Тема 2. Культура и культурная жизнь народов 15 глава

Через импрессионизм прошли почти все деятели русского авангарда. В Государственном институте художественной культуры в Ленинграде у К. Малевича импрессионизм пристально изучался как одна из пяти систем новейшего искусства в виде начальной, стартовой системы. «Импрессионизм – не художественно-эстетическое явление, но исследование в области света и тени… Основная задача импрессиониста – выразить свет и тень. Разница между цветовым и световым подходом… Как подходили к натуре старые мастера. Живопись и иллюминация… Вне освещенных предметов нет света и потому основная задача импрессионизма – предмет в свету.» (К. Малевич. Тезисы лекции, читанные II группе практикантов ФТО Исследовательского института 28 января 1924 года).

Постимпрессионизм – стиль, начинающийся хронологически с последней выставки импрессионистов, с 1886 года (до кубизма). Термин характеризует не художественное явление, а этап, следующий за импрессионизмом. В этом смысле термин перекликается с обозначением поставангарда или постмодернизма. Связан с творчеством французских художников конца XIX в., чья живопись оказала существенное влияние на дальнейшее развитие европейской художественной культуры в направлении авангарда. В. Ван Гог (1853–1890), П. Гоген (1848–1903), Ж.П. Сера (1859–1891), П. Сезанн (1839–1906), А. Тулуз-Лотрек (1864–1901),
А. Руссо и др.

Этот термин впервые употребил английский критик Роджер Фрай по отношению к различным направлениям в искусстве, возникшим во Франции в период с 1880 по 1905 год как реакция на импрессионизм. Художники постимпрессионизма искали новые и более созвучные эпохе выразительные средства. Чера изучал проблемы восприятия цвета и света. Сезанна интересовали устойчивые закономерности цветовых сочетаний и форм. Гоген создал так называемый синтетизм. Произведения Ван Гога построены на яркой цветовой гамме, выразительном рисунке и свободных композиционных решениях.

Фактор видения мира как своеобразный художественный инструмент, строящий ощущение природы согласно обобщенной эстетической модели, стремящейся свести отношения материального мира к всеобщим принципам. Вскрытие отношений, скрытых за поверхностью явлений. Визуальность становится главнейшим принципом художественной выразительности и художественного синтеза. Картина мира художника у Сезанна, Ван Гога, Гогена полностью превращается в эстетический предмет. Постимпрессионизм тяготеет к установлению всеобщих законов визуальных отношений. Создание новой системы зрительных эквивалентов взаимодействию предмета, массы, пространства, времени и т.д.

Требование конструирования приобретает программный характер, становится важнейшим пластическим условием искусства. Произведение становится самостоятельной реальностью. Многообразие впечатлений сводится в систему художественных измерений, самобытную в своем эстетическом порядке. Принцип визуальности опирается на объективные соотношения предметного мира, тяготеет к зрительной способности, открывающей универсальную картину материального всеединства. Постимпрессионизм визуализует стремление осознать новую духовную систему предметно-пространственной ориентации человека в реальном мире. Активная возможность духовного преобразования лежит в основе конструирования в творческом акте.

Сезанн приводит натуру к конусу, кубу и шару, строя произведение на геометричности как ясности выражения плоскости: «Сезанн положил значительные выпуклые основы кубистического направления, расцветшего в лице Брака, Пикассо, Леже, Метценже и Глеза во Франции; это направление было выдвинуто в России с новым уклоном аллогизма» (К. Малевич). Сезанн акцентирует фактуру живописной поверхности, создает контраст формы (прямые горизонтальные идут к центру вертикальной линии, кривые контрастируют с плоскостью). В работах Сезанна ощутима весомость предмета, он стремится к тяжеловесному живописному нарастанию и медлительному движению. Сезаннизм представляет собой чистое выражение живописного мироощущения, а деформированный предмет выступает как элемент переформирования соответственно живописному ощущению. Сезанн приближается к беспредметности, он первым освобождает живопись от трехмерной иллюзорности и возвращает ее на плоскость: «подобная живопись – это не выражение живописи какого-либо дерева, но самостоятельное новое реальное тело, которое воздействует на нас непосредственно. Такое содержание полотна мы можем назвать постоянной, неизменчивой реальностью. Это и будет отличительным признаком от того содержания, которое представляет нам изобразительное искусство: содержание быта, религиозного сюжета, политического момента, портрета… В сезанновских работах мы можем увидеть не реализм натуры. Но реализм постоянно равнодействующей живописи» (К. Малевич).

Поль Гоген (1848–1903). В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества (под влиянием К. Писсарро) был связан с импрессионизмом. С 1880-го года участвует в выставках импрессионистов. С 1883 года становится профессиональным художником. Работы Гогена не находили спроса, и ему пришлось вести нищенский образ жизни. Гоген оставил семью и с в 1886–1890-х гг. почти все время проводил в Понт-Авене (Бретань), где сблизился с группой художников, близких к символизму. В 1887–1888 гг. посетил Панаму, в 1888-м году некоторое время жил у Ван Гога в Арле. Пребывание закончилось ссорой, в результате которой у Ван Гога случился один из первых приступов помешательства.

Испытывая с детства, проведенного в Перу на родине матери, тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию болезнью, Гоген в 1891 году уезжает на Таити. После кратковременного (1893–1895) возвращения во Францию из-за болезни и отсутствия средств, он навсегда уезжает в Океанию – сначала на Таити, а в 1901 году на Маркизские острова, где и умер. Несмотря на болезни, бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народа Океании, сплетаются в них с местными мифами. На больших плоскостных полотнах он создает статичные и контрастные по цвету композиции, глубоко эмоциональные и одновременно декоративные.

В отличие от безмятежного и методичного Жорожа Сера, Поль Гоген верил, что живопись должна стремиться к отображению внутренних переживаний. В картине «Видение после церковной службы» он попытался передать невидимый мир добрых и злых духов. Он решительно порвал с импрессионистическим стилем живописи, отказался от присущей этому стилю техники мазка и стал накладывать краски на холст широкими и размашистыми пятнами. Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ. Влияние творчества Гогена на искусство ХХ века бесспорно.

Винсент Ван Гог (1853–1890), голландский художник и график, крупнейший представитель постимпрессионизма. При его жизни была продана только одна его работа. Нищета, алкоголизм, приступы душевной болезни привели художника к самоубийству. Хотя творческая жизнь Ван Гога продолжалась только 10 лет, она была очень плодотворной: он написал около 800 картин. Его ранние работы изображают крестьян. Мрачные по колориту и по настроению. В 1886 году Ван Гог переезжает в Париж и попадает под влияние импрессионизма и японской цветовой гравюры на дереве. Его работы становятся светлее и разнообразнее: пейзажи, портреты, натюрморты. Для писавшего широкими вихреобразными мазками Ван Гога цвет становится символом и выразительным средством. В 1888 году художник поселился в Арле. Когда к нему приехал Гоген и они поссорились, в приступе безумия Ван Гог отрезал себе часть уха. За последние 70 дней своей жизни он написал 70 картин.

Поль Сезанн (1839–1906), французский живописец. Самый крупный постимпрессионист. Один из выдающихся художников, определивший развитие изобразительного искусства ХХ века. В 1860–1870-х годах присоединился к импрессионистам, но никогда не разделял их целей и не принимал их техники. Работая вместе со своим другом и наставником К. Писсарро, он в основном писал пейзажи на пленэре. Сезанна интересовало не столько мимолетное впечатление от игры света, сколько материальная предметность натуры. Свои задачи он выразил в двух высказываниях: «повторить Пуссена на природе», превратить импрессионизм «во что-то основательное и вечное, подобно музейному искусству». С 1886 года после смерти отца, жил главным образом в семейном поместье в Экс-ан-Провансе. Его картины не вызывали интереса публики вплоть до последних 10 лет его жизни, однако материальная независимость позволяла заниматься любимым делом. Первый успех ему принесла выставка в Париже в 1895 году. К концу жизни он становится почитаемой фигурой. Излюбленные темы Сезанна – натюрморты, портреты жены и пейзажи Прованса, особенно виды горы Сент-Виктория, которую он писал 60 раз. Великолепие французской классической традиции сочетается в них с новыми изобразительными средствами, передающими форму и пространство с помощью тончайших модуляций цвета. Поздние пейзажи одновременно объемные и плоскостные, предвосхитили последовавшие всего через несколько лет кубистические опыты Брака и Пикассо.

Если Гоген жаждал представить внутренний мир человека, то Поль Сезанн стремился расчленить материальный мир. Он не столько тяготел к передаче переменчивых эффектов света, сколько считал, что художник должен разобраться в геометрии видимого. Мазок Сезанна – четкий, решительный и плотный. Он кропотливо разрабатывал каждую тему, подводя под живопись теоретические изыскания и выкладки, что впоследствии оказало заметное влияние на искусство ХХ века.

Анри Тулуз-Лотрек (1864–1901), французский живописец, рисовальщик, литограф. Принадлежал к одной из самых древних аристократических семей Франции. В юности сломал обе ноги и остался инвалидом. Лишенный возможности вести нормальный образ жизни, посвятил себя живописи. В 1882 году учился в Париже у Леона Бонна и Фернана Кормона, но составил занятия у них из-за их академизма. Увлекался Эдгаром Дега, уплощенной перспективой и линеарностью японских гравюр, вырабатывая собственный оригинальный стиль. В 1884–1885 годах переехал на Монмартр в центр парижской художественной жизни и прожил там до конца своих дней. Сюжеты работ – кабаре и танцзалы, модели – танцовщицы, певцы и композиторы. Создал множество цветных рисунков, посвященных цирку и циркачам, рисунки и литографии с изображениями велосипедистов, жокеев и спортсменов, портреты выдающихся актеров и актрис, в том числе Сары Бернар, и знаменитую серию картин на темы, связанные с парижскими публичными домами и жизнью их обитательниц. Тулуз-Лотрек одним из первых занялся созданием афиш, подняв этот жанр рекламного плаката до уровня высокого искусства.

Жорж Сера (1859–1891), из всех провозвестников постимпрессионизма стоял ближе всех к начальным целям импрессионизма. Он больше всех любил писать то, что нравилось его предшественникам – парижан, наслаждавшихся летним солнцем или на вечернем отдыхе, повседневную жизнь пригородов, пейзажи северного побережья Франции. Был богат, и ему не нужно было зарабатывать на жизнь, всецело отдался художественному поиску. Чтобы овладеть искусством передачи тонов, в начале творческого пути работал в технике черно-белого рисунка и только спустя время обратился к цвету. Сера подошел к нему с научной точки зрения: проповедуя эффект смешения цветов, он накладывал на холст чистый цвет в виде множества точек несмешанных красок. Размеры цветовых точек тщательно просчитывались и менялись в зависимости от размеров картины и оптимального расстояния от зрителя, который видел не отдельные точки разных цветов, а сложные живые, более насыщенные цвета. Эта техника называется пуантилизм. Ее классическим примером является полотно «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» (1884–1886). Исследовав свойства цвета, Сера перешел к изучению линий. Он считал, что определенные линии передают конкретные эмоции: загибающаяся вверх линия – счастье, опускающаяся вниз – грусть, а горизонтальные линии – безмятежный покой.

Стиль модерн получил широкое распространение в искусстве последних десятилетий XIX века и в начале ХХ. В течение короткого времени захватил искусство почти всех стран. Имеет многочисленное наследие, подлинные ценности и открытия в архитектуре, живописи, графике, скульптуре, прикладном искусстве. Впервые утверждается в 80–90-е годы XIX столетия, когда истощаются возможности позитивизма, который был мировоззренческой основой многих направлений художественного творчества в течение середины и второй половины XIX века. «Философия жизни» переносит акцент на интуицию, Ницше – на вечную игру стихий, Бергсон выдвигает понятия длительности, изменчивости, творческой эволюции. Смешение контрастных и противоречивых явлений становится характерной чертой времени.

Истоки модерна обнаруживаются в романтизме, но сам модерн в истории искусства выступает как стадия, следующая за реализмом и импрессионизмом, развитые формы которых служат отправной точкой для противопоставления им и для использования их достижений. Модерн проходит три этапа развития: ранний – 80-е годы XIX века, зрелый – 90-е годы XIX века и поздний – начало ХХ столетия.

Первые плоды формирования модерна даются в Англии. В 1882 году была организована «Гильдия века», издававшая журнал «Конек». Художники провозгласили творческими те области деятельности, которые ранее считались просто ремесленными: оформление интерьеров, керамика, живопись на стекле, мелкая скульптура, декоративная живопись, мебель.

Франция становится активным продолжателем и реализатором стиля. Первые признаки Ар Нуво стали заметными в графике – в плакате. Первым мастером плаката во Франции стал Жюль Шере. Архитектурные искания 80-х годов отмечены эклектикой и основанием новых технических возможностей.

Зрелый модерн в каждой национальной школе имеет свои варианты. Название «Ар Нуво» было использовано еще бельгийцами в 80-е годы, но на время было забыто и возродилось во Франции в середине 90-х годов. В 1895 году в Париже Зигфрид Бинг открывает магазин «Ар Нуво» и название получит хождение наряду с терминами: стиль Гимар, стиль метро, стиль Муша. В Англии тоже пользовались названием «Ар Нуво», однако чаще употребляли термин – новый стиль «Modern Style». В Италии утвердилось название – «стиль Либерти» наряду с терминами «цветочный стиль» и «английский стиль». В Германии утвердился термин «Югендстиль». В Австрии – «стиль сецессион». В России – «модерн». В Испании – «модернизм» наряду с «яхт-стиль», «стиль вермишель», «кондитерский стиль».

Настоящий модерн в архитектуре начинается с особняка Тасселя, построенного в Брюсселе в 1892–
1893 гг. архитектором Виктором Орта. Этот особняк – небольшая 4-этажная постройка, над входом в которую на уровне 2 и 3 этажей центрирован эркер, как бы вырастающий из стены, а над ним помещается балкон. Главную роль в интерьере играет лестница. Во внешнем решении особняка Сольве в Брюсселе (1895–1900) использованы два эркера, а в центре фасада – широкие тройные окна с решетками в виде изгибающихся линий. Эта линия получила название «линии Орта» или «дара бича» и использована в рисунке пола, в ограде балкона, в решетке лестницы. Ажурные переплетения решеток созданы с помощью гнутого металла и сливают в единое тело и стену и эркеры. На фасаде отсутствуют прямые плоскости, все изгибается и перетекает. Живописность композиции подчеркивается за счет сдвига двери влево и разнообразия оконных проемов. К классическим примерам стиля относится Народный дом в Брюсселе (1896–1899).

Анри ван де Вельде с середины 90-х годов выступает как теоретик и мастер архитектуры. Его собственный дом «Блюменверф» в Уккле близ Брюсселя в 1896 году подчинен единому ритму во всем. Линия ван де Вельде – тоже гнутая, но без лишних узоров, более простая. Во Франции Ар Нуво в архитектуру пришел с творчеством Гимара. Жилой дом «Кастель Беранже» (1897–1898) со знаменитыми воротами, причудливо витыми и асимметричными. Имар прославился оформлением одного из входов в парижское метро (1898–1904). Наиболее плодотворной была разработка Ар Нуво в живописи и графике. Живописная система Поля Гогена в 90-е годы достигает зрелости, цикл его таитянских работ (1891–1893) соединяет условность с реальностью, наблюдение с обобщением. Особенностью живописной манеры Гогена является декоративность, стремление закрашивать одним цветом большие плоскости холста, линейный контур с цветовой обводкой и любовь художника к орнаментике (на тканях одежд, коврах, в предметах и пейзаже), а также равноценность фигуры и фона. Тулуз-Лотрек в 80-е годы только начинает формировать свой стиль, начиная с натурных изображений. Его миром станет мир театра, цирка, бара и кафе. Художник удлиняет фигуры, доводит до гротеска выразительность контура, уподобляет масляную краску пастели или темпере, использует выразительность незакрашенного холста.

Французская живопись Ар Нуво имеет разные варианты. При этом художники стремятся к созданию живописного панно вместо станковой картины малого размера, испытывают тяготение к декоративности, к особой роли цвета, к выявлению силуэта, к подчеркиванию линии на картинной поверхности, к линейной ритмике.

Что касается основных мастеров Югендстиля (Клингер, Штук, Хофман), то их творчество продолжает сохранять академическую условность и черты натурализма. Немецкие мастера акцентируют мифологические, литературные и евангельские сюжеты. В 1899 году в Германию переезжает ван де Вельде и в 1901 строит здание Фолькванг-музея в Хагене, отказываясь от обилия растительных форм, орнаментики и делая форму более конструктивной. Вскоре он возглавит в Веймере школу, которая со временем станет знаменитым Баухаузом. Центральное место во всем северном модерне принадлежит норвежцу Эдварду Мунку с его преображением натуры, ярким линеарным движением, экспрессией. Работы Э. Мунка 90-х годов закрепили достижения модерна и открыли путь к экспрессионизму.

В Испании в 90-е годы начинает формироваться каталонский модерн на пересечении эклектики и модерна. Представителем этой тенденции был Л. Доменек-и-Монтанер, автор Дворца каталонской музыки в Барселоне (1906–1908). Творчетво Гауди остается по своему значению самым выдающимся в Испании. В 90-е годы он работает над церковью Саграда Фамилиа, а в начале ХХ века создает парк Гуэль, дом Батло и дом Мила.

В России архитектурный модерн начался во второй половине 90-х гг. ХІХ века. Решающая роль принадлежала Ф. Шехтелю, создателю особняка З. Морозовой на Спиридоновке (1893). Классический его период – начало ХХ века, когда он создает особняк Рябушинского на Малой Никитской (1900), Ярославский вокзал (1902), особняк Дерожинской (1901), перестраивает Художественный театр (1902) с живописным равновесием вместо строгой симметрии, свободным построением плана, перетеканием внутреннего пространства, с превалированием лестниц как главной части интерьера.

Московский модерн реализовывался в жанрах особняка и доходного дома, в Петербурге господствовала архитектура модерна с классическим уклоном. Заметными событиями в истории русского модерна стали две выставки (1902–1903) в Петербурге и Москве – «Современное искусство» и «Выставка архитектуры и художественной промышленности нового стиля». В первой принимали участие Бенуа, Бакст, Головин, Коровин, Лансере. В русской живописи модерн, как и импрессионизм, был стертым и невыявленным. В. Серов во второй половине 80-х годов ХІХ века работает как импрессионист, на рубеже 1890-х – 1900-х переходит к модерну. Высшую ступень художественных достижений зрелого модерна воплощает М. Врубель.

Отправными точками в процессе формообразования модерна являются органичность и имитационность. В модерне распространилась широкая мода на разного рода изделия, имитирующие цветок в стакане или вазе, букет. Формы в модерне уподоблены частям живого организма, поэтому они как бы растут. Здесь нет прямых линий, прямых углов, геометризм модерна усложнен, формы происходят из растительного мира. Модерну присуще самодвижение формы, спонтанность, произвольность в бытии. Полукружия, завитки, гнутые линии располагаются как бы хаотично, декоративные детали свободно заходят с левой половины на правую и наоборот. Принцип динамического равновесия культивируется в тех случаях, когда здание выходит на угол двух улиц. Над симметрией и равновесием частей преобладает ритм.

§ 7. Вскоре после открытия X. Колумбом Америки (1492 г.) английские экспедиции, возглавлявшиеся Дж. Каботом, открыли Ньюфаундленд, северо-восточные полуострова Америки и большую часть восточного побережья Северной Америки. В XVI в. начался процесс колонизации Северной Америки Испанией, Францией, Англией, Нидерландами, Швецией, который сопровождался непрерывными войнами с индейцами, захватом их земель, оттеснением на Запад и истреблением. На захваченных территориях европейцы основывали колонии, наибольшее развитие среди которых получили английские, созданные на территории Северной Америки переселенцами преимущественно из Великобритании и Ирландии.

До прихода европейцев на территории Северной Америки развивалось яркое и самобытное искусство индейцев. Ими были созданы своеобразные типы жилых построек: «длинные дома» у ирокезов, дома-селения «пуэбло» у индейцев пуэбло. Развитие получила деревянная раскрашенная скульптура, обычно культового характера, в которой отразились наблюдения индейских художников над окружающей природой. Важное место заняли также роспись керамических изделий, тканей, шкур бизонов, искусство украшения. Эта древняя культура постепенно исчезала.

Колонисты принесли в Северную Америку европейскую культуру. В строительстве использовались английские, французские и голландские архитектурные формы. В живописи господствовал парадный барочный портрет, базировавшийся на английских образцах, но отличавшийся обилием точных бытовых деталей, яркостью локального цвета. Крупнейшими портретистами были Дж. Блэкберн (1700–1765), Р. Фик (1724–1769), Дж. С. Копли (1737–1815) и Б. Уэст (1738–1820).

Первые произведения литературы на английском языке, возникшие на американском континенте, относятся к XVII в. Это описания жизни в колониях Дж. Смита, Дж. Уинтропа, У. Брэдфорда, С. Сьюолла и др. Однако основную часть литературы английских колоний в Северной Америке составляли богословские трактаты пуритан – И. Мазера (1639–1723), К. Мазера (1663–1728) и других. Среди произведений, содержавших демократические мотивы, протест против господства пуританской теократии и призыв к религиозной терпимости, выдающееся место занимали публицистические работы Р. Уильямса (1603–1683), резко осуждавшего преследования инаковерующих.

Вместе с европейскими колонистами в Северной Америке появляется и театр, первые сведения о котором относятся к XVII в. Миссионеры, приехавшие из Европы, устраивали в США мистериальные представления, цель которых состояла в религиозной пропаганде. В XVIII в. в Америке гастролировали иностранные, преимущественно английские труппы. Эти представления устраивались главным образом в южных штатах, где пуритане не имели большого влияния. Первое театральное здание в Америке было построено в Уильямсбурге (Виргиния) в 1716 г. Здесь же в 1751 году спектаклем «Венецианский купец» Шекспира открылся театр
Л. Халлема. Эта английская труппа положила начало профессиональному театральному искусству США. На сцене театра Халлема ставились пьесы Шекспира и других английских драматургов.

В 1775 г. началась война за независимость английских колоний в Северной Америке, идейное обоснование которой осуществили выдающиеся американские просветители и демократы – В. Франклин (1706–
1790), Т. Пэн (1737–1809) и Т. Джефферсон (1743–1826). Война за независимость объединила самые разные слои американского народа в общей борьбе против метрополии, провела резкую грань между прошлым и будущим, она породила первый высокий расцвет литературы и искусства в Соединенных Штатах Америки, который продолжался вплоть до начала 1820-х гг.

Большая часть представителей американской культуры, воодушевленная патриотическим подъемом своих соотечественников, обрела новые силы и вдохновение для создания произведений, имеющих большую художественную ценность. Особенно большого расцвета достигает живопись. Ее крупнейшими мастерами были Ч.У. Пиль (1741–1827) и М. Браун (1761–1831). Первый – автор ряда реалистических портретов («Вашингтон и Лафайет при Иорктауне» (1784); «Сыновья художника на лестнице» (1795), инициатор создания в 1805 г. Пенсильванской Академии художеств. Второй – разрабатывал приемы острой психологической характеристики в портретах Томаса Джефферсона или полковника Мак-Кольри.

Героической романтикой войны за независимость проникнуто и творчество Дж. Трамбалла (1756–1843), который создал целую галерею портретов современников в своих изящных миниатюрах и, особенно, в исторических картинах: «Сражение при Банкерс-Хилле» (1786), «Сдача генерала Бургойна при Саратоге», «Пленение гессенских солдат при Трентоне» (1786–1790). Выразительные, жизненные портреты в этот период писали Дж. Райт (1756–1793), М. Браун (1761–1831), тонкий и одухотворенный художник Т. Салли (1783–1872). Самым выдающимся среди портретистов был Гилберт Стюарт (1755–1828). Один из самых значительных портретов Стюарта – «Конькобежец» (1782) – долгое время приписывался величайшему из портретистов Англии – Гейнсборо. В этом портрете, изображающем Уильяма Гранта из Конгльтона, легко и изящно скользящего на коньках по льду, есть и подлинная поэтическая сила, и глубокая правдивость, столь свойственные портретам Гейнсборо. Однако Стюарт обычно суше, трезвее и материальнее в своей плотной, весомой живописи. Очень характерен для Стюарта писанный с натуры портрет Джорджа Вашингтона (1795). Он дает трезвый, даже прозаический образ выдающегося исторического деятеля, наделенного весьма ощутимыми человеческими недостатками. Этот грубоватый краснолицый человек уже немолодых лет с уверенным и властным, но недружелюбным взглядом, по всей вероятности, чрезвычайно похож на свой оригинал.

После обретения английскими колониями независимости происходит подъем и в архитектуре, складывается американский вариант классицизма, определивший характер общественных зданий и больших частных усадеб. Крупнейшим его представителем был Т. Джефферсон (1743–1826). Гармония пропорций и величественность отличают его здание виргинского Капитолия в Ричмонде (1785–1796), напоминающее тип античного храма с сильно выступающим вперед шестиколонным портиком. Более интимен по характеру и живописен по планировке виргинский университет в Шарлоттсвиле (1818), чудесно связанный с окружающим парком. Эти же черты присущи и усадьбе Монтичелло (1796–1809) в Виргинии, в которой особенно ясно проявились принципы свободного истолкования не только античной, но и палладианской архитектуры.

К этому времени относится также и творчество П.Ш. Ланфана (1754–1825). По разработанному им регулярному плану, основанному на выделении нескольких центров – площадей и радиально исходящих из них больших авеню, связывающих между собой все части города, и был построен г. Вашингтон. Здесь расположилась резиденция президента – Белый дом, сооруженный в 1792 г. Джемсом Хобаном. Война США за независимость привлекла симпатии знаменитого французского скульптора Ж.А. Гудона, который приехал в страну, чтобы выполнить монументальную мраморную статую Вашингтона (1785–1792). Эта работа Ж.А. Гудона оказала, бесспорно, глубокое влияние на формирование американской скульптуры, расцвет которой относится к более позднему периоду – второй половине XIX в.

Общественный подъем, связанный с войной за независимость, затронул и американскую литературу. На этот период времени приходится творчество американского поэта Ф. Френо (1752–1832 гг.). В своих стихах – «Британская плавучая тюрьма» (1781), «Индейское кладбище» (1787), «О годовщине взятия Бастилии» (1793) и других – Ф. Френо отразил протест американского народа против английского гнета, приветствовал французскую буржуазную революцию, с уважением и любовью говорил об индейцах. В более поздних произведениях Ф. Френо наряду с сентиментальными мотивами присутствуют элементы романтизма, проявляется недовольство утверждающимся в стране духом стяжательства. Передовые просветительские взгляды выражал в своей поэзии также Дж. Барлоу (1754–1812), автор поэмы «Колумбиада» (1807) и стихотворения «Совет ворону в России» (1812), в котором он клеймит завоевательные планы Наполеона.

В годы войны за независимость развитие получило и народное творчество американцев; было создано немало песен и баллад, направленных против английской метрополии. Американский фольклор продолжал обогащаться и позднее. В США пользовались большой популярностью комические рассказы о совершенно невероятных «подвигах» различных хвастунов, досужих вралей. Интересны также сказания героического характера о фантастических деяниях легендарных или полулегендарных победителей природы и защитников угнетенных, воплощающих силу народа, его протест против порабощения.

Большое художественное значение имеет народно-поэтическое творчество индейцев. Опубликованные песни, легенды, сказания ярко характеризуют свободолюбие индейцев, их чувство человеческого достоинства, поэтическую фантазию. Индейский фольклор, являющийся вкладом в культуру страны, обогатил творчество таких крупных американских писателей, как Дж.Ф. Купер, У. Уитмен, Г. Лонгфелло и др.

Период яркого подъема в развитии культуры в США в конце ХVІІІ – начала XIX в. сменился периодом относительного упадка. Но это не исключило появления новых тенденций и исканий, которые получили свое дальнейшее развитие во второй половине ХIХ в. В частности, в архитектуре на смену классицизму пришли течения, поверхностно подражавшие всевозможным стилям (от готики до классического искусства Древней Греции). Появилась склонность к грандиозным и показным эффектам. В это время производится перестройка Капитолия. На Капитолии сооружается колоссальный купол (авторы Б.X. Латроб, С. Бульфинч
и др.). В живописи распространяются пышные, бравурные портреты (Д. Нигл, С. Морзе) и банальные бутафорские картины на библейские сюжеты (У. Олстон). В пейзаже ведущее место заняла «школа реки Гудзон». Свое название эта группа художников получила по излюбленному кругу тем и мотивов, первоначально ограниченному живописными местами Новой Англии и штатов Нью-Йорк и Пенсильвания, и, прежде всего – долины реки Гудзон. Основатель «школы реки Гудзон» Томас Коуль (1801–1848 гг.). Он первым стал систематически писать пейзажи на реке Гудзон. Ему в одинаковой мере можно приписать честь открытия красоты реальной природы Америки и вместе с тем сомнительную заслугу первого предвзятого искажения этой реальной природы, преображенной в условно-театральном, а иногда и откровенно мистико-символическом духе («Утро на реке Гудзон»; Бостон, Музей изящных искусств и др.).

⇐ Предыдущая10111213141516171819Следующая ⇒

Поделиться:

Воспользуйтесь поиском по сайту: