краю деревни. Поначалу сад Моне состоял только из территории, примыкающей к дому (около 1 га). Здесь первым делом художник вырубил мрачную аллею из елей и кипарисов. Но были оставлены высокие пни, по которым потом взбирались плетистые розы. Вскоре розы так разрослись, что сомкнулись и образовали сводчатый цветущий тоннель, ведущий от ворот к дому. Конечно, со временем пни разрушились, и теперь розы поддерживаются металлическими опорами. Это место можно видеть на картинах: перспектива аллеи, где слева, справа и сверху пышные цветы, а на дорожке внизу их тонкие ажурные тени. Участок перед домом, который просматривался из окон, художник превратил в цветочную палитру, смешивая и подбирая краски. В саду Моне (1,2) пестрый благоухающий ковер из цветов разделен прямыми дорожками, как краски в коробке. Моне писал цветы и рисовал цветами. Он как истинно талантливый человек был и выдающимся художником, и выдающимся ландшафтным дизайнером. Садоводством он увлекался очень серьезно, покупал специальные книги и журналы, вел переписку с питомниками, обменивался семенами с другими цветоводами. Коллеги-художники часто навещали Моне в Живерни. Здесь бывали Матисс, Сезанн, Ренуар, Писсарро и другие. Зная об увлечении хозяина цветами, друзья привозили ему в подарок растения. Таким образом у Моне появились, например, древовидные пионы, привезенные из Японии. В 1893 году Моне купил участок болотистой земли рядом со своим, но находящийся с другой стороны железной дороги. Здесь протекал небольшой ручей. На этом месте художник при поддержке местных властей создал пруд, сначала небольшой и увеличенный впоследствии. «Белые водные лилии в Живерни» 1899 (3)

В водоеме были высажены нимфеи разных сортов, по берегам – плакучие ивы, бамбук, ирисы, рододендроны и розы. Через пруд, который имеет очень извилистую береговую линию, переброшены несколько мостиков. Самый известный и большой из них – японский мостик, увитый глицинией. Его Моне рисовал особенно часто. Водный сад Моне разительно отличается от окружающей местности, он скрыт за деревьями. Попасть сюда можно только по тоннелю, проложенному под дорогой. Каждый, зашедший сюда, невольно замирает, затаив дыхание, увидев шедевр, созданный великим художником, узнавая сюжеты его всемирно известных картин. Клод Моне черпал вдохновение в водном саду в течение 20 лет. Моне писал: «…ко мне пришло откровение моего сказочного, чудесного пруда. Я взял палитру, и с того самого времени у меня уже почти не было никогда другой модели». Он сначала создавал свои картины в натуре как ландшафтный дизайнер, они давали отражения в водной глади пруда, а после художник переносил их на холсты. Вставая каждый день в пять утра, он приходил сюда и рисовал в любую погоду и любое время года. Здесь им было создано более сотни полотен. В это время Моне стал терять зрение. Ему все труднее удавалось различать и писать мелкие детали. Картины художника постепенно меняются. Детали и нюансы заменяются крупными мазками краски, которые показывают игру света и тени. Но и в картинах, написанных в такой манере, мы безошибочно угадываем знакомые сюжеты. Стоимость полотен продолжает расти. Клод Моне умер в своем доме в Живерни в 1926 году. За садом ухаживала его падчерица Бланш. К сожалению, во время второй мировой войны сад пришел в упадок. В 1966 году сын художника Мишель Моне передал усадьбу Академии изящных искусств, которая сразу же начала реставрацию сначала дома, а потом и сада. Сейчас усадьбу в Живерни ежегодно посещают полмиллиона человек. Клод Моне прожил большую счастливую жизнь. Ему удалось заниматься любимым делом, сочетать живопись и садоводство, жить в достатке. Он стал знаменитым еще при жизни, что у художников бывает редко. И сейчас во всем мире он остается одним из известнейших и любимых художников

Осенью 1899 года в возрасте 60 лет в Живерни Клод Моне начал цикл «Кувшинки», над которым работал до самой смерти (1926) – 27 лет. Водный сад стал самым любимым уголком Моне в Живерни.

                           

Часть этой серии представляет самостоятельный цикл картин, сейчас он экспонируется в Музее Оранжери - галерее в Париже, где можно увидеть работы Клода Моне, Поля Сезанна, Анри Матисса, Пабло Пикассо, Пьера-Огюста Ренуара, Амедео Модильяни, Поля Гогена, Альфреда Сислея. И тем не менее центральное место в галерее отдано Клоду Моне и его «Кувшинкам». Моне задумал эту серию в 1918г узнав о Компьенском перемирии - соглашении о прекращении военных действий в Первой мировой войне. Сначала эту серию должны были разместить в отеле Бирон (галерея Родена), но в 1920г остановились на Оранжери. Это 8 больших работ, которые Клод Моне написал в преклонном возрасте, перенеся две операции на зрение, и передав их в дар своей стране, завещал никогда не разделять их. Всё было сделано именно так, как того сам хотел Клод Моне. Размер полотен "Кувшинок" можно оценить, только находясь в Оранжери, самое большое 200х1700см, а маленькое 200х600см. За эту последнюю грандиозную серию "Кувшинок" Клод Моне взялся в возрасте 78-и лет.

Но Мане писал не только кувшинки. В мае 1904 года в галерее Дюран-Рюэля состоялась презентация 37 полотен Клода Моне под названием «Виды Темзы в Лондоне». В галереебыли представлены три серии работ, одна из которых вошла в историю мирового искусства, как «Лондон, Парламент». Идея воплотить на полотне волны знаменитой Темзы покрытые туманом, из которого будут выступать очертания готического архитектурного комплекса Парламента, пришла к Моне в 1900. Здесь сошлись два обстоятельства – знакомство с творчеством Уильяма Тернера, в котором импрессионисты сразу почувствовали родственную душу,  и давняя любовь мастера к английской столице, и особенно, к туманной Темзе.

Творчество художников-импрессионистов было очень разным, поскольку их задачей стояла передача субъективных впечатлений от реальности, каждый пошел в творчестве своим неповторимым путем.

Творчество Огюста Ренуара (1841-1919) – портретист, любил изображать танцующих, мастерски организуя ритм цветовых пятен на холсте. Своеобразие импрессионизма Ренуара. Особенности его живописных исканий и техники. Интерес к жанровым сюжетам и портрету: «Купание на Сене» она же - «Лягушатник», 1869 (1), «В ложе» 1874(2), «Бал в Мулен де ла Галетт» 1876 – самая знаменитая картина(3), «Завтрак гребцов» 1881(4), «Качели» (5),«Танец в городе»(6), «Танец в Буживале»(7), «Зонтики» (8).

1 2 3

4 5 6 7 8

«Бал в Мулен де ла Галетт» 1,31 м x 1,75 м – большого для импрессионистов размера,  писалась весело и трудно, с натуры сразу на холсте, без эскизов. Ренуар приходилось носить холст  из мастерской в кабачок Мулен де ла Галетт, куда стекались девушки-модистки, белошвейки, шляпные мастерицы, проводившие 6 дней в неделю за кропотливым трудом, а в воскресенье отдыхавшие на открытом воздухе, в атмосфере дружеского тепла и короткого праздника, среди улыбок, общего танцевального веселья, игры света и тени на лицах, руках и одежде. Золотистая река света четко делит композицию пополам по диагонали, придавая подвижность, выделена группа переднего плана, контраст золотистого цвета и темных пятен передает атмосферу волшебной взволнованности, предчувствий чего-то счастливого совсем рядом. Позже у Ренуара появилась иная «энгровская» как ее называли, манера: сквозь обычный радужный флер живописи стал проступать строгий линейный рисунок: «Зонти

⇐ Предыдущая6789101112131415

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: